A ÁRVORE DA VIDA (RAINTREE COUNTY) – EDWARD DMYTRYK

Quando realizado, “A Árvore da Vida” (Raintree County) foi concebido para ser um novo épico equivalente ao mítico “…E o Vento Levou”. O filme não cumpriu o propósito, mas continua a ser um dos mais belos feitos na década de 1950, sem sofrer com a poeira do tempo, mostrando-se intacto na sua emoção dramática, beleza estética e composição de elenco memorável.
Inspirado no romance homônimo de Ross Lockridge, o filme retrata a procura intensa de John Wickliff Shawnessy (Montgomery Clift) pelos segredos da existência e os mistérios da árvore da vida. Sua sensibilidade é refletida pelo local onde vive, Raintree County, pela vida de poeta sonhador, pela simplicidade e beleza bucólica da namorada Nell Gaither (Eva Marie Saint), sendo violentamente interrompida com a chegada de Susanna Drake (Elizabeth Taylor). Susanna envolve o jovem John, levando-o a um casamento conturbado e à prisão ao seu mundo mentalmente instável. Ao lado da mulher ele assiste o distanciamento das suas indagações de vida, num desfecho dramaticamente trágico, que lhe trará de vez a resposta de qual é a verdadeira árvore da vida.
Ironicamente, “A Árvore da Vida” assinalou o início da agonia de Montgomery Clift, que durante as filmagens, sofreu um acidente no qual teve o rosto desfigurado. Sua agonia visual pode ser comparada a cada cena, gravada antes e depois do acidente. Prejudicado pela tragédia pessoal, o ator, então com o lado esquerdo da face paralisado, limitou a força que tinha em traduzir com o olhar a sua interpretação única. Elizabeth Taylor supera todos os estigmas da sua beleza, numa interpretação memorável, definitiva, compondo com o amigo de uma vida, a sutileza da tragédia dentro e fora da ficção. Juntos, os atores transbordam a empatia que os unia na vida e nas grandes telas do cinema, sendo, ao lado de Humphrey Bogart e Ingrid Bergman, a mais bela dupla romântica que Hollywood apresentou às platéias sonhadoras do mundo.
Esquecido pelas novas gerações, “A Árvore da Vida” é uma sensível descoberta, imprescindível para os amantes da sétima arte, aqui, em sua verdadeira essência visual para contar uma grande história.

O Idealista John Wickliff Shawnessy

Na segunda metade da década de 1950, os estúdios Metro-Goldwyn-Mayer investiram em uma grande produção, com o objetivo de criar outro épico comparado a “…E o Vento Levou” (Gone With the Wind), filme de 1939. Tratava-se da adaptação do romance “Raintree County”, de Ross Lockridge, que assim como “…E o Vento Levou”, trazia a Guerra da Secessão Americana como pano de fundo. Para dirigi-lo, foi chamado Edward Dmytryk, experiente cineasta de Hollywood. Sob a tecnologia do Cinemascope, começava, em 1956, a ser realizada a mais cara produção do cinema até então.
Para protagonistas, foram escolhidos os atores Montgomery Clift e Elizabeth Taylor, que pela segunda vez atuavam juntos, vindos do grande sucesso de “Um Lugar ao Sol” (A Place in the Sun), em 1951. Desde então, os atores haviam iniciado uma intensa amizade, refletida em uma cumplicidade exalada a cada filme que fizeram um ao lado do outro. A amizade só seria interrompida pela morte súbita de Montgomery Clift em 1966.
Sob a beleza da fotografia de Robert Surtees, “A Árvore da Vida” apresenta um dos mais sensíveis filmes sobre a alma humana, fugindo à aventura épica a qual tinha sido destinado. Ao som de uma magnificente trilha sonora, feita por Johnny Green, vamos sendo apresentados à calma bucólica do pequeno condado de Raintree, no sul de Indiana; lugar que dá título ao filme (Raintree County). Em um sopro singelo, vamos percorrendo a paisagem das árvores, como se em uma delas fôssemos encontrar os segredos da vida, da sua proposta para a eternidade da memória de cada pessoa. Num cenário de 1859, abrem-se as portas das casas e das pessoas que habitam em Raintree County.
Na tranqüilidade do lugar, encontramos o jovem poeta John Wickliff Shawnessy (Montgomery Clift), que sonha em ser escritor. Contrastando com a calmaria do lugar, a alma de John ambiciona descobrir os segredos da existência, poder um dia encontrar a mítica e perdida árvore da vida. Os sonhos do jovem são acalentados pela presença contundente do seu professor Jerusalem Webster Stiles (Nigel Patrick). É através do mestre que a semente da busca é implantada em John, sem jamais deixar de instigar-lhe a alma inquieta.
Na vida de John está a doce Nell Gaither (Eva Marie Saint), antiga namorada dos tempos do colégio, por quem tem um sentimento singelo e calmo, prontamente por ela correspondido. Assim, a vida parece conduzir os dois em um desenlace inevitável, construído através do amor em sua mais elegante pureza, com sonhos da elevação do ser através da família.
Mas o mundo idealista de John procura por verdades existenciais que se estendem além das árvores de Raintree County. Seu destino irá cruzar de forma indelével com o da bela Susanna Drake (Elizabeth Taylor). As sombras da alma instável de Susanna convergirão com as luzes da poesia de John, travando uma luta que os irá enlaçar em uma conturbada e asfixiante história de amor e de existência.

Casamento Com a Bela Susanna

Ao conhecer Susanna Drake, John sente por ela uma irresistível tentação, sem que se converta em amor e paixão dilacerantes. Se em John os sentimentos são mais intimistas, em Susanna eles se revelam à flor da pele. Para a jovem não há dúvidas, ele representa o seu elo com o amor e com a sua frágil consistência emocional, envolta nas trevas da sanidade.
Susanna é bela e rica, vinda de Nova Orleans. Sua personalidade não se lhe revela além de uma suposta superficialidade ante as convicções idealistas de John. Parece ser fútil e alheia ao mundo. Quando se depara com John, sente a paixão na sua forma possessiva e sem saída. Não tem dúvidas de que ama o mundo sem sombras do jovem professor. Se há obstáculos para tê-lo, no caso refletidos pela ligação de profunda amizade e comprometimento entre John e Nell; Susanna vai ultrapassá-los, nem que para atingir o propósito tenha que seduzir, ser ardilosa e mentir.
Preso à beleza sedutora de Susanna, John verá o seu mundo pacato e de verdades silenciosas ser rompido bruscamente. Acossado pela mentira da bela jovem, que se lhe apresenta grávida, John decide que irá tomá-la como esposa, apesar dos amigos mais próximos aconselhá-lo a não fazê-lo. John decide unir a sua vida a de Susanna, fazendo-a mais amiga do que amante, mais protetor do que homem apaixonado. Casados, eles partem para o sul do país. Susanna consegue afastar John do seu mundo, dos amigos e do lugar que lhe serve de base para a personalidade etérea.
Preterida por Susanna, resta a Nell Gaither conformar-se com a perda do amor de John. Contemplativa, ela seguirá ao longe o amor perdido, platônica e silenciosamente, manterá o seu amor por John por toda a vida, sendo a amiga que se não lhe abandona jamais.

Nos Campos de Batalha

Cedo John descobre os ardis que Susanna usara para envolvê-lo. Descobre-se preso a um casamento que se construíra em cima de uma sórdida mentira. Sente-se distante dos seus ideais de juventude, asfixiado pelo conturbado mundo emotivo da mulher, que se mostra cada vez mais perturbador e instável.
A decepção de John com a vida é crescente. Aos poucos descobre o mundo das sombras que rondam a mulher, do segredo que se lhe esconde o passado. A mãe de Susanna morrera internada em um asilo para loucos, totalmente despida da sanidade mental. John pressente o mesmo fim trágico para a mulher, cada vez mais distanciada do equilíbrio emocional.
Paralelamente, uma sangrenta guerra civil assola os Estados Unidos, tendo como principal causa a abolição dos escravos naquele país. Enquanto os estados do norte, mais industrializados, são favoráveis ao fim da escravatura, os sulistas, essencialmente agrícolas e dependentes da mão-de-obra dos escravos, são contra. Diante do impasse, surge uma guerra com a finalidade de dividir o país em dois. A guerra civil mergulha os americanos em sangrentas batalhas.
John Wickliff Shawnessy, pacifista e apegado às causas sociais do seu tempo, é um abolicionista convicto. Para suprir a decepção que sofreu ao descobrir as mentiras de Susanna, apega-se cada vez mais às conturbações políticas que eclodem ao seu redor. Frustrado por estar reduzido ao mundo instável da mulher, ele decide alistar-se no exército da União, lançando-se no meio da guerra, numa tentativa de redescobrir os ideais que se lhe moldaram o caráter, na esperança de descobrir na luta pelo que considerava justo, a verdadeira face dos segredos da vida, a luz que se lhe ia iluminar a árvore da vida.
Para desespero de Susanna, criada dentro das tradições sulistas que apoiavam a escravidão, John parte para as frentes de batalhas nos estados do Tennesse e da Georgia, lutando contra os confederados, opondo-se aos frágeis ideais políticos da mulher e ao seu mundo social e emocional.
As cenas de guerra dão ao filme o caráter épico ambicionado pelos produtores, mostradas em belas imagens estéticas e dramáticas. Será na guerra que John encontrará novas perguntas e algumas respostas que o façam refletir a sua existência além do vazio do seu casamento com Susanna. O sangue que escorre nos campos, a necessidade de se matar ou morrer nas batalhas, tudo faz com que ele não dê tréguas à instigante busca das verdades da existência que se lhe aquece e perturba a mente.
John Wickliff Shawnessy depara-se com as atrocidades das batalhas, as situações extremas de sobrevivência, garantidas pelo ecoar das balas das armas, pelo cheiro impregnado da pólvora e pelo sangue derramado no solo e nos ideais.

A Árvore da Vida

Enquanto John Wickliff Shawnessy encontra-se nos campos de batalha, Susanna mergulha em uma depressão sem volta, deixando-se arrebatar cada vez mais pela sombra do caráter da mãe, pela loucura iminente.
Ao retornar dos combates, John sente a fragilidade da mulher. Se não há a paixão tradicional por ela, há um sentimento de amizade e de proteção que o faz abraçar o mundo instável de Susanna. Este sentimento de compreensão e amizade é sublimemente exaltado pela cumplicidade entre Elizabeth Taylor e Montgomery Clift. Uma característica da dupla, que foi buscá-la na profunda amizade que os atores mantinham em suas vidas pessoais.
No meio do casamento conturbado, surge um filho, Jim Shawnessy (Donald Losby e Mickey Maga), o que ameniza a decepção de John em relação ao casamento, fazendo com que ele tente estabelecer o objetivo de tentar trazer a mulher de volta do abismo da loucura.
Apesar da luta intensa para trazer Susanna às malhas da estabilidade emocional, a vida de John torna-se tensa, sem um momento de paz ou de lapsos de felicidade. A própria Susanna chega à conclusão que é a responsável pela infelicidade do marido. Sabe das limitações da sua sanidade, das sombras que rondam a sua mente. Ao conversar com Nell Gaither, percebe que ela ainda ama John, obtendo a confirmação da própria ex-namorada do marido. Em um raro momento de lucidez e redenção profunda, ou de total perda da sanidade conforme o prisma que se olhe, Susanna decide deixar de ser um peso na vida do marido.
Quando a noite atinge o seu auge, Susanna fala com o filho em um tom de ruptura e adeus, beija-o, deixando na cama. Na calada da noite, foge em direção à mata e ao pântano. Da janela, Jim observa a fuga da mãe. Desesperado, o pequeno foge ao seu encalce. De uma das janelas da casa, uma empregada vê quando Jim embrenha-se na mata. Desesperada, a mulher corre até a igreja, batendo os sinos para que a população acorde e saia em socorro do menino.
Numa tensão final, John e os moradores do pequeno condado munem-se de tochas, adentrando-se na escuridão da mata em busca de mãe e filho. Ao seu lado está a dedicada Nell. As buscas atravessam a noite. Já é dia quando John é avisado que encontraram Susanna. Ele corre para ver a mulher, encontrando o seu corpo estendido, sem vida. John abraça-se à mulher morta. Desespera-se, chegando à conclusão que o mesmo acontecera ao filho.
Naquele momento, a imagem mostra o pequeno Jim a dormir debaixo de uma árvore. Ao ouvir vozes, ele acorda, grita pelo pai, atravessando o pântano e indo ao seu encontro. Jim atira-se aos braços de John, em um momento de emoção final. Sobrevivera à loucura e à morte de Susanna. Com o filho nos braços, ele caminha ao lado de Nell, como se recuperasse o verdadeiro caminho da sua vida, interrompida quando do surgimento de Susanna. A imagem fecha na árvore em que Jim adormecera aos pés. É a última cena do filme. Ali está a árvore da vida que John tanto perseguira, ela protegera o seu filho, o verdadeiro segredo da sua continuação, da sua eternidade no mundo. O filme encerra-se em sua beleza épica, numa sublime emoção e delicadeza existencialista.

Entre a Tragédia Fictícia e a Real

“A Árvore da Vida” deixou de entrar para a história do cinema como um épico, para ser um comovente drama existencial, além de demarcar nas telas o início da agonia de um dos maiores atores do cinema. Se em “A Um Passo da Eternidade” (From Here to Eternity), em 1953, Montgomery Clift mostrou-se dilacerante nos campos de guerra, infelizmente o ator não pôde repetir aqui a sua tradicional sensibilidade e forma peculiar de transformar cada personagem em algo sublime. Durante todo o filme o ator parece flutuar, sem encontrar um ponto que arranque a emoção das suas expressões de homem envolventemente desprotegido, ou a luz etérea da imagem da angústia refletida em seus olhos. O ator vivia um dos momentos mais delicados e trágicos da sua existência. Um terrível acidente de automóvel no decorrer dos tempos das filmagens, deixaria marcas indeléveis no corpo e na alma de Montgomery Clift.
As filmagens de “A Árvore da Vida” foram iniciadas no início de abril de 1956. Seriam interrompidas em maio, quando na noite do dia 12, Montgomery Clift ao sair completamente bêbado de uma festa na casa de Elizabeth Taylor, envolver-se-ia em uma tragédia. A poucos metros da casa da atriz, bateu violentamente o carro em um poste telefônico. Ao ser informada do acidente, Elizabeth Taylor dirigiu-se ao local, chegando a tempo de salvar o amigo de morrer sufocado pelo próprio sangue, tirando-lhe dois dentes presos na garganta. Com a mandíbula quebrada, o nariz esmagado e várias escoriações faciais, Montgomery Clift foi obrigado a submeter-se a cirurgias reparadoras, ficando longe das filmagens de “A Árvore da Vida” por oito semanas. As cirurgias plásticas foram pagas com o dinheiro do seguro do filme, para tê-lo o mais breve possível de volta às rodagens da película. As marcas no rosto do ator podem ser vistas nas cenas do filme, em que se percebe perfeitamente as feitas antes e depois da tragédia. Com a face esquerda paralisada, o ator limitou a sua expressão intensa, dando a sensação etérea de flutuar sob a máscara de John Wickliff Shawnessy. Assim como Susanna Drake, Clift iria iniciar uma degradação emocional, regada por barbitúricos que passou a usar para se livrar das dores. Sua agonia seria longa, num suicídio lento que o levaria à morte em 1966, poucos meses antes completar 46 anos.
Elizabeth Taylor agarrou-se à alma de Susanna Drake, numa das mais memoráveis interpretações da carreira, que lhe valeu a indicação para o Oscar na categoria de melhor atriz. O filme receberia ainda três outras indicações ao Oscar, nas categorias de Melhor Direção de Arte, Melhor Figurino e Melhor Trilha Sonora, além de dar o prêmio do Globo de Ouro para Melhor Ator Coadjuvante a Nigel Patrick. Na trilha sonora, Nat King Cole cantou a belíssima música título.
No decorrer dos anos, “A Árvore da Vida” foi um filme praticamente esquecido. Uma verdadeira injustiça com um dos filmes mais belos da década em que foi lançado e de todos os tempos. Rever a cumplicidade entre Elizabeth Taylor e Montgomery Clift é sempre um elogio à química perfeita de dois atores de belezas singulares e talentos ilimitados. Ver o rosto mutilado de Clift, escondido entre a maquiagem, mas demarcado por lhe roubar a expressão contida em cada olhar etéreo que sempre trocou com as câmeras, é entender um pouco o mito, perceber a sua essência e agonia, numa busca infindável pela inconstância da existência e dos sentimentos à flor da pele, ou ainda pela infindável busca dos troncos míticos da árvore da vida.

Ficha Técnica:

A Árvore da Vida

Direção: Edward Dmytryk
Ano: 1957
País: Estados Unidos
Gênero: Drama, Romance
Duração: 168 minutos / Cor (Technicolor)
Título Original: Raintree County
Roteiro: Millard Kaufman, baseado em romance de Ross Lockridge Jr
Produção: David Lewis
Música: Johnny Green
Coreografia: Alex Romero
Direção de Fotografia: Robert Surtees
Direção de Arte: William A. Horning e Urie McCleary
Figurino: Walter Plunkett
Maquiagem: William Tuttle
Edição: John D. Dunning
Efeitos Especiais: Warren Newcombe
Som: Wesley C. Miller, Van Allen James e Burdick S. Trask
Estúdio: Metro-Goldwyn-Mayer
Distribuição: MGM
Elenco: Montgomery Clift, Elizabeth Taylor, Eva Marie Saint, Nigel Patrick, Lee Marvin, Rod Taylor, Agnes Moorehead, Walter Abel, Jarma Lewis, Tom Drake, Rhys Williams, Russell Collins, Oliver Blake, Don Burnett, Michael Dante, Dorothy Granger, Myrna Hansen, Rosalind Hayes, DeForest Kelley
Sinopse: John Wickliff Shawnessy (Montgomery Clift), é um jovem poeta e professor que vive no condado de Raintree, Indiana. Mantém um romance sincero com Nell Gaither (Eva Marie Saint), sua conhecida desde os tempos de colégio. Idealista, pacifista e eternamente em busca das verdades da vida, ele sonha em um dia encontrar a mítica árvore da vida. Inesperadamente, envolve-se com Susanna Drake (Elizabeth Taylor), uma bela e rica jovem de Nova Orleans. Apaixonada, a jovem mente que está grávida, forçando John a se casar com ela. Já casado, ele descobre a outra face de Susanna, seus ardis e sua tendência genética para a loucura. Decepcionado com a sua vida ao lado da mulher, ele alista-se no exército da União, indo para as frentes de batalhas na Guerra da Secessão. Durante o tempo que está na guerra, Susanna deixa-se abater pela depressão, estando a um passo da loucura. Ao regressar, John irá lutar pela mãe de seu filho, numa tentativa de trazê-la de volta ao equilíbrio emocional, em uma lenta e agonizante batalha com um fim quase movido pela tragédia e pelo encontro com os segredos da vida.

Edward Dmytryk

Filho de imigrantes ucranianos, Edward Dmytryk nasceu em Grand Forks, na Columbia Britânica, Canadá, em 4 de setembro de 1908. Criado em São Francisco, na Califórnia, ele tornou-se projecionista da Paramount ainda aos quinze anos.
Edward Dmytryk iniciaria a sua carreira como diretor em 1935, quando realizou o seu primeiro filme, “The Hawk”. Na primeira década da sua longa carreira de cineasta fez filmes de orçamentos baixos e limitados, apesar de ter sido considerada a fase mais criativa da sua obra. Em 1944, realizaria “Até a Vista, Querida” (Murder, My Sweet), considerado o seu melhor filme daquela década, trazendo uma interpretação magnífica de Dick Powell. Em 1947, receberia por “Rancor” (Crossfire), a sua única indicação ao Oscar na categoria de melhor diretor, e a primeira para melhor filme.
Após a indicação para o Oscar, Edward Dmytryk sofreria um grande abalo na carreira e na vida pessoal. Naquele ano de 1947, foi acusado de ser comunista pelo Comitê de Atividades Anti-Americanas do Senado, fazendo com que fosse demitido pelo estúdio RKO, obrigando-o a refugiar-se na Inglaterra. Só retornaria aos Estados Unidos em 1950, para cumprir uma sentença de seis meses de prisão inferida pelo Comitê. Em 1951, passou por novos interrogatórios, levantando a suspeita de que teria denunciado o nome de diversos colegas, o que lhe criou para sempre o estigma de delator.
Mais tarde, Edward Dmytryk seria reabilitado por Hollywood, passando a dirigir grandes produções da era do Cinemascope. Em 1956, foi chamado pelo estúdio Metro-Goldwyn-Mayer para dirigir um épico à altura de “…E o Vento Levou”: “A Árvore da Vida”, com Montgomery Clift e Elizabeth Taylor, sendo até o seu lançamento, em 1957, o filme mais caro já produzido em Hollywood.
Edward Dmytryk continuou a dirigir filmes até a década de 1970. Em 1978 publicou uma autobiografia, “It’s a Hell of a Life, But Not a Bad Living”. Edward Dmytryk morreria pouco tempo antes de completar 91 anos, em 1 de julho de 1999, em Encino, na Califórnia, por causa de insuficiência cardíaca e renal.

Filmografia de Edward Dmytryk:

Longa-Metragem

1935 – The Hawk
1939 – Million Dollar Legs (Ela Prefere Um Atleta)
1939 – Television Spy (Espionagem Por Televisão)
1940 – Emergency Squad (Servidores da Lei)
1940 – Mystery Sea Raider (O Corsário Fantasma)
1940 – Golden Gloves (Luvas de Ouro)
1940 – Her First Romance (Seu Primeiro Romance)
1941 – Sweetheart of the Campus (A Namorada do Colégio)
1941 – The Devil Commands (Os Mortos Falam)
1941 – The Blonde From Singapore (A Loura de Singapura)
1941 – Under Age (Menores de Idade)
1941 – Secrets of the Lone Wolf (As Jóias do Imperador)
1941 – Confessions of Boston Blackie (O Segredo da Estátua)
1942 – Counter-Espionage (Dama em Perigo)
1942 – Seven Miles From Alcatraz (O Farol dos Espias)
1943 – Hitler’s Children (Os Filhos de Hitler)
1943 – Captive Wild Woman (A Mulher Fera)
1943 – Behind the Rising Sun (Atrás do Sol Nascente)
1943 – The Falcon Strikes Back (O Falcão Contra-Ataca)
1943 – Tender Comrade (Mulheres de Ninguém)
1944 – Murder, My Sweet (Até a Vista, Querida)
1945 – Back to Bataan (Espírito Indomável)
1945 – Comered (Acossado)
1946 – Till the End of Time (Noite na Alma)
1947 – Crossfire (Rancor)
1947 – So Well Remembered (Aquele Dia Inesquecível)
1949 – Obsession (Mórbido Despeito)
1949 – Give Us This Day (O Preço de Uma Vida)
1952 – Mutiny (Motim Sangrento)
1952 – Eight Iron Men (Oito Homens de Ferro)
1952 – The Sniper (Volúpia de Matar)
1953 – The Juggler (O Malabarista)
1954 – The Caine Mutiny (A Nave da Revolta)
1954 – Broken Lance (A Lança Partida)
1954 – The End of the Affair (Pelo Amor de Meu Amor)
1955 – Soldier of Fortune (O Aventureiro de Hong-Kong)
1955 – The Left Hand of God (Do Destino Ninguém Foge)
1956 – The Mountain (A Maldição da Montanha)
1957 – Raintree County (A Árvore da Vida)
1958 – The Young Lions (Os Deuses Vencidos)
1959 – Warlock (Minha Vontade É a Lei)
1959 – The Blue Angel (O Anjo Azul)
1962 – The Reluctant Angel (O Anjo Relutante)
1962 – Walk on the Wild Side (Pelos Bairros do Vício)
1963 – The Carpetbaggers (Os Insaciáveis)
1964 – Where Love Has Gone (Escândalo na Sociedade)
1965 – Mirage (Miragem)
1966 – Alvarez Kelly (Alvarez Kelly)
1968 – The Battle for Anzio (A Batalha de Anzio)
1968 – Shalako (Shalako)
1972 – Bluebird (O Barba Azul)
1975 – He is My Brother
1975 – The Human Factor (Vingador Implacável ou Destinados a Morrer)

Curta-Metragem

1956 – Bing Presents Oreste
1979 – Not Only Strangers

OSCAR – O MAIOR PRÊMIO DO CINEMA

 

Apesar de todas as polêmicas e contestações, o Oscar é considerado o maior prêmio atribuído aos que fazem cinema. Instituído há pouco mais de oito décadas, oAcademy Awards(Prêmio da Academia), continua a definir as tendências que omercado cinematográficomundial e, em especial, o norte-americano, deve seguir.
O Oscar é dado pelaAcademia de Artes e Ciências dos Estados Unidos, fundada na cidade de Los Angeles, na Califórnia, em 11 de maio de 1927, sendo concebida por Louis B. Mayer, um dos fundadores dos estúdios Metro-Goldwyn-Mayer. A cerimônia de entrega do Oscar, a mais antiga da mídia, é feita com pompa e glamour, estendo-se em uma passarela vermelha por onde passam as maiores estrelas do cinema, sendo recebidos no Teatro Kodak, desde 2002. Os prêmios atribuídos a cada edição correspondem aos filmes que estrearam no ano anterior à premiação.
Rejeitado pelos cinéfilos mais puristas, a importância do Oscar é indiscutível, pontuando carreiras, acrescentando valores monetários e popularidade mundial. Não define umacarreira de ator ou diretor, em um mercado dinâmico e instável, mas causa paixão entre os premiados e à platéia, estendida pelo mundo, que se maravilha com a atribuição da estatueta.
Nem sempre a qualidade está intimamente ligada aos premiados pelo Oscar, há grandes ícones da sétima arte que jamais o ganharam, como Charles Chaplin, Greta Garbo e Montgomery Clift, e construíram carreiras ímpares. E muitos que o ganharam, e simplesmente desapareceram do cenário cinematográfico.
Seja qual for a visão que se tenha do Oscar, artística ou comercial, o prêmio continua a ser o mais importante atribuído aos que fazem cinema. Levar a pequena estatueta para casa é o sonho de todos os atores, atrizes, diretores, produtores e roteiristas do mundo. É o reconhecimento, ainda que efêmero, daqueles que se propõem a construir os sonhos lúdicos da sétima arte.

Instituição do Prêmio e Locais da Cerimônia

Em 11 de janeiro de 1927, trinta e seis pessoas ligadas aomundo do cinema, entre eles Louis B. Mayer , Mary Pickford, Sid Grauman, Cecil B. DeMille, Douglas Fairbanks, George Cohen e Cedric Gibbons, reuniram-se em um jantar no Hotel Amabassador, em Los Angeles, com a proposta de fundar aAcademy of Motion Picture Arts and Sciences. Em 11 de maio daquele, um banquete realizado no Hotel Biltmore anunciava a fundação oficia da Academia, tendo como primeiro membro honorário Thomas Edison.
A primeira cerimônia de entrega do Oscar ocorreu no Hotel Roosevelt, em Hollywood, em 16 de maio de 1929. Foi apresentada pelo ator Douglas Fairbanks e pelo diretor William C. DeMille. Premiava os filmes estreados em 1927 e 1928. Desde então, vem sendo entregue anualmente, com exceções em 1930, ano em que teve duas entregas, e 1933, ano que não houve nenhuma.
De 1930 a 1943, os prêmios foram entregues primeiro no Ambassador Hotel, e, mais tarde, no Biltmore Hotel, em Los Angeles. Entre 1944 e 1946, foi entregue no Grauman’s Chinese Theater. Nos anos de 1947 e 1948, foi entregue no Shrine Auditorium. A 21º edição, em 1949, foi realizada no Oscar Theatre, em Melrose Avenue, em Hollywood, local que foi sede da Academia. De 1950 a 1960, as cerimônias de entregas do Oscar foram no Pantages Hollywood’s Theatre. Quando passou a ser transmitida pela televisão, a cerimônia de entrega deu-se simultaneamente em Hollywood e Nova York, entre 1953 e 1957, ocorrendo em Nova York no NBC Theatre. Encerrado o ciclo, voltou a ser entregue somente em Los Angeles. Em 1961, a cerimônia mudou-se para o Santa Monica Civic Auditorium, em Santa Mônica, na Califórnia. A partir de 1969, ficou decidido que a cerimônia voltaria para Los Angeles, ocorrendo no Dorothy Chandler Pavilion. Desde 2002, passou a ser entregue no Kodak Theatre, em Hollywood.

A Estatueta do Oscar

O prêmio símbolo da Academia é uma pequena estatueta de trinta e cinco centímetros de altura, pesando quase quatro quilogramas, feita em estanho e originalmente folheada a ouro de catorze quilates. Traz a forma de um homem sobre um pedestal no formato de um rolo de filme, portando uma espada atravessada verticalmente no peito.
A estatueta foi idealizada por Cedric Gibbons, diretor de arte, e pelo escultor George Stanley, conservando o mesmo formato desde a sua criação. O nome oficial Prêmio de Mérito da Academia, ficou conhecido pela alcunha de Oscar. Há algumas versões para esta alcunha, entre elas a de que a mítica atriz Bette Davis assim o teria chamado por achar a estatueta parecida com o seu primeiro marido. Outra variação da lenda é a de que Margareth Herrick, então secretária executiva da Academia, ao ver a estatueta achou-a parecida com o seu tio Oscar. A verdade é que a alcunha vingou, e o prêmio é por oito décadas, chamado de Oscar.
O valor real da estatueta não ultrapassa os duzentos dólares, mas o seu valor histórico não tem preço. Em 1993, a estatueta arrebatada por Vivien Leigh em 1940, pela interpretação contundente de Scarlett O’Hara em “…E o Vento Levou”, foi arrematada em leilão por 562 mil dólares.
A estatueta sofreu alterações não no formato, mas na composição, durante a Segunda Guerra Mundial. Por causa do racionamento de metal imposto pela guerra, na época ela foi confeccionada em gesso. Após o término do conflito mundial, os que foram agraciados com a estatueta de gesso tiveram os seus prêmios trocados pelas originais de estanho. Em 2010 a estatueta foi reforçada na composição com ouro de dezoito quilates.

Bastidores do Oscar

O processo de premiação do Oscar envolve cerca de 5.800 membros votantes da Academia. Todos os profissionais de cinema que já tiveram pelo menos uma indicação para o prêmio tornam-se automaticamente eleitores.
Os filmes que estrearam no mínimo uma semana antes do ano anterior à cerimônia, em pelo menos três cinemas de Los Angeles, são os concorrentes naturais ao prêmio. Os membros da Academia indicam cinco filmes selecionados para a escolha final. Cada membro indica a sua própria categoria, ou seja, ator indica ator, diretor indica diretor. Após a seleção, cada membro vota e elege um dos indicados em sua respectiva modalidade. Além das categorias tradicionais, entre elas a de melhor ator, melhor atriz, melhor filme, e melhor diretor, tem as categorias especiais, como Oscar honorário e memorial.
Em 2010, foram indicados dez filmes ao prêmio, fato que não acontecia desde 1944. As demais categorias continuaram com apenas cinco indicações.
Na história do Oscar, fatos envolventes marcaram as edições de entregas do prêmio, transmitidas pela televisão para milhões de telespectadores em todo o planeta. São as curiosidades que mais fascinam as pessoas.
Entre os recordes do Oscar estão:
Katharine Hepburn, que arrebatou quatro estatuetas, todas na categoria de melhor atriz. Em 1969, a atriz ganhou o Oscar pelo filme “O Leão no Inverno”, juntamente com Barbra Streisand, por sua atuação em “Funny Girl”. Era a segunda vez que acontecia um empate, tendo o outro ocorrido em 1932, quando Fredric March e Wallace Beery arrebataram o prêmio de melhores atores com os filmes “O Médico e o Monstro” e “O Campeão”, respectivamente.
Três foram os filmes que mais conquistaram prêmios, arrebatando onze estatuetas cada um: “Ben-Hur”, em 1960; “Titanic”, em 1998; e, “O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei”, em 2004.
Meryl Streep foi a atriz que mais recebeu indicações ao Oscar, totalizando, desde 1979, dezesseis, das quais arrebatou duas estatuetas, uma como atriz coadjuvante, em “Kramer vs. Kramer”, em 1980, e “A Escolha de Sofia”, em 1983. Em seguida vem Katharine Hepburn, com doze indicações.
Considerada como conservadora, a Academia premiou pouquíssimos atores negros, sendo Hattie McDaniel a primeira atriz negra a conquistar a estatueta, em 1940, por seu desempenho em “…E o Vento Levou”. Sidney Poitier seria o primeiro ator negro a receber o Oscar de melhor ator, em 1964, por sua atuação no filme “Uma Voz nas Sombras”. Denzel Washington e Helle Berry receberiam o Oscar de melhor ator e melhor atriz, em 2002, pelos filmes “Dia de Treinamento” e “A Última Ceia”, respectivamente, sendo a única vez que dois negros levavam o Oscar de melhores intérpretes na mesma cerimônia.
O Conservadorismo não permitiu que Michael Douglas arrebatasse o prêmio em 1988, por sua atuação em “Atração Fatal”. No mesmo ano, indicado também pelo filme “Wall Street”, Michael Douglas receberia o prêmio de melhor ator, sendo que em “Wall Street” seu papel era meramente de coadjuvante.
Ainda no estigma das curiosidades, dois atores foram premiados postumamente: Peter Finch, melhor ator por “Rede de Intrigas”, em 1977; e, Heath Ledger, melhor ator coadjuvante por sua atuação em “O Cavaleiro das Trevas”, em 2009. Dois atores recusaram os prêmios, sendo eles George C. Scott, como melhor ator em “Patton”, em 1971, e Marlon Brando por “O Poderoso Chefão”, em 1973.
Marlee Matlin, foi a única atriz surda que recebeu o Oscar de melhor atriz por sua atuação em “Children of a Lesser God”, em 1987.
Todos estes ingredientes, fazem do Oscar o prêmio mais cobiçado e mítico de todo a indústria cinematográfica do mundo, criando astros e estrelas, muitas vezes estigmatizando carreiras. Seu fascínio e importância permanecem por mais de oito décadas. Seu glamourcontinua inabalável.
Em 2010, Kathryn Bigelow foi a primeira mulher a arrebatar o Oscar na categoria de melhor diretora, pelo filme “Guerra ao Terror”.

Vencedores nas Principais Categorias

Melhor Atriz:

1929 – Janet Gaynor – Sunrise/ Seventh Heaven e Street Angel 
1930 – Mary Pickford – Coquette
1930 – Norma Shearer – A Divorciada
1931 – Marie Dressler – Lírio do Lodo
1932 – Helen Hayes – O Pecado de Madelon Claudet
1934 – Katharine Hepburn – Manhã de Glória
1935 – Claudette Colbert – Aconteceu Naquela Noite
1936 – Bette Davis – Perigosa
1937 – Luise Rainer – O Criador de Estrelas
1938 – Luise Rainer – Terra dos Deuses
1939 – Bette Davis – Jezebel
1940 – Vivien Leigh – …E o Vento Levou
1941 – Ginger Rogers – Kitty Foyle
1942 – Joan Fontaine – Suspeita
1943 – Greer Garson – Mrs. Miniver
1944 – Jennifer Jones – A Canção de Bernadette
1945 – Ingrid Bergman – À Meia Luz
1946 – Joan Crawford – Almas em Suplício
1947 – Olívia de Havilland – Só Resta Uma Lágrima
1948 – Loretta Young – Ambiciosa
1949 – Jane Wyman – Belinda
1950 – Olívia de Havilland – Tarde Demais
1951 – Judy Holliday – Nascida Ontem
1952 – Vivien Leigh – Um Bonde Chamado Desejo
1953 – Shirley Booth – A Cruz da Minha Vida
1954 – Audrey Hepburn – A Princesa e o Plebeu
1955 – Grace Kelly – Amar é Sofrer
1956 – Anna Magnani – A Rosa Tatuada
1957 – Ingrid Bergman – Anastásia
1958 – Joanne Woodward – As Três Máscaras de Eva
1959 – Susan Hayward – Quero Viver!
1960 – Simone Signoret – Almas em Leilão
1961 – Elizabeth Taylor – Disque Butterfield 8
1962 – Sophia Loren – Duas Mulheres
1963 – Anne Bancroft – O Milagre de Anne Sullivan
1964 – Patrícia Neal – O Indomado
1965 – Julie Andrews – Mary Poppins 
1966 – Julie Christie – Darling
1967 – Elizabeth Taylor – Quem Tem Medo de Virginia Woolf?
1968 – Katharine Hepburn – Adivinhe Quem Vem Para Jantar
1969 – Katharine Hepburn e Barbra Streisand – O Leão no Inverno e Funny Girl
1970 – Maggie Smith – Primavera de Uma Solteirona
1971 – Glenda Jackson – Mulheres Apaixonadas
1972 – Jane Fonda – Klute
1973 – Liza Minnelli – Cabaret
1974 – Glenda Jackson – Um Toque de Classe
1975 – Ellen Burstyn – Alice Não Mora Mais Aqui
1976 – Louise Fletcher – Um Estranho no Ninho
1977 – Faye Dunaway – Rede de Intrigas
1978 – Diane Keaton – Annie Hall
1979 – Jane Fonda – Amargo Regresso
1980 – Sally Field – Norma Rae
1981 – Sissy Spacek – O Destino Mudou Sua Vida
1982 – Katharine Hepburn – Num Lago Dourado
1983 – Meryl Streep – A Escolha de Sofia
1984 – Shirley MacLaine – Laços de Ternura
1985 – Sally Field – Um Lugar no Coração
1986 – Geraldine Page – O Regresso Para Bountiful
1987 – Marlee Matlin – Filhos do Silêncio
1988 – Cher – Feitiço da Lua
1989 – Jodie Foster – Os Acusados
1990 – Jessica Tandy – Conduzindo Miss Daisy
1991 – Kathy Bates – Louca Obsessão
1992 – Jodie Foster – O Silêncio dos Inocentes
1993 – Emma Thompson – Retorno a Howard’s End
1994 – Holly Hunter – O Piano
1995 – Jessica Lange – Céu Azul
1996 – Susan Sarandon – Os Últimos Passos de Um Homem
1997 – Francês McDormand – Fargo
1998 – Helen Hunt – Melhor é Impossível
1999 – Gwyneth Paltrow – Shakespeare Apaixonado
2000 – Hilary Swank – Meninos Não Choram
2001 – Julia Roberts – Erin Brockovich
2002 – Halle Berry – A Última ceia
2003 – Nicole Kidman – As Horas
2004 – Charlize Theron – Monster
2005 – Hilary Swank – Menina de Ouro
2006 – Reese Whiterspoon – Johnny & June
2007 – Helen Mirren – A Rainha
2008 – Marion Cotillard – Piaf – Um Hino ao Amor
2009 – Kate Winslet – O Leitor
2010 – Sandra Bullock – Um Sonho Possível
2011 – Natalie Portman – Cisne Negro
2012 – Meryl Streep – A Dama de Ferro
2013 – Jennifer Lawrence – O Lado Bom da Vida
2014 – Cate Blanchett – Blue Jasmine

Melhor Ator:

1929 – Emil Jannings – O Último Comando / Tentação da Carne
1930 – Warner Baxter – No Velho Arizona 
1930 – George Arliss – Disraeli
1931 – Lionel Barrymore – Uma Alma Livre
1932 – Wallace Beery e Fredric March – O Campeão e O Médico e o Monstro
1934 – Charles Laughton – Os Amores de Henrique VIII
1935 – Clark Gable – Aconteceu Naquela Noite
1936 – Victor McLaglen – O Delator
1937 – Paul Muni – A Vida de Louis Pasteur
1938 – Spencer Tracy – Marujo Intrépido
1939 – Spencer Tracy – Com os Braços Abertos
1940 – Robert Donat – Adeus, Mr. Chips
1941 – James Stewart – Núpcias de Escândalo
1942 – Gary Cooper – Sargento York
1943 – James Cagney – A Canção da Vitória
1944 – Paul Lukas – Horas de Tormenta
1945 – Bing Crosby – O Bom Pastor
1946 – Ray Milland – Farrapo Humano
1947 – Fredric March – Os Melhores Anos de Nossas Vidas
1948 – Ronald Colman – Fatalidade
1949 – Laurence Olivier – Hamlet
1950 – Broderick Crawford – A Grande Ilusão
1951 – Jose Ferrer – Cyrano de Bergerac
1952 – Humphrey Bogart – Um Aventura na África
1953 – Gary Cooper – Matar ou Morrer 
1954 – William Holden – Inferno nº 17
1955 – Marlon Brando – Sindicato de Ladrões
1956 – Ernest Borgnine – Marty
1957 – Yul Brynner – O Rei e Eu
1958 – Alec Guiness – A Ponte do Rio Kwai
1959 – David Niven – Vidas Separadas
1960 – Charlton Heston – Ben-hur
1961 – Burt Lancaster – Entre Deus e o Pecado
1962 – Maximilian Schell – O Julgamento de Nuremberg
1963 – Gregory Peck – O Sol é Para Todos
1964 – Sidney Poitier – Uma Voz nas Sombras
1965 – Rex Harrison – Minha Bela Dama
1966 – Lee Marvin – Dívida de Sangue
1967 – Paul Scofield – O Homem Que Não Vendeu a Sua Alma
1968 – Rod Steiger – No Calor da Noite
1969 – Cliff Robertson – Os Dois Mundos de Charly
1970 – John Wayne – Bravura Indômita
1971 – George C. Scott – Patton
1972 – Gene Hackman – Operação França
1973 – Marlon Brando – O Poderoso Chefão
1974 – Jack Lemmon – Sonhos do Passado
1975 – Art Carney – Harry e Tonto
1976 – Jack Nicholson – Um Estranho no Ninho
1977 – Peter Finch – Rede de Intrigas
1978 – Richard Dreyfuss – A Garota do Adeus
1979 – Jon Voight – Amargo Regresso
1980 – Dustin Hoffman – Kramer Versus Kramer
1981 – Robert De Niro – Touro Indomável
1982 – Henry Fonda – Num Lago Dourado
1983 – Ben Kingsley – Gandhi
1984 – Robert Duvall – A Força do Carinho
1985 – F. Murray Abraham – Amadeus
1986 – William Hurt – O Beijo da Mulher Aranha
1987 – Paul Newman – A Cor do Dinheiro
1988 – Michael Douglas – Wall Street 
1989 – Dustin Hoffman – Rain Man
1990 – Daniel Day-Lewis – Meu Pé Esquerdo
1991 – Jeremy Irons – O Reverso da Fortuna
1992 – Anthony Hopkins – O Silêncio dos Inocentes
1993 – Al Pacino – Perfume de mUlher
1994 – Tom Hanks – Filadélfia
1995 – Tom Hanks – Forrest Gump
1996 – Nicola Cage – Despedida em Las Vegas
1997 – Geoffrey Rush – Shine
1998 – Jack Nicholson – Melhor é Impossível
1999 – Roberto Benigni – A Vida é Bela
2000 – Kevin Spacey – Beleza Americana
2001 – Russell Crowe – Gladiador
2002 – Denzel Washington – Dia de Treinamento
2003 – Adrien Brody – O Pianista
2004 – Sean Penn – Sobre Meninos e Lobos
2005 – Jaime Foxx – Ray
2006 – Philip Seymour Hoffman – Capote
2007 – Forrest Whitaker – O Último Rei da Escócia
2008 – Daniel Day-Lewis – Sangue Negro
2009 – Sean Penn – Milk
2010 – Jeff Bridges – Coração Louco
2011 – Colin Firth – O Discurso do Rei
2012 – Jean Dujardin – O Artista
2013 – Daniel Day-Lewis – Lincoln
2014 – Matthew McConaughey – Clube de Compras Dallas

Melhor Diretor:
1929 – Frank Borzage – Sétimo Céu (Drama) e Lewis Milestone – Dois Cavaleiros Árabes (comédia)
1930 – Frank Loyd – Divina Dama
1930 – Lewis Milestone – Sem Novidades no Front
1931 – Norman Taurog – Skippy
1932 – Frank Borzage – Depois do Casamento
1934 – Frank Lloyd – Cavalgada
1935 – Frank Capra – Aconteceu Naquela Noite
1936 – John Ford – O Delator
1937 – Frank Capra – O Galante Mr. Deeds
1938 – Leo McCarey – Cupido é Moleque Famoso
1939 – Frank Capra – Do Mundo Nada se Leva
1940 – Victor Fleming – …E o Vento Levou
1941 – John Ford – As Vinhas da Ira
1942 – John Ford – Como Era Verde Meu Vale
1943 – William Wyler – A Rosa da Esperança
1944 – Michael Curtiz – Casablanca
1945 – Leo McCarey – O Bom Pastor
1946 – Billy Wilder – Farrapo Humano
1947 – William Wyler – Os Melhores Anos de Nossas Vidas
1948 – Elia Kazan – A Luz é Para Todos
1949 – John Huston – O Tesouro de Sierra Madre
1950 – Joseph L. Mankiewicz – Quem é o Infiel?
1951 – Joseph L. Mankiewicz – A Malvada 
1952 – George Stevens – Um Lugar ao Sol
1953 – John Ford – Depois do Vendaval
1954 – Fred Zinnemann – A Um Passo da Eternidade
1955 – Elia Kazan – Sindicato de Ladrões
1956 – Delbert Mann – Marty
1957 – George Stevens – Assim Caminha a Humanidade
1958 – David Lean – A Ponte do Rio Kwai
1959 – Vicente Minnelli – Gigi
1960 – William Wyler – Ben-Hur
1961 – Billy Wilder – Se Meu Apartamento Falasse
1962 – Robert Wise e Jerome Robbins – Amor, Sublime Amor
1963 – David Lean – Lawrence da Arábia
1964 – Tony Richardson – As Aventuras de Tom Jones
1965 – George Cukor – Minha Bela Dama
1966 – Robert Wise – A Noviça Rebelde
1967 – Fred Zinnemann – O Homem Que Não Vendeu Sua Alma
1968 – Mike Nichols – A Primeira Noite de Um Homem
1969 – Carol Reed – Oliver 
1970 – John Schlesinger – Perdidos na Noite
1971 – Franklin J. Schaffner – Patton
1972 – William Friedkin – Operação França
1973 – Bob Fosse – Cabaret
1974 – George Roy Hill – Um Golpe de Mestre
1975 – Francis Ford Coppola – O Poderoso Chefão II
1976 – Milos Forman – Um Estranho no Ninho
1977 – John G. Avildsen – Rocky, Um Lutador
1978 – Woody Allen – Annie Hall
1979 – Michael Cimino – O Franco-Atirador
1980 – Robert Benton – Kramer versus Kramer
1981 – Robert Redford – Gente Como a Gente
1982 – Warren Beatty – Reds
1983 – Richard Attenborough – Gandhi
1984 – James L. Brooks – Laços de Ternura
1985 – Milos Forman – Amadeus
1986 – Sydney Pollack – África Minha
1987 – Oliver Stone – Platoon
1988 – Bernardo Bertolucci – O Último Imperador
1989 – Barry Levinson – Rain Man
1990 – Oliver Stone – Nascido em 4 de Julho
1991 – Kevin Costner – Dança com Lobos
1992 – Jonathan Demme – O Silêncio dos Inocentes 
1993 – Clint Eastwood – Os Imperdoáveis
1994 – Steven Spielberg – A Lista de Schindler
1995 – Robert Zemeckis – Forrest Gump
1996 – Mel Gibson – Coração Valente
1997 – Anthony Minghella – O Paciente Inglês
1998 – James Cameron – Titanic
1999 – Steven Spielberg – O Resgate do Soldado Ryan
2000 – Beleza Americana
2001 – Steven Soderbergh – Traffic
2002 – Ron Howard – Uma Mente Brilhante
2003 – Roman Polanski – O Pianista
2004 – Peter Jackson – O Senhor dos Anéis: O Retorno do Rei
2005 – Clint Eastwood – Menina de Ouro
2006 – Ang Lee – O Segredo de Brokeback Mountain
2007 – Martin Scorsese – Os Infiltrados
2008 – Joel Coen e Ethan Coen – Onde os Fracos Não Têm Vez
2009 – Danny Boyle – Quem Quer Ser Um Milionário?
2010 – Kathryn Bigelow – Guerra ao Terror
2011 – Tom Hooper – O Discurso do Rei
2012 – Michel Hazanavicius – O Artista
2013 – Ang Lee – As Aventuras de Pi
2014 – Alfonso Cuarón – Gravidade

Melhor Filme:

1929 – Asas 
1930 – A Melodia na Broadway
1930 – Sem Novidades no Front
1931 – Cimarron
1932 – Grande Hotel
1934 – Cavalgada
1935 – Aconteceu Naquela Noite
1936 – O Grande Motim
1937 – Ziegfeld – O Criador de Estrelas
1938 – Émile Zola
1939 – Do Mundo Nada se Leva
1940 – …E o Vento Levou
1941 – Rebecca
1942 – Como Era Verde o Meu Vale
1943 – Mrs. Minivir
1944 – Casablanca
1945 – O Bom Pastor
1946 – Farrapo Humano
1947 – Os Melhores Anos de Nossas Vidas
1948 – A Luz é Para Todos
1949 – Hamlet
1950 – A Grande Ilusão
1951 – A Malvada
1952 – Sinfonia de Paris
1953 – O Maior Espetáculo da Terra
1954 – A Um Passo da Eternidade
1955 – Sindicato de Ladrões
1956 – Marty
1957 – A Volta ao Mundo em 80 Dias
1958 – A Ponte do Rio Kwai 
1959 – Gigi
1960 – Ben-Hur
1961 – Se Meu Apartamento Falasse
1962 – Amor, Sublime Amor
1963 – Lawrence da Arábia
1964 – As Aventuras de Tom Jones
1965 – Minha Bela Dama
1966 – A Noviça Rebelde
1967 – O Homem Que Não Vendeu Sua Alma
1968 – No Calor da Noite
1969 – Oliver!
1970 – Perdidos Na Noite
1971 – Patton
1972 – Operação França
1973 – O Poderoso Chefão
1974 – Golpe de Mestre
1975 – O Poderoso Chefão: Parte II
1976 – Um Estranho no Ninho
1977 – Rocky, Um Lutador
1978 – Annie Hall
1979 – O Franco-Atirador
1980 – Kramer Versus Kramer
1981 – Gente Como a Gente
1982 – Carruagens de Fogo
1983 – Gandhi
1984 – Laços de Ternura
1985 – Amadeus
1986 – África Minha 
1987 – Platoon
1988 – O Último Imperador
1989 – Rain Man
1990 – Conduzindo Miss Daisy
1991 – Dança com Lobos
1992 – O Silêncio dos Inocentes
1993 – Os Imperdoáveis
1994 – A Lista de Schindler
1995 – Forrest Gump
1996 – Coração Valente
1997 – O Paciente Inglês
1998 – Titanic
1999 – Shakespeare Apaixonado
2000 – Beleza Americana
2001 – Gladiador
2002 – Uma Mente Brilhante
2003 – Chicago
2004 – O Senhor dos Anéis – O Retorno do Rei
2005 – Menina de Ouro
2006 – Crash – No Limite
2007 – Os Infiltrados
2008 – Onde os Fracos Não Têm Vez
2009 – Quem Quer Ser Um Milionário?
2010 – Guerra ao Terror
2011 – O Discurso do Rei
2012 – O Artista
2013 – Argo
2014 – 12 Anos de Escravidão

POEMAS DOS LIVROS SAGRADOS

 

A Bíblia, livro sagrado do cristianismo em seu todo, e do judaísmo nas chamadas “Escrituras Antigas”, ou “Velho Testamento”, traz em seu texto religioso os princípios fundamentais da palavra de Deus transmitida aos homens.
Escrita de forma épica, conta a história do homem desde a sua criação, aos pactos que o fez ligado ao Criador. Traz, fundamentalmente, as leis que servem de preceitos morais para que o homem seja digno do amor divino.
Importante fonte histórica, imprescindível na formação da moral ocidental, nos princípios que ligam o homem a Deus, o livro sagrado também é uma fonte de beleza poética, com textos de rara estética visual e metáforas líricas, que nos seduz pelas palavras, transcendendo o princípio da fé, pousando como uma suave e definitiva sensação de regozijo literário.
Na força das palavras reveladoras, a beleza verbal da palavra sagrada, que nos afasta dos precipícios da solidão universal, conduzindo-nos pela certeza do amor como adjetivo supremo para a ligação dos mortais a Deus.
“No amor não há temor, mas o perfeito amor lança fora o temor, porque o temor exerce uma restrição. Deveras, quem está em temor não tem sido aperfeiçoado no amor.” (1 João 4:18)
Três trechos são mostrados neste artigo, que se limita apenas a apresentar a poesia sonora e estética, sem se aprofundar na mensagem profética, sapiencial ou religiosa; atendo-se na beleza poética da descrição mais sublime do amor (1 Coríntios), na condição do homem diante de Deus, do tempo estabelecido à humanidade (Eclesiastes), e, na beleza etérea do leito nupcial (Cântico de Salomão). Três momentos do sagrado em uma visão unicamente literária. Três textos de envolvente beleza entre o erudito e o lúdico, o sagrado e o poético, o finito do homem com o infinito de Deus.

O Cântico dos Cânticos

Um dos livros mais poéticos da Bíblia é o “Cântico de Salomão”, também conhecido como “Cantares”, “Cântico dos Cânticos” ou “Cântico Superlativo”. Faz parte do que é chamado pelos cristãos de “Antigo Testamento”. A sua autoria é atribuída ao rei Salomão, filho de Davi. É um livro curto, constituído apenas de oito capítulos, formado por uma estrutura complexa, onde diferentes personagens adquirem voz, numa construção lírica. Três personagens constituem o poema: o noivo, o rei Salomão e a noiva identificada como Sulamita. Construindo um hino nupcial, coros sopram o doce ecoar dos sentimentos, dividindo-o no momento do início do amor e no do seu amadurecimento. Escrito de maneira sensual, com imagens telúricas a tocar no limiar entre o sagrado e o profano, oCântico de Salomão vem, ao longo dos séculos, suscitando algumas interpretações agnósticas e sendo questionado como texto sagrado. O belo poema nupcial permanece, entretanto, como parte do maior livro religioso do mundo ocidental, sendo interpretado por alguns como alegórico, em que os noivos seriam Deus e Israel na visão judaica, e Cristo e a igreja, na concepção cristã. Seja como for, é um dos mais belos poemas líricos de todos os tempos.

1 Ah, se fosses meu irmão, amamentando ao seio de minha mãe! Então, encontrando-te fora, poderia beijar-te sem que ninguém me desprezasse.
2 Eu te levaria, far-te-ia entrar na casa de minha mãe; dar-te-ia a beber vinho perfumado, licor de minhas romãs.
3 Sua mão esquerda está sob a minha cabeça; e sua direita abraça-me. 
4 Conjuro-vos, oh filhas de Jerusalém, não desperteis nem perturbeis o amor, antes que ele queira.
5 Quem é esta mulher que sobe do deserto apoiada em seu bem-amado?
Debaixo da macieira eu te despertei, onde em dores te deu à luz tua mãe. Onde em dores te pôs no mundo tua mãe.
6 Põe-me como um selo sobre o teu coração, como um selo sobre os teus braços, porque o amor é forte como a morte, a paixão é violenta como o Seol. Suas centelhas são centelhas de fogo, uma chama de Jah.
7 As torrentes não poderiam extinguir o amor, nem os rios poderiam submergi-lo. Se um homem desse toda a riqueza de sua casa em troca do amor, só obteria desprezo.
8 Temos uma irmã pequenina que não tem ainda os seus seios formados. Que faremos nós de nossa irmã no dia que for pedida?
9 Se ela for uma muralha, construiremos sobre ela ameias de prata; mas se ela for uma porta, fechá-la-emos com batentes de cedro.
10 Sou uma muralha, e meus seios são como torres. Neste caso me tornei aos seus olhos uma fonte de alegria.
11 Salomão tinha uma videira em Baal-Hamon. Confiou-a aos guardas, cada um dos quais devia dar mil moedas de prata pelos frutos colhidos.
12 Eu disponho de minha videira. Mil moedas para ti, ó Salomão! Duzentas para aqueles que velam a colheita.
13 Ó tu que moras nos jardins, os amigos estão atentos. Faze-me ouvir a tua voz.
14 Foge, meu bem-amado, como a gazela ou à cria dos veados sobre os montes perfumados! (Cântico de Salomão 8: 1-14)

O Tempo de Todas as Coisas

Outro livro poético e sapiencial do “Antigo Testamento” é “Eclesiastes”, ou Kohelet na versão hebraica. Sua autoria é atribuída ao mítico e sábio rei Salomão. No trecho descrito abaixo, o poema afirma a tranqüilidade de saber esperar o tempo certo de todas as coisas da vida. A descoberta de cada momento, do amor divino, das tribulações, dos segredos do trabalho árduo, do labutar secular, da procura única pelo repouso das armas, da guerra e da paz, como se a paisagem humana fosse o resultado de cada tempestade ou bonança, contida ou expandida nos ventos da existência. É a beleza pura da palavra divina na sua concepção poética.

1 Para tudo há um tempo determinado, sim, há um tempo para todo assunto debaixo dos céus;
2 Tempo para nascer e tempo para morrer; tempo para plantar e tempo para desarraigar o que se plantou;
3 Tempo para matar e tempo para curar; tempo para derrocar e tempo para construir;
4 Tempo para chorar e tempo para rir, tempo para lamentar e tempo saltitar;
5 Tempo para lançar fora pedras e tempo para reunir pedras, tempo para abraçar e tempo para manter-se longe dos abraços;
6 Tempo para procurar e tempo para dar por perdido; tempo para guardar e tempo para lançar fora;
7 Tempo para rasgar e tempo para costurar; tempo para ficar quieto e tempo para falar;
8 Tempo para amar e tempo para odiar, tempo para guerra e tempo para paz;
9 Que vantagem tem o realizador naquilo em que trabalha arduamente?
10 Vi a ocupação que Deus deu aos filhos da humanidade para se ocuparem nela.
11 Tudo ele fez bonito no seu tempo. Pôs até mesmo tempo indefinido no seu coração, para que a humanidade nunca descobrisse o trabalho que Deus tem feito do começo ao fim.(Eclesiastes 3: 1-11)

O Amor na Inspiração Apostólica

Uma das mais belas descrições do amor, no sentido mais latente e extensivo da palavra, do abranger do significado universal das coisas, está na primeira epístola que Paulo de Tarso enviou à congregação de Corinto, no livro “1 Coríntios”, parte do Novo Testamento cristão. É o amor como sentido verdadeiro, construtivo e supremo. Nada o faz mais real se não a verdade, nada o dizima no todo como a mentira. Só no âmago do genuíno amor é feita a luz que conduz o fio tênue entre o homem e a magnificência de Deus. O amor aqui é soprado como o mais lírico de todos os cantos. Nunca a inspiração divina foi tão sensivelmente tão poética.

1 Ainda que eu falasse as línguas dos homens e dos anjos, e não tivesse amor, seria como o metal que soa ou como o sino que retine.
2 E ainda que tivesse o dom de profetizar, e conhecesse todos os mistérios e toda a ciência, e ainda que tivesse toda a fé, de maneira tal que transportasse os montes, e não tivesse o amor, nada seria.
3 E ainda que distribuísse toda a minha fortuna para sustento dos pobres, e ainda que entregasse o meu corpo para ser queimado, e não tivesse amor, nada disso me aproveitaria.
4 O amor é longânime e benigno. O amor não é invejoso, o amor não trata com leviandade, não se ensoberbece. 
5 Não se comporta indecentemente, não busca os seus próprios interesses, não fica encolerizado. Não leva em conta o dano.
6 Não se alegra com a injustiça, mas alegra-se com a verdade.
7 Suporta todas as coisas, acredita todas as coisas, espera todas as coisas, persevera em todas as coisas.
8 O amor nunca falha. Mas havendo profecias, serão aniquiladas; havendo línguas; cessarão; havendo ciência, desaparecerá.
9 Porque, em parte, conhecemos, e em parte profetizamos;
10 Mas, quando vier o que é perfeito, então o que o é em parte será aniquilado.
11 Quando eu era menino, falava como menino, sentia como menino, discorria como menino, mas, logo que cheguei a ser homem, acabei com as coisas de menino.
12 Porque agora vemos por espelho em enigma, mas então veremos face a face; agora conheço em parte, mas então conhecerei como também sou conhecido.
13 Agora, porém, permanecem a fé, a esperança e o amor, estes três; mas o maior destes é o amor. (1 Coríntios 13: 1-13)

MIÚCHA & ANTONIO CARLOS JOBIM – ÁLBUM ANTOLÓGICO DA MPB

Em 1977 a música brasileira assistiu ao encontro histórico de Tom Jobim e Miúcha, registrado no álbum “Miúcha & Antonio Carlos Jobim”, desde então um clássico da MPB. A voz afinada e tranqüila de Miúcha encontrou suporte decisivo no universo do maestro soberano, num disco em que ele abre mão da Bossa Nova jazzística, conforme era acusado na época, optando pela brasilidade genuína do som romântico e universal da sua obra.
O projeto do disco com Miúcha nascera dois anos antes, em 1975, e um ano depois do bem sucedido encontro com Elis Regina, no mítico “Elis & Tom”. Ao contrário do primeiro encontro, que teve uma projeção mínima nas paradas de sucesso, “Miúcha & Antonio Carlos Jobim”, foi responsável por vários sucessos nas paradas tão logo foi lançado, com três faixas, à partida, transformadas em trilhas de novelas, sendo uma delas, “Vai Levando”, abertura da novela “Espelho Mágico”, de Lauro César Muniz, no horário nobre da TV Globo, em 1977. Ao longo das décadas, outras faixas, “Pela Luz dos Olhos Teus” e “Sei Lá (A Vida Tem Sempre Razão)”, seriam aberturas de novelas de sucesso.
Miúcha, então incipiente nos discos, atingiria o ponto mais alto da sua carreira, tornando-se popular no Brasil. A divulgação do álbum, gerou um dos melhores shows estreados no Canecão, famosa casa de espetáculos carioca. No embalo, Miúcha e Tom Jobim dividiram o palco com Toquinho e Vinícius de Moraes. O show ficaria em cartaz no Rio de Janeiro por quase um ano, sendo registrado no álbum “Tom/ Vinicius/ Toquinho/ Miúcha – Gravado ao Vivo no Canecão”, outra grande pérola da MPB, lançado ainda naquele farto ano musical de 1977.
O projeto contou com a participação luxuosa de Chico Buarque, inicialmente previsto para participar de uma faixa, ficando em três delas. Definitivo, o álbum tornou-se atemporal, indo além do universo musical de Tom Jobim, passando pelos mais genuínos compositores da música popular brasileira, como Ary Barroso, Custódio Mesquita, Toquinho, Geraldo Carneiro e o eterno Vinícius de Moraes. Composições de autores ecléticos, as músicas vão da Bossa Nova ao samba canção, numa unidade irrepreensível que sustenta a proposta, fazendo a sofisticação do disco tocar na sensibilidade do grande público, ultrapassando as esferas elitizantes do culto ao mito de Tom Jobim.
Além do disco com Vinícius de Moraes e Toquinho, gravado ao vivo, o sucesso de “Miúcha & Antonio Carlos Jobim” deu origem a um segundo encontro entre a dupla, registrado em “Miúcha & Tom Jobim”, álbum de 1979, conhecido como o Volume II do encontro. Apesar de ser um bom disco, o disco de 1979 não teve o impacto e beleza do de 1977, único e intocável.

Fôlego Contunde nas Primeiras Canções

O primeiro encontro de Miúcha com Tom Jobim deu-se em 1975, quando ela participou da faixa “Boto” (Jararaca – Tom Jobim), do álbum “Urubu”, do maestro soberano. Desde então, arquitetou-se a idéia de juntos fazer um álbum.
Miúcha é daquelas cantoras que sempre carregou o estigma do parente mais brilhante, era a mulher de João Gilberto, a irmã de Chico Buarque, e mais recentemente, a mãe de Bebel Gilberto; o que não lhe faz jus ao talento individual e sensibilidade emotiva. Sua estréia profissional em disco deu-se em 1975, ao lado de João Gilberto e Stan Getz, no álbum “The Best of Two Worlds”. Quando chegou às mãos de Tom Jobim, era uma incipiente no mundo do vinil.
Produzido por Aloysio de Oliveira, “Miúcha & Antonio Carlos Jobim” foi lançado em 1977, trazendo doze faixas, contando com a participação especialíssima de Chico Buarque como cantor em três delas. O repertório, incluindo vários compositores diferentes, acentuou uma brasilidade que deu o tom aos arranjos musicais e à sonoridade do disco.
“Vai Levando” (Chico Buarque – Caetano Veloso), abre o disco de forma contundente, já a mostrar a força que pulsará o repertório e a sua atmosfera. A canção foi feita para o show “Chico & Bethânia no Canecão”, em 1975, numa parceria poucas vezes explorada pelos autores. Traz a irreverência eterna de Caetano Veloso, mesclada com a poesia social de Chico Buarque. É cantada em três vozes, a de Tom Jobim, a de Miúcha e a de Chico Buarque. A letra fala da fama, da roda viva da vida, da pílula, das suas convulsões numa época de claustrofóbica ditadura e mudança de costumes, afinal 1977 trouxe após anos de luta contra os desgastados preconceitos morais e religiosos, a aprovação da lei do divórcio. “Vai Levando” é o existencialismo explícito, onde desfilam palavras do cotidiano midiático, como ‘Ibope’, ou marca de cerveja como ‘Brahma’. O disco mal tinha saído do forno e a canção tornou-se tema de abertura da novela global “Espelho Mágico” , um grande avanço na emissora de Roberto Marinho, que havia excluído Chico Buarque da sua programação desde a época dos festivais de canções, tendo-o como presença não grata.

“Mesmo com o nada feito,
com a sala escura
com o nó no peito,
com a cara dura
a gente não tem cura
mesmo com o todavia,
com todo dia,
com todo ia,
todo não ia,
a gente vai levando
a gente vai levando…”

“Tiro Cruzado” (Nelson Ângelo – Marcio Borges) continua com a pressão existencialista social. Num corte de canivete na opressão, no desafio às imposições, na contundência amenizada pelas vozes educadas de Tom Jobim e Miúcha, dando o equilíbrio ao arranque passional e de denúncia social. Uma canção belíssima, que poucas vezes foi gravada na MPB, passando involuntariamente despercebida.

Filosofia das Noites nos Bares

“Comigo É Assim” (Luiz Bittencourt – José Menezes) deixa o existencialismo social, distancia-se da Bossa Nova, abrindo-se um delicioso samba de breque, numa viagem ao fascínio da malandragem da noite carioca, nos desencontros de um casal que se amam e se odeiam no mesmo copo de cachaça. Malevolente e maliciosa, gostosa provocação de briga de amor na voz dos dois cantores.
“Na Batucada da Vida” (Ary Barroso – Luiz Peixoto) segue as noites infinitas dos habitantes dos bares, dos desvalidos no limiar da rua e da vida. É a mulher da rua, da cachaça, das rodas marginais do samba, da batucada, da boemia como ideologia existencial. A voz de Miúcha arrasta-se ao piano acústico de Tom Jobim, desembocando no final ao coro das duas vozes que se encontram. Esta canção é quase um hino aos desvalidos, aos sobreviventes da noite e da bebida, numa atmosfera que se atira ao underground da vida.

“No dia em que eu apareci no mundo
Juntou uma porção de vagabundo da orgia
De noite teve samba e batucada
Que acabou de madrugada em grossa pancadaria
Depois do meu batismo de fumaça 
Mamei um litro e meio de cachaça – bem puxados
E fui adormecer como um despacho
Deitadinha no capacho na porta dos enjeitados”

“Sei Lá (A Vida Tem Sempre Razão)” (Vinícius de Moraes – Toquinho), delicioso samba da época de ouro da dupla Toquinho e Vinícius de Moraes, cantada despretensiosamente a três vozes, tendo novamente a intervenção de Chico Buarque. A letra traz perguntas simples da vida, com suas dúvidas geradas nos copos de uísque do poetinha e nas mesas de bares onde ele encontrava uma inesgotável inspiração. Trinta e dois anos depois de ter sido gravada e lançada, esta versão foi tema de abertura da telenovela “Viver a Vida”, de Manoel Carlos, sendo a terceira música deste disco a abrir uma produção da TV Globo.

Canções de Amor e Bossa Nova

Miúcha resgatou aqui um clássico da obra do irmão, “Olhos Nos Olhos” (Chico Buarque). A canção tinha sido gravada um ano antes pelo próprio autor e por Maria Bethânia, interpretação que correu as paradas de sucesso da época. A voz solitária de Miúcha é acompanhada pelo piano infinito de Tom Jobim, sem intervenção da sua voz. Foge da verve passional de Maria Bethânia, sendo uma interpretação mais intimista, quase a olhar o sentimento para dentro, jamais para a explosão dramática externa.
“Pela Luz dos Olhos Teus” (Vinícius de Moraes), traz um dos mais belos duetos que Tom Jobim participou. Composição solitária de Vinícius de Moraes, é luxuosamente transformada em doce poesia lírica e musical. Na primeira parte da canção, cada um canta alguns versos, na segunda parte cantam simultaneamente, depois duelam entre si, a despejar o amor da canção, transformada em uma suave valsinha, despretensiosa, mas autêntica. A canção foi feita de imediato tema da novela “Dona Xepa”, de Gilberto Braga, tornando-se a mais popular do álbum. Em 2003 voltou às trilhas sonoras, desta vez abrindo “Mulheres Apaixonadas”, novela de Manoel Carlos.

“Quando a luz dos olhos meus
E a luz dos olhos teus
Resolvem se encontrar
Ai, que bom que isso é meu Deus
Que frio que me dá o encontro desse olhar”

A leveza poética de “Pela Luz dos Olhos Teus” continua, desembocando na eterna e definitiva Bossa Nova de Tom Jobim, destilada em “Samba do Avião” (Tom Jobim), uma homenagem ao Rio de Janeiro, hino que recebe de volta os saudosos migrantes do Brasil. É a cidade mãe da Bossa Nova vista de dentro de um avião, pronto para pousar na mítica do Brasil sincrético. O aeroporto internacional do Galeão, ponto de chegada da canção, é hoje oficialmente chamado de aeroporto Maestro Tom Jobim. Homenagem mais que justa a Antonio Brasileiro.
“Saia do Caminho” (Evaldo Ruy – Custódio Mesquita), canção de beleza melancólica, de ruptura com o amor, samba-canção da época de ouro das sofridas e emotivas cantoras pré-Bossa Nova. O fracasso do amor, da paixão, do projeto de vida a dois, a entrega da luta por se estar junto, tudo despejado pelas notas tristes do piano e pela voz enfumaçada na emoção de Miúcha.

Nostalgia e Saudade

O momento de grande apoteose chega com “Maninha” (Chico Buarque), canção feita especialmente para Miúcha. Chico Buarque faz aqui a sua terceira e última intervenção vocal no disco. Modinha saudosista, lírica, mostrando os jardins dos sonhos infantis e juvenis, relembrados na virada dos anos, na quebra da pureza que a vida se nos arranca. Momento de poesia límpida, numa visão de imagens saudosistas da inocência de todos nós. A canção também entrou para a trilha sonora de “Espelho Mágico”, pontuando duas vezes Chico Buarque dentro da emissora que lhe virara as costas por quase uma década.

“Se lembra da jaqueira
A fruta no capim
Os sonhos que você contou pra mim
Os passos no porão, lembra da assombração
E das almas com perfume de jasmim
Se lembra do jardim, oh maninha
Coberto de flor
Pois hoje só dá erva daninha
No chão que ele pisou”

“Choro de Nada” (Eduardo Souto Neto – Geraldo Carneiro), alenta as lembranças latentes, viagem ao que se perde, através dos cenários imutáveis da cidade, quando as personagens por algum motivo, desligaram-se, deixando apenas um vazio que se percorre. A vida vista de um lado da rua, no cansaço dentro do cotidiano da cidade. Um sopro no vazio da noite, no nada da tristeza.
“É Preciso Dizer Adeus” (Tom Jobim – Vinícius de Moraes) encerra este álbum histórico. Em doze canções, Tom Jobim só interviu em duas composições, sendo esta a segunda. Triste, pungente, numa dor que arranha em cicatriz, a canção era uma das preferidas de Tom Jobim. Composta em 1958, só foi usada por ele em momentos especiais, com cantores que lhe proporcionaram a emoção exigida. Voltaria a registrá-la três vezes, em 1981, com Edu Lobo, no álbum “Edu & Tom”; com Gal Costa, em 1993, no “Songbook Vinícius de Moraes”; e, na sua despedida, em 1994, no “Rio Vermelho”, com Ithamara Koorax. Nesta versão, Tom Jobim não interfere na parte vocal, deixando a voz de Miúcha transcender a melancolia aguda da canção. Era preciso dizer adeus, assim, o álbum antológico era encerrado. Fixando-se para sempre na galeria memorial da MPB.

“E essa beleza do amor
Que foi tão nossa
E me deixa tão só
Eu não quero perder
Eu não quero chorar
Eu não quero trair
Porque tu foste pra mim
Meu amor
Como um dia de sol”

O sucesso do disco proporcionou a sua divulgação através de um show no Canecão, que juntava a Tom Jobim e Miúcha, as presenças de Toquinho e Vinícius de Moraes. O espetáculo permaneceu em cartaz no Rio de Janeiro por quase um ano, percorrendo depois outras cidades. Foi registrado no álbum “Tom/ Vinicius/ Toquinho/ Miúcha – Gravado ao Vivo no Canecão”. Em 1979, Tom Jobim e Miúcha voltariam a se encontrar em outro álbum, “Miúcha & Tom Jobim”, gravado quase todo em Nova York. O volume dois da dupla apesar da qualidade, não trouxe a beleza estética e definitiva deste “Miúcha & Antonio Carlos Jobim”.

Ficha Técnica:

Miúcha & Antonio Carlos Jobim 
RCA Victor 
1977

Produção: Aloysio de Oliveira
Diretor Criativo: Durval Ferreira
Arranjos e Regências: Antonio Carlos Jobim
Técnico de Som: Mário Jorge Bruno
Direção de Arte: Ney Távora
Fotos: Ivan Klingen
Vocal: Tom Jobim e Miúcha
Participação Vocal Especial: Chico Buarque

Músicos Participantes:

Piano: Antonio Carlos Jobim
Bateria: Rubinho, Robertinho Silva e Wilson das Neves
Percussão: Ariovaldo Contesini
Baixo: Novelli, Luiz Alves e Edson Lobo
Flauta: Antonio Carlos Jobim, Danilo Caymmi, Franklin e Paulo Jobim
Violão: Dori Caymmi
Cello: Peter Dauelsberg

Faixas:

1 Vai Levando (Chico Buarque – Caetano Veloso) Participação: Chico Buarque, 2 Tiro Cruzado (Nelson Ângelo – Marcio Borges), 3 Comigo É Assim (Luiz Bittencourt – José Menezes), 4 Na Batucada da Vida (Ary Barroso – Luiz Peixoto), 5 Sei Lá (A Vida Tem Sempre Razão) (Vinícius de Moraes – Toquinho) Participação: Chico Buarque, 6 Olhos Nos Olhos (Chico Buarque), 7 Pela Luz dos Olhos Teus (Vinícius de Moraes), 8 Samba do Avião (Tom Jobim), 9 Saia do Caminho (Evaldo Ruy – Custódio Mesquita), 10 Maninha (Chico Buarque) Participação: Chico Buarque, 11 Choro de Nada (Eduardo Souto Neto – Geraldo Carneiro), 12 É Preciso Dizer Adeus (Tom Jobim – Vinícius de Moraes)

O SEGREDO DE BROKEBACK MOUNTAIN – ANG LEE

Um dos mais belos filmes feitos na primeira década de 2000, “O Segredo de Brokeback Mountain” (Brokeback Mountain), é, acima de qualquer tendência ou classificação, uma história de amor, um conceito da vida refletida nas escolhas que se faz, nas imposições morais da sociedade construída sobre os valores seculares, nos medos da vulnerabilidade dos sentimentos. O filme é o lado invisível da sociedade, que todos sabem existir, mas que relevam ao ostracismo dos seus pilares de moralidade.
“Brokeback Mountain” é o amor vivido por dois homens, presos aos medos e às convenções do meio de onde vieram. Mais do que um filme de vertente homossexual, é uma história profunda da alma humana. É o amor vivido nos leitos clandestinos da existência, é a paixão essencial no seu íntimo e coadjuvante diante da sociedade. Uma história que se identifica não só a visão masculina, mas a da mulher, refletida no sofrimento contido de Alma Del Mar. Uma história que poderia facilmente ser identificada como vivida entre um homem e uma mulher casados, numa atmosfera que lembra outro drama, “As Pontes de Madison County”. É o amor consentido em seus labirintos, nos momentos de total sinceridade íntima, e de mentiras que constroem a vida social. Dois homens caminham a sua existência edificada no segredo puro dos seus sentimentos, paralelamente constroem família, uma vida social que não lhes refletem a essência, mas que é a oficial. Vivem o segredo da verdadeira alma, deixando respingos das suas verdades nos olhos contemplativos dos que os rodeiam. O amor é soberano entre eles, mas jamais a verdade social contada. Dividem o segredo, a existência, mas quando a vida ou a morte os separa, ficam à deriva das decisões da família civil, emergindo como meros coadjuvantes de cada um. Não lhes é permitido o corpo morto, as cinzas, a realização do mais tenro desejo final da eternidade. Para eles existem apenas as lembranças, o amor vivido na madrugada fria antes da sociedade despertar. A montanha como cúmplice, como uma verdade panorâmica magistral e silenciosa, guardiã do mais sincero segredo da alma humana, o sentimento.
“Brokeback Mountain” é um drama na sua mais extensa composição. Ao contrário do que se propaga, não é um western, tão pouco a história de cowboys, mas de dois homens contemporâneos, presos nas limitações sociais do seu tempo, atemporais através dos sentimentos que vivem. Infinitos nas valias sociais, que mesmo no século XXI, continuam a respeitar seus conceitos de clã e família. É um filme de rara beleza fotográfica, música épica, e, principalmente, de atores. É nas interpretações memoráveis de Heath Ledger e Jake Gyllenhall que se sustenta toda a sua grandiosidade, estendida cronologicamente por mais de duas décadas. É um drama de amor, fazendo menor os conceitos de quem o vive, enaltecendo a coragem de quem não se deixa perder da sua essência emocional, mesmo vivida em segredo, clandestinamente.

A Montanha Inóspita

Produção canadense e norte-americana, realizada em 2005, “O Segredo de Brokeback Mountain” narra o relacionamento complexo e tempestivo de dois homens, numa seqüência cronológica que atravessa quase vinte anos.
Dirigido pelo cineasta taiwanês Ang Lee, é uma adaptação do conto homônimo de Annie Proulx, publicado pela primeira vez em 1997. Por trazer um tema delicado, que apesar de todos os tabus quebrados nas últimas décadas, o roteiro de Larry McMurtry e Diana Ossana, escrito no fim da década de 1990, ficou arquivado durante anos, sem conseguir financiamento para ser filmado.
Apesar de personagens fortes e fascinantes, os protagonistas da história assustavam aos atores diante de uma temática controversa e com cenas tão explícitas de romance homoerótico. O ator Mark Wahlberg, inicialmente convidado para viver Ennis Del Mar, recusou o papel por medo do preconceito. Heath Ledger e Jake Gyllenhall aceitaram o desafio, vencendo o medo da rejeição, sendo compensados com o reconhecimento do público e da crítica. Foram, pelo trabalho, indicados ao Oscar nas categorias de melhor ator e melhor ator coadjuvante respectivamente. Mais do que a polêmica da temática, o filme mostrou-se vitorioso na sua vertente humana, conquistando não um público específico, mas a todos com sensibilidade diante dos sentimentos e do amor, universais para quem os vive, não importando se um casal heterossexual ou homossexual.
A história abre-se no verão de 1963. Ennis Del Mar (Heath Ledger) e Jack Twist (Jake Gyllenhall), dois jovens pobres, conhecem-se ao procurar emprego como pastores de ovelhas, em Wyoming, estado rural e conservador do oeste dos Estados Unidos. São contratados pelo rancheiro Joe Aguirre (Randy Quaid), para um difícil trabalho, enquanto um vigia as ovelhas numa área de proteção ambiental no alto da montanha, o outro fica na base, responsável pelos alimentos e pela vigilância da área.
Juntos, os jovens sobem para a montanha. Levam consigo a força da juventude e a necessidade da sobrevivência, construída pela penúria da pobreza, irrigada pelo sonho limitado de cada um. Ennis é conciso, quieto, quase rude na alma introspectiva. Jack é mais solto, quem puxa pelo silêncio do companheiro de labuta. O ambiente é inóspito, quase hostil, cercado por lobos, ursos e outros animais silvestres, pelo calor escaldante do dia e o frio cortante das noites. A comida é precária, vivem de mesquinhas rações fornecidas por um patrão sovina. A labuta é quase insuportável, uma escravidão remunerada. Na solidão da montanha, somente a amizade poderá fazê-la suportável. Jack é quem arranca das entranhas de Ennis as palavras, o estoicismo latente, o fio que conduz os diálogos e as revelações que se vão quebrando os silêncios. Ele aprenderá a extrair para sempre os mais verdadeiros e negados sentimentos do companheiro.
As imagens da montanha vão surgindo como uma beleza radiante, como um bem acabado cartão postal. A solidão da paisagem é quebrada pela música contundentemente sedutora composta pelo argentino Gustavo Santaolalla.
No meio da paisagem, Ennis e Jack lutam contra as diversidades do ambiente silvestre. Enfrentam feras, caçam cervos para não morrerem de fome, revezam nas funções, ora um sobe ao topo da montanha, ora o outro desce.
Nos momentos que se encontram, conseguem fazer parte do gênero humano, não da paisagem selvagem da montanha. Alimentam-se, falam, bebem, trocam confidências de vida. Numa noite Ennis bebe demais, não conseguindo partir para o topo da montanha. Completamente embriagado, decide dormir no acampamento de Jack. Na sua visão viril do mundo, prefere dormir junto à fogueira, ao relento e ao frio, do que ao lado de Jack, dentro da tenda. A noite é áspera e fria, Ennis sente os ossos congelar. Jack ouve o amigo tremer de frio, vai buscá-lo, trazendo-o para a tenda. Deitam-se um ao lado do outro. A solidão da noite transforma-se na solidão da vida. Jack está decidido a quebrá-la. Envolve o braço do amigo em seu corpo. Aos poucos começa a despi-lo. Ennis, ainda sob o torpor da bebida, acorda assustado com os gestos de Jack. Levanta-se, deixando-se acossar pelos carinhos do outro. Sua atitude é brusca, quase selvagem, deixa-se levar pelos instintos, não pelos carinhos. A cena é crua, de forma bruta, quase que violenta, Ennis subjuga Jack, possuindo-o com a fúria da virilidade solitária. O sexo como explosão é o início do encontro complexo que prenderá as almas dos dois para sempre.

Estabelecido o Segredo na Montanha

Na manhã seguinte, Ennis acorda ao lado do companheiro de jornada. Veste as calças e saí. Não considera o que fizera um ato digno, mas sim uma explosão do desejo viril. Rejeita o prazer, cobrindo-se de culpa. Jack aparece. Senta-se à fogueira, ao lado de Ennis, que lhe permanece virado de costas. Não consegue olhar para Jack. Consegue apenas dizer que aquilo terminava ali, não haveria uma outra vez. Jack responde convicto: “Isto não interessa a mais ninguém além de nós”. Para Ennis, a verdade é a que encerra, a que lhe cobra o mundo. Ele só quer uma afirmação: “Ain’t no queer”, ou seja, não era anormal, não era um maricas. Jack também diz que não o é.
Ennis monta o cavalo e parte para o alto da montanha. Ficará a tarde toda preso à culpa latente pela noite que se permitira ser mais animal, ejacular sobre a solidão. É o momento mais contundente à frase que se está estampada nos cartazes do filme, o slogan “Love is a force of nature” (O amor é uma força da natureza).
Mais complacente com a sua culpa, Jack despe-se à beira do rio, lavando as suas roupas nas águas límpidas e correntes, como se lavasse a fúria da noite, o cheiro de Ennis, o seu sêmen. São notáveis os momentos em que as personagens cuidam da sua higiene pessoal, mesmo com a precariedade do local, banhando-se com improvisadas canecas e água fervida na fogueira.
Ennis só retorna já muito tarde da noite. Encontra Jack deitado dentro da tenda. Pede-lhe desculpa, deita-se ao seu lado, e desta vez o sexo dá passagem para o sentimento. O carinho substitui o ato animal. O ato físico cru e selvagem dá passagem para o ato amoroso, iniciando uma relação que os seguirá para o resto de suas vidas. Permitem-se amar um ao outro, encontrando o que há de mais genuíno em suas almas, assumindo o maior segredo das suas vidas.
A partir de então, o filme mostra a força pujante de dois homens, que se equilibram pelo sentimento, jamais por suas naturezas. Rolar bruscamente na relva, trocar socos, cavalgar, fazem parte dos carinhos viris que dissimulam a condição de amantes. Jamais se diz “eu te amo”, jamais será dito com palavras, apenas com olhares e silêncios emanados da alma.
Cada vez mais envolvidos, descuidam-se do trabalho escravo que fazem. Ovelhas são mortas por lobos, tempestades fazem com que elas se misturem a outros rebanhos. Para eles é mais importante preservar a vida juntos, aquecidos na tenda, em uma noite de tempestade do que enfrentá-la na escuridão atrás de ovelhas desgarradas. Suas vidas tornam-se mais importantes do que a servidão humana que lhe exigem aquele trabalho.
As cenas dos dois na montanha são envolvidas sempre por um carinho latente que explode em leves lutas corporais. Heath Ledger rodou uma cena de nu frontal, numa seqüência que o seu personagem e o de Jake Gyllenhall, atiram-se sem roupas ao rio. O diretor Ang Lee, temeu que a ousadia fosse por demais, cortando a cena, mas fotografias com as imagens de nudez do ator foram parar na internet, rodando o mundo. Na cena, Jake Gyllenhall foi substituído por um dublê, não sendo ele quem está ao lado de Heath Ledger.
Enquanto Jack e Ennis distraem-se em viver os seus sentimentos, o idílio da montanha é visto por Joe Aguirre, o contratante, que os observa de longe. O segredo de ambos torna-se tão frágil quanto a própria existência daquele sentimento nascido ao topo da montanha.
Uma tempestade de neve fora de hora encerra o trabalho dos dois improvisados pastores de ovelhas. Inicialmente contratados para chegarem até o fim de setembro, são dispensados um mês antes. Ennis recebe mal a ordem de desmontar o acampamento um mês antes. Tenso e mal-humorado com a decisão, Ennis inicia uma briga com Jack, ambos saem feridos e com as camisas manchadas de sangue.
Os dois deixam em silêncio a montanha. Sabem que a vida continuaria mesquinha e programada para eles. A paisagem silvestre da montanha permitia que fossem livres para amar um ao outro, mas não a sociedade para a qual voltavam. Assim, deduzem que aquele encontro fora um calor de verão, só existente nas leis da natureza presa na montanha. Jack promete voltar no ano seguinte, mas Ennis apenas diz que se vai casar, seguir a vida como acha que deve ser.
Após a contagem das ovelhas, são humilhados pelas palavras do patrão, que diante de tanta perda no rebanho, diz que não prestam para olhar animal algum. Os dois despedem-se sem trocar um aperto de mão, sem uma garantia de que se iriam rever um dia. Separam-se como dois estranhos. Pelo retrovisor da sua velha caminhonete, Jack observa o amigo desaparecer na distância, friamente, sem ousar olhar para trás. O que ele não vê é que debaixo da frieza aparente do Ennis, uma dor insuportável apodera-se dele. Pensando que vai vomitar, Ennis encosta-se em um canto, mas termina por chorar escondido, esmurrando a parede, deixando explodir o sofrimento da separação. Ao perceber que é observado, vocifera para que o deixem em paz. Assim, o mais contido dos homens, chora desesperadamente por perder o seu companheiro, por voltar ao cotidiano da sua vida sem brilho, coberta pelos mistérios da sua existência.

Casamentos e Reencontros

Ennis Del Mar e Jack Twist seguem caminhos separados. A tênue cumplicidade adquirida entre os dois parece ter ficado presa no passado. A amizade que se estabelecera, não fosse o envolvimento emocional, perduraria como exemplo para toda a sociedade, e eles poderiam ser apresentados a todos sem qualquer culpa além da unidade fraterna. Mas o sentimento secreto de ambos, fazia que só existissem um para o outro, longe dos olhares do mundo.
Ennis Del Mar não tinha nada na vida. Perdera os pais muito cedo, sendo criado por irmãos que, à medida que se casavam, excluíam-no das suas vidas. Só lhe restava casar e construir a sua própria família. Assim, já com a marca de Jack fincada em seu ser, casa-se com Alma Beers (Michelle Williams). Construindo com ela uma vida simples, complementada pelo nascimento de duas crianças.
Jack Twist ainda debate-se com a sua solidão. No ano seguinte, conforme prometera ao amigo, volta para tentar trabalhar como pastor na montanha. É recusado por Joe Aguirre. Jack ainda pergunta por Ennis. A resposta do contratador é irônica, elucidando o jovem de que ele sabia o que se havia passado entre ele e o amigo. Jack nada responde. Segue errante o seu caminho pelos rodeios da vida. Atira-se por vezes a possíveis companheiros, sentindo-se rejeitado por sua homossexualidade cada vez mais latente. Por fim casa-se com a impulsiva Lureen Newsome (Anne Hathaway), filha de um rico comerciante de máquinas agrícolas. Gerará com ela um filho.
A vida de Ennis segue monótona, sem grandes sonhos. Assume o seu lar como um marido comum e bom pai de família. Trabalha muito em vários empregos rurais, ganha pouco, mas o suficiente para conduzir a sua vida modesta e simplória. Poderia viver assim para sempre, não fosse em 1967, quatro anos depois de ter trabalhado como pastor na montanha, receber um inesperado cartão postal de Jack, avisando que estaria na sua região, e se ele o queria ver. O mundo familiar de Ennis, construído sobre alicerce frágil, parece desmoronar. Como um sopro no coração, atende ao chamado de Jack, dizendo que sim, que queria vê-lo.
No dia marcado do encontro, Ennis prepara-se como um adolescente perdido. Pela primeira vez a dureza da vida, a maturidade precoce, dá passagem para um jovem sonhador, à espera do amor da sua vida. Ao lado da mulher, espera com uma ansiedade latente a chegada do amigo. Chega a dizer que não acredita que ele virá. De repente abre a cortina da janela, e lá está a caminhonete de Jack, mostrando que a vida tinha sido menos dura financeiramente com o amigo.
O reencontro de Ennis e Jack é convulsivo desde o primeiro instante. O contido Ennis, que guarda as emoções por anos, e que as explode em situações de brigas, sexo ou beijos, mostra-se um homem passional. Ao rever Jack, não se contenta com um simples abraço, inadvertidamente puxa-o para um canto e o beija com fúria ali mesmo. O contacto físico é à flor da pele e dos sentimentos, quase que de forma explosiva. Tão forte que ao se rodar o filme, Heath Ledger quase quebrou o nariz de Jake Gyllenhall em uma cena de beijo. Tão intenso, que deu ao filme o prêmio MTV Movie Award de melhor beijo.
Ao seguir o seu impulso, Ennis não se dá conta do quão insensato tinha sido o seu ato. Da janela da sua casa, Alma assiste ao beijo do marido e do amigo, descobrindo o seu segredo. Pela segunda vez o amor entre os dois é convertido em um segredo aberto. Se o momento é de felicidade extrema para Ennis, é o fim das ilusões de um casamento tranqüilo para Alma. O início do seu sofrimento, da sua tristeza solitária. Alma conviverá com o segredo do marido silenciosamente, sem nunca confessar que sabe. Passará a ser uma mulher triste e infeliz, presa à teia de uma infidelidade que jamais compreenderá. Michelle Williams compõe uma sofrida personagem, vítima do segredo do marido, da sua indecisão de viver uma escolha. A atriz foi nomeada ao Oscar na categoria de melhor atriz coadjuvante. Durante as filmagens, iniciou um relacionamento com Heath Ledger, que duraria dois anos, dando ao ator a sua única filha, Matilda Rose, sendo Jake Gyllenhall o padrinho da menina.

O Amor Clandestino

O reencontro de Jack e Ennis define para sempre o destino dos dois. Estão irremediavelmente destinados a viver aquele amor clandestino. Juntos, em um momento de intimidade incontida, Jack dá a sentença: “Brokeback Mountain nos pegou de jeito”. Não podiam mais fugir daquele sentimento.
Jack propõe a Ennis que abandonem suas vidas de casados e construam um rancho isolado, vivendo juntos para sempre. É quando Ennis revela o seu medo do mundo, de enfrentar a sociedade. Conta ao amigo que quando criança, na sua terra, um casal homossexual decidiu viver junto, sendo motivo de repulsa e hostilidade da comunidade. Um dia, o seu pai o levou para ver o cadáver de um deles, que fora assassinado, puxado pelo pênis e atirado em um canal de irrigação. O pequeno Ennis foi obrigado pelo pai a ver aquele cadáver, para que o filho compreendesse os valores morais e inabaláveis da sua comunidade. Ennis confessa que sempre suspeitara que o próprio pai cometera aquele crime ignóbil.
Revela a Jack que dois homens juntos jamais seriam aceitos. Que mais uma vez a vida os pusera juntos fora de hora, tarde demais. Mas que já não seguiria sem ele. Viveriam aquele sentimento clandestinamente, até onde se lhes fosse possível de agüentar.
O que Ennis não sabia é que agüentariam aqueles reencontros furtivos por toda a juventude dos dois. Encontrar-se-iam duas vezes por ano, fugindo para um acampamento na montanha, onde a força da natureza permitia que vivessem aquela paixão em segredo. Ennis e Jack só não sabiam que o seu segredo era mais frágil do que se imaginava. Assim como Joe Aguirre, também Alma sabia do amor proibido vivido pelos dois. Ennis pensa que engana o seu mundo, à sociedade em que está inserido, quando o segredo da sua verdade é compartilhado com outras tantas pessoas, que se calam por um ou outro motivo.

Separação e Decepção

Ennis construirá o sentido da sua vida baseado nos seus encontros com Jack, que se darão por toda vida. Ennis teme a sociedade, mas teme a si mesmo, pois não se consegue ver um homem homossexual. Para ele Jack é o único homem que aceita tocar, beijar, e amar. Longe dele não existe um mundo de opção sexual entre homens. Jack é mais que um ato sexual, é o amor na mais profunda cicatriz da existência, é o sentimento genuíno e revelador. É fácil para ele esperar cada dia pelo encontro, em que pode ser feliz sem medo, sem as pressões de uma vida sofrida e repleta de privações financeiras. Sem perceber, Ennis faz da esposa a mulher mais infeliz do mundo. Não enxerga o que se passa no coração feminino de Alma, porque ela não é o centro do seu universo, é a coadjuvante, a capa que o protege do mundo, que lhe possibilita amar o amigo sem ser confrontado pelas valias, dogmas e moralidades do mundo.
Por sua vez, Jack amadurece a sua homossexualidade. Vive-a sem medo. Corre os riscos, expõe-se sempre. Seu casamento não tem o mesmo peso do de Ennis. A mulher vive distante, mergulhada no seu mundo, deixando o marido livre para percorrer os labirintos do seu ser. Jack não tem o respeito do sogro, que o enxerga como um simples aproveitador. Limita-o dentro da própria casa, como se fosse um nada. Jack sonha em deixar aquela vida, aquela casa onde é um simples figurante. E Ennis está nos seus sonhos. É com ele que quer dividir um rancho, cuidar das suas próprias ovelhas. Jack não reprime a sua opção sexual. Ela é latente no seu ser. Longe de Ennis, ele procura bares em que homens se vendem por dinheiro. Vive encontros furtivos. Envolve-se com o vizinho, sem nunca deixar de ver Ennis. Por mais que tente, não consegue se libertar do velho companheiro. Segue a vida, preso às decisões de Ennis, sem poder realizar o seu sonho. Para aliviar o seu desejo latente, quando está longe, envolve-se com outros homens, sem jamais conseguir ir além do sexo. Os outros representam o ato sexual, Ennis é o amor vivido, o sentimento verdadeiro, a esperança do companheirismo eterno. Uma curiosidade é a cena em que Jack paga um homem no México para ter relações, o gigolô é vivido por Rodrigo Prieto, diretor de fotografia do filme.
Se a mentira de Ennis faz a infelicidade de Alma, ela um dia dá um basta naquela vida angustiada, sofrida e menor ao lado do marido, pedindo o divórcio. Alma voltaria a casar novamente, reconstruindo a sua vida longe do segredo do marido.
A notícia da separação reacende as esperanças de Jack, em ver finalmente, que poderia realizar o sonho de viver ao lado de Ennis. Tão logo sabe da separação, dirige apressado por longos quilômetros para ver o amigo. Ao chegar, é recebido com as limitações impostas por Ennis. Jack é recebido formalmente, pois as filhas de Ennis estão com ele no rancho. O recém divorciado pede ao amigo que parta, pois não via as filhas há um mês, e teria que ficar com elas naquele fim de semana. Ennis diz a Jack que tem que trabalhar para pagar a pensão às filhas, que jamais poderia abandoná-las.
Mais uma vez Jack acata as decisões do amigo. Parte com a certeza que jamais realizaria o sonho de viver ao lado de Ennis. Que está para sempre condenado a vir ao encontro dele, e a buscar sexo nos perigos da noite. As lágrimas rolam pelo rosto de Jack, enquanto ele dirige, como se com elas escorressem todos os seus sonhos. Pela primeira vez ele sente que se um dia realizasse o sonho de ser ele mesmo, de ter a paz vivida em seu rancho, teria que ser sem Ennis. Jack irá permitir-se envolver além do sexo com um vizinho.

O Último Encontro

O tempo passa. Ennis vive na completa solidão social. Em um jantar com Alma e com a sua nova família, ela insinua que sabe a verdade que o unia realmente ao amigo de pescaria. Ennis não suporta ouvir que outra pessoa saiba do seu segredo. Deixa a casa da ex-mulher furioso. Dirige com raiva, envolvendo-se em uma discussão com outro motorista, parte para cima do homem e descarrega nele toda a sua raiva diante de uma iminente revelação da sua vida particular. Agride com socos violentos o homem que por má sorte, cruzara o seu caminho.
Para manter a sua imagem viril, ele envolve-se com Cassie Cartwrigth (Linda Cardellini), jovem que trabalha no bar onde costuma comer.
Um novo encontro na montanha entre Jack e Ennis será decisivo. Juntos revisam as suas vidas. Ennis fala do seu namoro com Cassie, e Jack fala do dele com uma vizinha, o que é mentira, pois é com o marido dela que ele faz insinuações. Falar de mulheres é fundamental para Ennis, que vê naquele momento a sua virilidade não se esvair diante do amor que o prende a Jack. É um elo que o mantém firme à sociedade da qual se despe em frente à montanha.
Quando se preparam para partir, Ennis diz a Jack que só poderá revê-lo em novembro. Jack exaspera-se, perguntando o que tinha acontecido com agosto? Ennis explica que precisa trabalhar para pagar a pensão das filhas. Que já está a envelhecer, já não podia abandonar os trabalhos e seguir ao encontro do amigo. Os empregos já não lhe vinham com facilidade. Jack não se conforma. Uma longa discussão é estabelecida entre os dois. Ennis questiona o amigo se ele foi ao México atrás de outros homens, se ficasse sabendo da traição, era capaz de matá-lo. Jack explode, finalmente. Revelando que ia buscar o que nunca tinha, que não era como ele, que conseguia ter uma vida sexual apenas duas vezes ao ano. Questiona o que tinham de verdade, a não ser a montanha? Desfere finalmente a frase: “Quem me dera saber como te deixar”. Diante da revelação, Ennis desmorona, cai de joelhos a chorar, dizendo que por causa do que sente por Jack, não tinha mais nada na vida, não construíra nada além daqueles momentos, não tinha forças nem mesmo para suportar aquela situação. Jack aproxima-se de Ennis, sendo afastado por ele. Mas o amigo volta, abraço-o. Mais calmos, despendem-se. Ennis não sabe que será a última vez que verá Jack.
Ao ver Ennis partir, Jack revive um momento, preso em 1963, quando jovem, cansado pela labuta com as ovelhas, dormia em pé, em frente à fogueira, e Ennis abraçava-lhe por trás, como se quisesse protegê-lo da fadiga. Ennis sussurrava umas palavras aos ouvidos do amigo, depois partia para o alto da montanha. Os olhos de Jack voltam ao presente. Ele vê Ennis já maduro, partir na sua caminhonete. Jack sabe que é a última vez que o verá. Está decidido a viver o seu sonho de liberdade, numa casinha ao fundo do rancho dos seus pais. Viveria o seu sonho, ainda que não fosse com Ennis.

Em Busca das Cinzas

Passam os meses. Ennis recebe de volta o cartão que enviara a Jack para confirmar a próxima viagem. No postal o carimbo do correio diz “falecido”. Ennis desespera-se. Rompe as barreiras que impusera e telefona para a casa de Jack. Conversa com Lureen, que lhe relata sobre a morte do marido, supostamente em um acidente na estrada, quando ao trocar um pneu, este explodiu na sua cara. Imagens de Jack sendo assassinado são intercaladas, numa ambigüidade em que parece ter vindo da cabeça de Ennis, que vê o mesmo fim que levara o homem que supunha o pai tinha matado por ser homossexual, quando ainda criança; ou que, Jack tinha tido o mesmo fim. Lureen diz a Ennis que não sabia do seu endereço, por isto não lhe comunicou a morte do marido. Que o último pedido de Jack tinha sido para que as suas cinzas fossem espalhadas na montanha Brokeback, mas que ela não sabia onde era, o se o lugar existia realmente. Ennis revela que sim, a montanha existia. O silêncio de Lureen é como se lhe fosse confirmada uma suspeita que tinha em relação ao marido. Ela diz que tinha enterrado parte das cinzas de Jack, a outra parte enviara para os seus pais, em Lighting Flats, para que eles cumprissem o desejo final do marido. Sugere a Ennis que procure os pais de Jack, e cumpra o pedido do marido.
Ennis segue para o rancho dos pais de Jack. Diante da sociedade, não representa nada na vida do amigo. Não lhe conhecia o filho, a mulher, a vida paralela que tinha. Nada lhe era permitido, nem mesmo as cinzas do amigo, espalhadas onde deveriam estar, no lugar em que os dois construíram as suas vidas, existente em segredo, na face invisível da sociedade. Ennis vai resgatar o que lhe é permitido, as cinzas de Jack.
Ao chegar ao local, Ennis encontra um rancho pobre e decadente. É recebido pelos pais de Jack. O pai, John Twist (Peter McRobbie) traz as palavras duras e tacanhas de um homem sofrido e rude. Através dele, Ennis descobre que Jack jamais escondeu a sua existência dos pais. As palavras duras de John Twist revelam as frustrações de vida do filho morto. Conta que ele prometera um dia construir uma casa atrás do rancho, e que viria para ali morar com o amigo Ennis, e juntos iriam ajudá-lo. Revela que para o fim, traria um outro amigo, um vizinho do Texas, decisão que precipitara o seu fim. Ennis escuta todas as revelações em silêncio, como se visse nelas os sonhos desfeitos de Jack, sonhos que ele sempre soube da existência.
Se as palavras do pai são frias, o olhar da mãe de Jack (Roberta Maxwell) é cheio de cumplicidade e revelações de ternura. Ela sabe quem é o homem que está à sua frente, conhece os segredos do filho morto, o seu silêncio traduz que está diante daquele que realmente dera verdade à vida do filho. Diz a Ennis que vá até o quarto que fora de Jack, pois lá conserva tudo que lhe pertencera, desde criança. Tudo está como ele o deixou.
Ennis aceita entrar no quarto do amigo. Pela primeira vez percorre o mundo do companheiro além daquele que criaram e estabeleceram um para o outro. Olha todos os detalhes. De repente depara-se com duas camisas no armário. Encontra manchas de sangue sobre elas. Ennis reconhece as camisas, são as mesmas que Jack e ele traziam no último dia em que estiveram juntos em Brokeback Mountain, em 1963, quando brigaram e verteram sangue um do outro. O contraste entre as ações se intercala, a primeira vez que se atracaram sexualmente, como animais, Jack sentira necessidade de lavar a sua roupa no rio no dia seguinte. Quando verteram o sangue um do outro, era porque o sexo dera passagem ao amor, Jack guardou as camisas sem jamais as ter lavado, perpetuando através do seu sangue e do de Ennis, o amor que levaria para o resto da sua vida.
Ennis tem a certeza de que Jack sempre o amara, que assim como ele, sofrera com a separação. Encolhe-se ao canto do armário e, com lágrimas nos olhos, abraça-se à camisa de Jack, como se nela sentisse o seu cheiro. Como se abraçasse toda a sua vida, todos os seus segredos. De volta à sala, ele traz as camisas. Nada diz, mostra-as à mãe de Jack, que lhe acena permitindo-o levar aquela lembrança. Ela pega um saco e guarda as camisas, entregando-as a Ennis. Seu olhar diz que ela sabe que as camisas lhe pertencem, pois ao guardá-las sujas de sangue, respeitou a vontade do filho, segredo que ela como mãe, soube velar, e que a cada olhar lançado a Ennis, divide-o finalmente.
Nos últimos momentos da visita de Ennis, John Twist sentencia que as cinzas do filho serão enterradas no jazigo da família. Antes de partir, a mãe de Jack troca mais um olhar cúmplice com Ennis, pedindo a ele que volte, que venha visitá-los, como se estabelecessem um acordo velado para que se cumprisse o último desejo de Jack. Ennis acena que sim.

A Promessa Final

Na cena final, Ennis vive em um trailer. Jamais teve um fôlego financeiro, ou mesmo a liberdade de ser a sua essência. Ali, é visitado pela filha, Alma Jr (Kate Mara), agora com 19 anos. A filha revela-lhe que se vai casar, e pede para que ele a conduza até ao altar. Ennis pergunta se os dois se amam de verdade. Ela diz que sim. Ela tem a mesma idade que ele quando conheceu Jack e a verdade do amor.
A princípio Ennis, sempre estóico e contido, reluta em ir ao casamento da filha, alegando que tem que trabalhar. De repente percebe que dissera o mesmo a Jack, quando o viu pela última vez. É como se, não tivesse faltado ao encontro de agosto, o amado ainda pudesse estar vivo. Ennis diz que sim, que acompanhará a filha ao altar. A jovem parte feliz, com a certeza da presença do pai.
Ennis percebe que Alma Jr se esqueceu do suéter. Dobra-o, abre o armário para guardá-lo. Salta-nos a imagem das duas camisas penduradas na porta, desta vez com a de Ennis por cima da de Jack, ao lado, um cartão postal da montanha Brokeback. Ennis olha para as camisas, cuidadosamente abotoa a parte de cima da camisa que pertencera a Jack. Os olhos estão marejados. Com um olhar turvo, diz: “Jack eu prometo”. Endireita o postal da montanha e fecha a porta. A câmara é fixada na imagem da porta fechada. A música de Gustavo Santaolalla eleva-se. O filme é encerrado. O que prometera Ennis à memória de Jack? Que voltaria a visitar a sua mãe, trazendo-lhe as cinzas para a montanha Brokeback, juntando-as, futuramente às suas? Realizaria o sonho de Jack, unindo as suas cinzas as dele na montanha?
A composição longa do tempo gerou uma forte maquiagem nos atores, demasiados jovens para os anos que se lhe são impregnados. Se a imagem é pesadamente forçada, a essência do envelhecimento das personagens é magistralmente assimilada pelos atores. Jake Gyllenhall, tido como coadjuvante, ultrapassa em importância o papel, indo muito além do que lhe foi proposto, sem a sua personagem não há a outra, portanto não há coadjuvantes. Heath Ledger viveu o grande papel da sua vida, curta e rápida, sem tempo para outros grandes papéis. Viveu a juventude e a maturidade que a vida lhe negou através do olhar de Ennis Del Mar. O ator viria a falecer em 22 de janeiro de 2008, aos 28 anos.
“O Segredo de Brokeback Mountain”, inicialmente previsto para ser sucesso em um circuito fechado, ultrapassou os preconceitos e as barreiras, atingindo grandes públicos. Sendo indicado para oito Oscars da academia, arrebatando três, inclusive o de melhor diretor. Recebeu o Leão de Ouro como melhor filme no Festival de Veneza, e o Globo de Ouro na mesma categoria. Apesar de ter sido barrado em vários países de cultura conservadora, transformou-se no oitavo filme romântico recorde de bilheteria nos Estados Unidos.
O pôster do filme foi inspirado no de “Titanic”, trazendo a instigante frase “O amor é uma força da natureza”.
O filme é essencialmente, o reflexo das escolhas que fazemos. Ao recusar viver com Jack, Ennis não temia somente os preconceitos da sociedade, mas também os seus próprios. Optara por uma vida em segredo, sem se aperceber que era um segredo aberto. Quantos não o sabiam? A sua mulher Alma, o patrão Joe Aguirre, a mãe de Jack. Quantos não suspeitavam? Tragicamente, Ennis escondia um segredo que só ele imaginava existir. O seu medo gerou a infelicidade de Alma, a vida errante de Jack, e quem sabe, a sua morte prematura. Ao fim, do que se escondeu Ennis Del Mar senão de si mesmo? Quem que sabia dos seus segredos ameaçou-o concretamente? Joe Aguirre apenas insinuou que sabia a Jack, mas nada fez para expô-los, estava mais preocupado com o bem estar das ovelhas do que com o relacionamento dos seus pastores. Não dispensou Jack por causa do preconceito, mas pelo prejuízo que julgou ter pelo ilídio amoroso dos dois. Alma calou-se impotente diante da verdade do marido, jamais aceitaria os sentimentos do marido, mas pior foi ter que conviver com tão pungente realidade todas às vezes que ele deixava tudo para ir ter com o amigo. Doía-lhe saber o que faziam de verdade nas fictícias pescarias. Por fim, os pais de Jack esperavam o dia em que o filho traria Ennis pelas mãos. Portanto o empecilho maior sempre esteve na mente de Ennis, que na escolha de viver uma vida em segredo, perdeu a única verdade da sua alma, fazendo da vida uma rara felicidade, vertida apenas ao pé da montanha Brokeback. Mas quem pode culpar Ennis? Em pleno século XXI, quantos não vivem os sentimentos à margem da sociedade? Quantos amores clandestinos não se tornam visíveis em leitos fechados e invisíveis à sociedade?

Ficha Técnica:

O Segredo de Brokeback Mountain

Direção: Ang Lee
Ano: 2005
Pais: Estados Unidos e Canadá
Gênero: Drama Romântico
Duração: 134 minutos / Cor
Título Original: Brokeback Mountain
Roteiro: Larry McMurtry e Diana Ossana, baseado no conto de Annie Proulx
Produção: Michael Costigan, Scott Ferguson, Michael Hausman, Larry McMurtry, Diana Ossana, William Pohlad e James Schamus
Música: Gustavo Santaolalla
Direção de Fotografia: Rodrigo Prieto
Direção de Arte: Laura Ballinger e Tracey Baryski
Produção de Design: Judy Becker
Decoração de Set: Catherine Davis
Figurino: Marit Allen
Maquiagem: Mary-Lou Green-Benvenuti, Linda Melazzo, Manlio Rocchetti, Penny Thompson e Sharon Toohey
Edição: Geraldine Peroni e Dylan Tichenor
Direção de Elenco: Avy Kaufman
Efeitos Especiais: Kelly Coe e Maurice Routly
Efeitos Visuais: Sarah Coatts, Jason Giberson, Ara Khanikian, Bruno-Olivier Laflamme, Jean-François Laffleur, Louis Morin, Alexandre Lafortune, Pierre-Simon Lebrun-Chaput, Chris Ross, Mathew Rouleau, Robin Tremblay e Mark Turesk
Som: Philip Stockton, Larry Wineland, Marko A. Costanzo, Michael J. Fox, Eugene Gearty, Kenton Jakub, Frank Kern, Drew Kunin, Avi Laniado, George A. Lara, Wyatt Sprague, Peter Melnychuck, Geo Major, Igor Nikolic, Relly Steele, Sara Stern e David Warzynski
Estúdio: Paramount Pictures / Good Machine / This is That Productions / River Road Entertainment / Alberta Filmworks Inc.
Distribuição: Focus Features / Europa Filmes
Elenco: Heath Ledger, Jake Gyllenhall, Anne Hathaway, Michelle Williams, Randy Quaid, Linda Cardellini, Anna Faris, Scott Michael Campbell, Kate Mara, Cheyenne Hill, Brooklyn Proulx, Tom Carey, Graham Beckel, David Harbour, Mary Liboiron, Roberta Maxwell, Peter McRobbie, Valerie Planche, David Trimble, Victor Reyes, Lachlan Mackintosh, Larry Reese, Marty Antonini
Sinopse: Ennis Del Mar (Heath Ledger) e Jack Twist (Jake Gyllenhall) são dois jovens pobres que se conhecem no verão de 1963, quando contratados para cuidar das ovelhas de Joe Aguirre (Randy Quaid), na montanha Brokeback. Jack quer ser um astro de rodeios, enquanto que Ennis tenciona casar-se com Alma (Michelle Williams), tão logo regresse da montanha. Isolados por semanas, sobrevivendo a um ambiente inóspito e de penúria, os dois tornam-se cada vez mais amigos, até que iniciam um relacionamento amoroso. No término do serviço, cada um segue o seu caminho, mas permanecerão ligados para sempre, vivendo uma paixão clandestina por duas décadas.

Ang Lee

Ang Lee é um dos vários cineastas talentosos que Hollywood importou nos anos noventa. Nascido em Pngtung, Taiwan, em 23 de outubro de 1954, o cineasta, ator e produtor, teve a sua formação na National Taiwan College of Arts, concluindo-a na Universidade do Illinois, nos Estados Unidos, país para o qual se mudou em 1978.
Em 1983, casou-se com Jane Lin, com quem teve dois filhos nascidos nos Estados Unidos.
Ang Lee estrear-se-ia como diretor em 1992, com o longa-metragem “A Arte de Viver”. A consagração viria em 1993, com o filme “O Banquete de Casamento”, sendo indicado para o Globo de Ouro, além de arrebatar o Urso de Ouro de melhor filme no Festival de Berlim.
Em 1994, outro filme seu receberia a indicação do Oscar na categoria de melhor filme estrangeiro, “Comer, Beber e Viver”. No ano seguinte traria para as telas um clássico da literatura, “Sense and Sensibility”, inspirado no romance de Jane Austen, desta vez contando com um elenco internacional luxuoso, com Emma Thompson e Hugh Grant.
Ao longo do tempo, Ang Lee foi acumulando grandes sucessos, como “O Tigre e o Dragão”, em 2000, sendo, com este filme, ovacionado no festival de Cannes. A consagração maior viria com o polêmico “Brokeback Mountain”, em 2005, com o qual ganhou os prêmios Globo de Ouro e Oscar na categoria de melhor diretor. Ang Lee é hoje um dos mais respeitados cineastas de Hollywood e do mundo.

Filmografia de Ang Lee:

1992 – Tui Shou (A Arte de Viver)
1993 – Xi Yan (O Banquete de Casamento)
1994 – Yin Shi Nan Nu (Comer, Beber e Viver)
1995 – Sense and Sensibility (Razão e Sensibilidade)
1997 – The Ice Storm (Tempestade de Gelo)
1999 – Ride With the Devil (Cavalgada com o Diabo)
2000 – Wo Hu Cang Long (O Tigre e o Dragão)
2001 – Chosen
2003 – Hulk
2005 – Brokeback Mountain (O Segredo de Brokeback Mountain)
2007 – Se, Jie (Desejo e Perigo)
2009 – Taking Woodstock
2011 – Life of Pi (pré-produção)

 

GLÓRIA PEREZ – ENTRE O DRAMALHÃO E A DENÚNCIA

  Autora de grandes sucessos dentro da teledramaturgia brasileira, Glória Perez nem sempre consegue unanimidade diante da sua obra. Misto de Glória Magadan moderna com a essência de Janete Clair, a teledramaturga apresenta tramas que oscilam entre a denúncia social, o dramalhão rocambolesco, a investigação algumas vezes científica e o humor folhetinesco.
Uma das características da atmosfera das novelas de Glória Perez é o subúrbio carioca. Se Manoel Carlos representa a zona sul aburguesada do Rio de Janeiro, a Bossa Nova soprada como brisa musical, Glória Perez é a visão suburbana da zona norte carioca, a ascensão emergente, sem perder jamais a raiz de uma sociedade socialmente dividida, é o pagode como trilha sonora, sem jamais atingir o samba vindo do romantismo secular das misérias dos morros.
Folhetim na sua mais pura essência, as mulheres do universo de Glória Perez são sempre vítimas do amor e da sua condição na sociedade que contestam. Por três vezes suas protagonistas entregam-se ao amor proibido que renega as tradições, e conseguem maridos apaixonados que lhe escondem o ultraje, forjando o defloramento da amada diante da família conservadora, sendo o tema motriz de “Explode Coração”, “O Clone” e “Caminho das Índias”.
Um filão bastante explorado pela autora é o exotismo de diversas culturas, como a árabe, a cigana ou a indiana hindu. Cada cultura explorada é veementemente contestada por Glória Perez, muitas vezes de forma inconsciente. Todas as heroínas que retratam as suas culturas, rejeitam-nas, tornando-se vítimas delas, numa visão parcialmente de caráter cristão e ocidental.
Textos incoerentes contrastam com a preocupação da autora em trazer à tona assuntos polêmicos, como homossexualismo, alcoolismo, esquizofrenia e dependência química, muitas vezes abordados com profunda delicadeza, de uma forma contundente, redimindo a obra da autora das suas fantasias mirabolantes.
Glória Perez é uma autora controversa nos temas que escolhe para escrever, que mesmo quando não trazem textos brilhantes, não negam a sinceridade da sua alma, marcada por dores e tragédias profundas. Quando escreve, entrega-se ao trabalho quase como forma de respirar e exorcizar os males da sua existência. Suas novelas não são uma obra-prima da teledramaturgia brasileira, mas são as mais sinceras dentro do gênero, superando a razão incoerente da pressão das emissoras pela audiência. Só o tempo poderá dizer se a autora nos legou uma obra perene como fez Ivani Ribeiro e Janete Clair, ou também como elas, apenas entreteve o público da época em que escreveu e levou ao ar as suas fantasias.

Início Sob a Tutela de Janete Clair

Nascida no último território a ser incorporado ao Brasil, o Acre, Glória Maria Ferrante Perez, é oriunda da cidade de Rio Branco, vinda ao mundo em 25 de setembro de 1948. Da sua terra natal levaria o carinho que a iria homenagear quase seis décadas depois do seu nascimento, na minissérie “Amazônia – De Galvez a Chico Mendes”, posta no ar em 2007.
Foi na TV Globo que se iniciou como roteirista e autora de telenovelas. Em 1979 escreveu um episódio do seriado “Malu Mulher”, protagonizado por Regina Duarte. O roteiro nunca foi gravado, ficando arquivado nas gavetas da TV Globo até que chegou às mãos da poderosa e genial telenovelista Janete Clair, em 1983. Entusiasmada com o texto da jovem autora, Janete Clair convidou-a para que a ajudasse a escrever aquela que seria a sua última novela, “Eu Prometo”, levada ao ar no segundo semestre de 1983.
Janete Clair pertencia a uma época em que a telenovela era escrita unicamente por seu autor, sem qualquer ajuda ou parceria. Ela manteve-se sem interrupção por dez anos, escrevendo sozinha, sucessivas histórias de grande audiência. No início dos anos oitenta, os autores começaram a reclamar da dificuldade em conduzir uma trama por mais de duzentos capítulos. A TV Globo passou a fornecer roteiristas colaboradores para os seus autores. Janete Clair resistiu à idéia, mas a sua debilitação física, causada pela árdua luta que travava contra um câncer, fez com que aceitasse um colaborador. A escolha recaiu sobre Glória Perez.
“Eu Prometo” foi ao ar de 19 de setembro de 1983 a 17 de fevereiro de 1984. Teve como função resgatar o antigo horário das 22h00 para exibição de telenovelas, extinto em 1979, quando foi substituído por seriados e minisséries nacionais. Nos bastidores, circulava comentários que a TV Globo ressuscitara o horário para que Janete Clair pudesse escrever a sua última novela. A autora, apesar de bastante debilitada pelas cirurgias que se submetera na luta contra o câncer, insistia com a emissora para escrever a novela substituta de “Louco Amor”, de Gilberto Braga, levada ao ar em horário nobre. A direção da TV Globo achava o projeto arriscado, temia investir em uma produção no horário nobre e ter que substituir a autora na metade da trama. Instigada pela emissora, que apostava no ressurgimento das novelas daquele horário, Janete Clair aceitou o desafio. Teve à disposição um elenco de luxo, escalando os seus atores preferidos para protagonistas, Francisco Cuoco e Dina Sfat, apostando na bela Renée de Vielmond como a heroína da história.
O horário, por ser mais tarde, permitia maiores ousadias do que os outros, gerando uma grande expectativa no público, que esperava mais uma trama eletrizante da rainha das telenovelas, diante de um tema que não se havia explorado por causa da censura da ditadura militar, a política. Sobre Glória Perez pairava uma grande curiosidade, todos queriam saber quem era aquela que Janete Clair aceitara dividir a sua prestigiada escrita. Mas a novela foi uma decepção. A política foi retratada de forma superficial e caricata na figura de Lucas Cantomaia (Francisco Cuoco), deputado de poucos escrúpulos, que ambicionava chegar ao senado. Casado com Darlene (Dina Sfat), mantém a relação apenas como fachada, pois não ama a mulher, mas a considera imprescindível para a construção da imagem de pai e marido exemplar. Seu moralismo dilui quando conhece a jovem fotógrafa Kelly Romani (Renée de Vielmond), com quem viverá uma grande história de amor. As filhas de Lucas e Darlene eram interpretadas por três jovens e promissoras atrizes: Fernanda Torres, Júlia Lemmertz e a estreante Malu Mader. Trazia ainda no elenco Joana Fomm, Walmor Chagas, Marcos Paulo, Ney Latorraca, Fúlvio Stefanini, Kadu Moliterno, Rosamaria Murtinho, Lúcia Alves, Cláudio Corrêa e Castro, Ewerton de Castro, Maria Padilha, Rogério Fróes, Inês Galvão, Heloísa Helena, Leonor Lambertini, Fernando Eiras e Ricardo Petráglia.
Janete Clair não chegaria ao final da novela, morrendo no dia 16 de novembro de 1983, deixando 60 capítulos escritos. Glória Perez assumiu a trama, sob a supervisão de Dias Gomes, na época marido da autora morta. Iniciava definitivamente a sua carreira de novelista, tendo como madrinha a maior de todas as novelistas. Um início naturalmente privilegiado. Glória Perez levaria a influência do universo de sonhos janeteclariano, mesclado com drama, humor, fantasia, tendo a denúncia social como um ínfimo pano de fundo.

A Decepção da Primeira Novela

Com o falecimento de Janete Clair e o afastamento de Manoel Carlos após deixar sem conclusão a novela “Sol de Verão”, devido à morte do protagonista Jardel Filho, no início de 1983, a TV Globo ficou desfalcada de autores no horário nobre. Optaram por investir em dois novos talentos, Glória Perez e Aguinaldo Silva, dando a eles a oportunidade de juntos, desenvolverem uma trama no horário nobre. O resultado foi a mal-sucedida “Partido Alto”.
Inicialmente chamada de “Quando as Mulheres Amam”, estreou em maio de 1984 com o título de “Partido Alto”. Cláudio Marzo, que desde “Véu de Noiva” (1969/1970), não protagonizava uma novela no horário nobre, foi a aposta da emissora. Também Elizabeth Savalla retornava ao horário nobre como protagonista. Outra aposta foi Betty Faria, que já estava escalada para a novela das 19h00 “Transas e Caretas”, de Lauro César Muniz, com o nome a aparecer inclusive nas chamadas, a atriz abandonou o projeto. Vindos do cinema, estavam Norma Benguell e Paulo César Pereio. Do teatro traziam Rubens Corrêa. Elenco de luxo, contando com Raul Cortez, Lílian Lemmertz, Débora Duarte, Suzana Vieira, Glória Pires, Eva Todor, Célia Helena, Herson Capri, Christiane Torloni e Jonas Mello.
Mesmo com um elenco constituído de grandes nomes, a história mostrou-se um fracasso, em um notável desequilíbrio de idéias dos autores, apesar de convergirem em muitos aspectos, principalmente na visão dos subúrbios cariocas comuns à obra dos dois. Aguinaldo Silva, jornalista de colunas policiais, tinha o estigma de autor de folhetins de inspiração policial. Era um dos roteiristas da série “Plantão de Polícia”, o que lhe impregnou ainda mais o estigma. O autor tenta mantê-lo na sua primeira novela, mas nenhum mistério resiste a mais de cinqüenta capítulos sem que se torne monótono. Glória Perez era cobrada como a sucessora de Janete Clair, o que a fez tentar assumir o universo da mestra, sem procurar desde o início uma identidade própria.
“Partido Alto” trazia de volta o mundo da jogatina, da contravenção do jogo de bicho dos subúrbios cariocas, tema tão bem desenvolvido por Dias Gomes em “Bandeira Dois”, em 1971. O mundo obscuro de Célio Cruz (Raul Cortez), e das suas duas mulheres, Jussara (Betty Faria) e Isildinha (Célia Helena), não entusiasmou. Tão pouco o triângulo amoroso do correto professor Maurício (Cláudio Marzo), a rica Isadora (Elizabeth Savalla) e a sua aluna Celina (Glória Pires). Os melhores momentos da novela ficaram com as cenas de humor da fútil Gilda (Suzana Vieira) e do seu falso guru Políbio, vivido por um caricato Guilherme Karan. O ator iniciava uma amizade com autora, sendo futuramente, escalado em quase todas as suas novelas. Débora Duarte deixou a novela ainda no meio, quando foi escalada para protagonizar a sucessora de “Partido Alto”, “Corpo a Corpo”, de Gilberto Braga. José Mayer fazia a sua estréia em horário nobre, num papel que adquiriu um certo destaque durante a trama, dando visibilidade ao ator, até então um mero coadjuvante nas novelas globais.
A falta de equilíbrio entre os autores culminou com uma inevitável ruptura. Aguinaldo Silva abandonou a trama, sendo ela concluída por Glória Perez. A trama morna e mal alinhavada não agradou. O fracasso resultou no afastamento da autora da TV Globo. A emissora só voltaria a investir em uma história de Glória Perez seis anos depois.

Primeira Trama Genuinamente da Autora

Em 1987, a extinta TV Manchete apostou em uma grande produção, investindo em um texto de Glória Perez. Inspirada na novela de Prosper Mérimée e na ópera de Georges Bizet, as homônimas ”Carmen”, a autora decidiu adaptar para o contesto brasileiro a vida agitada da cigana espanhola que enfeitiçava e seduzia todos os homens à sua volta, levando-os à loucura.
Definido o tema, a novela “Carmem” surgia como o maior investimento da televisão brasileira naquele ano. Era preciso uma atriz de peso para viver a protagonista. Lucélia Santos, então contratada exclusiva da TV Globo, foi a escolhida. A atriz aceitou o desafio, rescindindo um contrato com a emissora carioca, onde usufruía uma confortável posição. A ousadia valeu um ostracismo, que lhe afastaria de vez do elenco estelar da TV Globo. Lucélia Santos quis romper de uma vez por todas com a imagem da sofrida escrava branca que a imortalizou pelo mundo na novela “Escrava Isaura”.
Na versão brasileira, Carmem, jovem ambiciosa, vinda dos subúrbios cariocas, fazia um pacto com a entidade Pomba-gira, prometendo servir-lhe para sempre, em troca teria o poder de sedução sobre todos os homens. Os preconceitos seculares e moralistas da sociedade de então, rejeitaram a personagem, que teve que sofrer algumas alterações em seu caráter, resultando na tradicional punição moral no fim da trama.
Além da ambição de Carmem e dos seus amores tempestuosos, a novela ousava tocar em um tema tabu na época, a Aids, ainda uma doença obscura sem qualquer tratamento médico. Numa época em que a infecção era um atestado de morte, havia uma grande rejeição e medo de se falar em Aids. Glória Perez o fez com maestria, uma característica que se tornaria peculiar na sua obra, falar sobre doenças físicas ou mentais. Apesar do grande investimento da TV Manchete na divulgação e produção, nos bons índices de audiência alcançados, a novela não se tornou um grande marco da televisão brasileira. “Carmem” foi a primeira obra genuinamente de Glória Perez, definindo-lhe o estilo e provando que era uma autora de fôlego dentro do folhetim televisivo. O elenco trazia astros e estrelas da TV Globo, como José Wilker, vindo direto do sucesso de “Roque Santeiro”. Trazia de volta a atriz Darlene Glória, afastada dos bastidores depois que se convertera a uma religião evangélica. Apostava no talento de jovens atores, como Paulo Betti e Paulo Gorgulho, e assegurava-se com a experiência de Theresa Amayo, Beatriz Segall, Selma Egrei, Luís de Lima, Luiz Carlos Arutin, Rosita Thomaz Lopez, Roberto Bonfim, Miriam Pires, Vanda Lacerda, Hélio Souto, Guilherme Karan, Nélia Paula, Maurice Vaneau, José Dumont , Neuza Borges, Odilon Wagner, Júlia Lemmertz, Bia Sion e Eduardo Tornaghi.

De Volta à TV Globo

A volta de Glória Perez à TV Globo deu-se em 1990, em uma minissérie de 17 capítulos, “Desejo”. Inspirada em fatos reais, a história conta um dos crimes mais famosos do Brasil, a do escritor e jornalista Euclides da Cunha, ocorrida em 1909, após uma troca de tiros com Dilermando de Assis, amante da esposa Ana.
Glória Perez recompôs os passos de Euclides da Cunha na semana que antecedeu à sua morte. Casada com Euclides da Cunha, a bela Ana apaixona-se pelo jovem Dilermando, vivendo com ele uma relação adúltera. Descobertos pelo marido, os dois são confrontados por ele. Uma tensa discussão resulta na troca de tiros que mata Euclides. Dilermando é preso, julgado e absolvido, casando-se com Ana. Mais tarde seria a vez do filho de Euclides da Cunha tentar vingar o pai. A tragédia volta a rondar o casal, em um confronto, o filho vingativo é morto por Dilermando, que mais uma vez é preso e absolvido em julgamento.
A produção de “Desejo” reconstituiu com primor a época da tragédia. O triângulo amoroso encontrou consistência nas brilhantes atuações de Tarcísio Meira, Vera Fischer e Guilherme Fontes. Texto bem conduzido, “Desejo” foi uma das mais belas séries já feitas pela televisão brasileira. Quando exibida, sofreu críticas dos descendentes de Dilermando e Ana, sendo bem aceita pelos descendentes de Euclides da Cunha. Marcou a volta de Glória Perez à emissora carioca.
O sucesso de “Desejo” levou a TV Globo a liberar uma sinopse de Glória Perez que estava arquivada há cinco anos. Ainda em 1990, ia ao ar “Barriga de Aluguel”, trama que levantava a polêmica em questões morais e jurídicas que se viram obsoletas diante dos avanços da ciência. Ana (Cássia Kiss) e Zeca (Victor Fasano), um casal jovem e bem sucedido vive o drama de não poder realizar o sonho de um filho, devido a problemas biológicos. Para concretizar o sonho, decidem contratar a barriga de uma mulher para gerar o óvulo fecundado de Ana. A escolhida é Clara (Claudia Abreu), jovem em dificuldades financeiras. Por uma quantia pré-estabelecida, Clara aceita alugar a barriga. Fecundada com o material genético de Ana, Clara sente-se presa à criança no seu ventre, passando a ter amor por ela. Quando dá à luz, recusa-se a entregar o recém-nascido. O caso vai parar na justiça. Quem era a verdadeira mãe, a biológica ou a que engravidou e teve a criança? A questão foi inteligentemente abordada pela autora, sendo analisada em todos as suas vertentes: a científica, a moral, a social e a jurídica.
O horário de exibição da novela, às 18h00, limitou o debate e a polêmica, mas não lhe tirou o questionamento social e científico.
A aposta no elenco foi ousada, o que possibilitou a ascensão de algumas carreiras, como Cássia Kiss, Cláudia Abreu e Humberto Martins, que viveram aqui os seus primeiros protagonistas. Outros já estreavam como protagonistas, como Victor Fasano, que viria a ser uma presença constante nas novelas da autora, e Jairo Mattos. A aposta em um elenco jovem revelou uma constelação de futuros talentos, como Denise Fraga, Tereza Seiblitz, Eri Johnson, outro que passaria a freqüentar as tramas da autora, e, Daniela Perez, filha de Glória Perez, em sua estréia na TV Globo. O elenco contou com grandes interpretações de Renée de Vielmond, Beatriz Segall, Mário Lago, Leonardo Villar, Adriano Reys, Sura Berditchewski, Francisco Milani, Lady Francisco, Lúcia Alves, Nicole Puzzi, Anilza Leoni, Sonia Guedes, Vera Holtz, Wolf Maya, Regina Restelli, Paulo César Grande e Emiliano Queiroz.
“Barriga de Aluguel” foi a novela mais consistente de Glória Perez. A que teve um enredo comovente e bem desenvolvido, sem perder em momento algum o foco da temática abordada. A construção psicológica das personagens foi a mais elaborada dentro das tramas da autora. Mesmo quando a emissora pediu que se aumentasse o número de capítulos, não perdeu o interesse ou se assistiu a um enredo arrastado.

Tragédia Real Supera a Ficção

Com o sucesso de “Barriga de Aluguel”, Glória Perez voltaria ao horário nobre da TV Globo, com a novela “De Corpo e Alma”, em 1992, numa co-produção com a então recém inaugurada emissora portuguesa SIC (Sociedade Independente de Comunicação). O folhetim contava a história do juiz Diogo (Tarcísio Meira), de integridade inquestionável, vivendo um casamento de aparências com Antonia (Betty Faria). A vida do juiz vira do avesso quando ele decide viver o seu amor por Betina (Bruna Lombardi). Mas a família e os seus valores, pesam na hora da decisão e Diogo abandona Betina. Desesperada por causa do abandono, a jovem dirige o seu automóvel, lançando-se em um acidente que lhe rouba a vida. Naquele momento, a jovem Paloma (Cristiana Oliveira), agoniza em um hospital, à espera de um transplante de coração que lhe possa salvar a vida. O coração de Betina salvará a jovem da morte. Ao saber do transplante, Diogo persegue a jovem, apaixonando-se por ela, ou pelo coração da amada Betina.
Dramalhão denso, arrastado, sem o vigor de “Barriga de Aluguel”, a novela irritou Tarcísio Meira, que chegou a pedir para o seu personagem ser eliminado, por considerá-lo chato e sem atrativos. Antonia, primeira personagem de Betty Faria depois de ter vivido a estonteante protagonista de “Tieta”, desagradou às feministas, que a consideravam por demais submissa. Cristiana Oliveira, elevada à estrela da TV Manchete após o sucesso de “Pantanal”, fazia a sua estréia na TV Globo. A troca de crianças na maternidade foi abordada pelo casal vivido por José Mayer e Maria Zilda. Pela primeira vez era mostrado um clube de strippers, pondo o homem como objeto de prazer para a mulher. Victor Fasano e Guilherme Leme emprestavam os seus corpos atléticos para as personagens. Controversa foi a figura do gótico Reginaldo (Eri Johnson), que perambulava pelos cemitérios recitando poemas, enquanto que adorava Yasmin (Daniela Perez), com um retrato da musa estampada no seu quarto. As visitas de Reginaldo às tumbas atraíram aos supersticiosos, atribuindo a ele a tragédia que se iria abater sobre a autora.
No dia 28 de dezembro de 1992, a atriz Daniela Perez, filha de Glória Perez, foi assassinada pelo colega de trabalho Guilherme de Pádua, com quem vivia um romance na trama. O crime chocou o Brasil. Nunca na história da teledramaturgia brasileira havia acontecido tão dantesca tragédia. Abatida, Glória Perez foi substituída por Gilberto Braga e Leonor Basséres, que escreveram os capítulos onde sumiam as personagens de Daniela Perez e Guilherme de Pádua. Uma semana depois de perder a filha, Glória Perez voltou a escrever a novela, atirando-se de cabeça ao trabalho para aliviar a dor da perda. As motivações do crime jamais foram esclarecidas no todo. Daniela Perez tinha 22 anos e estava a desenvolver o seu maior trabalho na curta carreira de atriz.
“De Corpo e Alma” entrou para a historia da teledramaturgia não pelo seu texto ou conteúdo, mas pela tragédia que resultou na morte de Daniela Perez. Fechou os seus capítulos com a tristeza de um drama real que superou a sua ficção. Além dos atores citados, o elenco contava ainda com Renée de Vielmond, Stênio Garcia, Nathália Timberg, Beatriz Segall, Carlos Vereza, Fábio Assunção, Ewerton de Castro, Vera Holtz, Eva Todor, Neuza Borges, Marilu Bueno, Aracy Cardoso, João Vitti, Tonico Pereira, Hugo Carvana, Márcia Real, Ida Gomes, Mário Lago, Marcelo Picchi, Hugo Gross, Carla Daniel, Paolette, Eduardo Caldas, Marcelo Faria e Lizandra Souto.

O Universo dos Ciganos e Uma Velha História de Janete Clair

Em 1995, Glória Perez começaria um ciclo de temas a explorar povos e costumes. Com “Explode Coração”, iniciava a sua saga através dos costumes e hábitos do povo cigano. Sua heroína Dara (Tereza Seiblitz) foi inspirada na vida real de uma cigana. Apesar de trazer o mundo cigano para a pequena tela, a visão de Glória Perez é negativa aos costumes, uma vez que os contesta através dos sofrimentos da sua heroína que se rebela contra eles. Dara quer estudar, romper com as velhas tradições do seu povo e entregar-se a um “gadjô”, ou não cigano. As cenas de amor entre Dara e Júlio (Edson Celulari), desagradaram à cigana na qual Glória Perez se inspirara, fazendo que ela movesse um processo contra a autora, sem que lhe causasse grandes polêmicas ou conseqüências jurídicas. Nos desencontros com o amor da sua vida, Dara é obrigada pela família a se casar com o cigano Igor (Ricardo Macchi), que apaixonado por ela, simula a virgindade da amada, apresentando à família o próprio sangue nos lençóis nupciais.
A novela desenvolveu uma campanha social em prol das crianças desaparecidas, ajudando a encontrar algumas na vida real. Numa época em que a internet era pouco difundida no Brasil, a autora promoveu o encontro de Dara e Júlio através do veiculo digital, então uma grande novidade, distante da realidade do povo.
“Explode Coração” não apresentou nenhuma novidade, afinal a temática sobre a vida dos ciganos tinha sido explorada desde a época de Glória Magadan na TV Globo. Trama morna, cumpriu a função de entretenimento. Ricardo Macchi, ao viver o cigano Igor, um dos protagonistas, atraiu para si o estigma de que um rosto bonito era totalmente avesso ao talento, sendo rejeitado em muitos trabalhos futuros. Viver Dara não consolidou a carreira de Tereza Seiblitz, que desde então não teve nenhuma personagem de destaque na televisão. Renée de Vielmond, após a novela, deixaria a televisão por mais de uma década. Outro erro de escalação de elenco foi a do ator Floriano Peixoto para o papel do travesti Sarita Witt, que desenvolveu uma personagem caricata, não se sabendo se era um transformista ou um travesti. Destaque para o casal Lucineide e Salgadinho, vivido com humor magistral por Regina Dourado e Rogério Cardoso. Ainda no elenco Eliane Giardini, Laura Cardoso, Maria Luisa Mendonça, Françoise Forton, Paulo José, Cássio Gabus Mendes, Deborah Evelyn, Herson Capri, Helena Ranaldi, Nívea Maria, Reginaldo Faria, Elias Gleizer, Cláudio Cavalcanti, Débora Duarte, Stênio Garcia, Ester Góes, Rodrigo Santoro, Zezé Polessa, Leandra Leal, Isadora Ribeiro, Gracindo Junior, Daniel Dantas, Felipe Folgosi, Guilherme Karan, Odilon Wagner, Lady Francisco, Eri Johnson, Ivan de Albuquerque e Paula Burlamaqui.
Em 1998, Glória Perez deixava um pouco os folhetins novelescos, escrevendo uma outra minissérie de grande sucesso, “Hilda Furacão”, inspirada no romance homônimo de Roberto Drummond. A série trazia a instigante trajetória de Hilda Furacão (Ana Paula Arósio), personagem real, filha de uma tradicional família mineira, que escandalizou a sociedade ao fugir no dia do seu casamento, refugiando-se em um prostíbulo, tornando-se a prostituta mais desejada de Belo Horizonte na década de 1950. Hilda será a responsável pelo conflito do jovem Maltus (Rodrigo Santoro), que sonha ser um frade dominicano, dividindo-se entre os princípios da castidade e a atração pelo corpo de Hilda.
“Hilda Furacão” marcou a estréia de Ana Paula Arósio na TV Globo, sendo de imediato elevada à estrela da emissora. Outra estréia foi a de Thiago Lacerda, que vivia Aramel, jovem que sonhava ser galã de Hollywood. No ano seguinte, Ana Paula Arósio e Thiago Lacerda conquistariam o Brasil e o mundo ao viverem o par romântico da novela “Terra Nostra”, de Benedito Ruy Barbosa. Outro destaque foi para o trabalho de Matheus Nachtergaele, vivendo o travesti Cintura Fina, também personagem real, assim como a prostituta Maria Tomba-Homem, magistralmente interpretada por Rosi Campos. Danton Mello viveu Roberto Drummond, autor do livro. Glória Perez conseguiu desenvolver uma história de sucesso, que prendeu o telespectador, transformando-se em um clássico das minisséries brasileiras. O elenco contava com a presença rara na televisão do genial Paulo Autran.
Para encerrar a década, Glória Perez escreveria, ainda em 1998, uma nova versão da novela “Pecado Capital”, clássico de Janete Clair, levada ao ar pela primeira vez em 1975. Apesar de trazer novas personagens, a trama ficou aquém da magia do universo de Janete Clair, passando despercebida do grande público. Eduardo Moscovis e Carolina Ferraz, que vinham de um grande sucesso como par romântico na novela “Por Amor”, ganharam os papéis de Carlão e Lucinha, vividos na primeira versão por Francisco Cuoco e Betty Faria. Francisco Cuoco retornou a esta versão, vivendo o rígido Salviano Lisboa, interpretado em 1975 por Lima Duarte. A trama narra a ascensão social de Carlão e Lucinha, casal apaixonado que vive modestamente em um subúrbio do Rio de Janeiro. Ele é um taxista, ela operária de fábrica. Um dia Carlão leva em seu táxi um casal que assaltara um banco, na pressa em fugir da polícia, eles esquecem a mala com o dinheiro do assalto no assento do carro. Carlão usa o dinheiro para enriquecer, enquanto que Lucinha é descoberta por um caçador de talento, tornando-se famosa como modelo. Na ascensão social o casal se perde, ela vivendo uma história de amor com o milionário Salviano Lisboa, ele casando-se com Eunice (Cássia Kiss), a mulher que ajudara o amante a assaltar o banco e esquecera o dinheiro no táxi de Carlão.
Na versão de 1998, há um desequilíbrio total entre Francisco Cuoco, já muito envelhecido para o papel, e Carolina Ferraz, que não consegue fazer a lapidação cultural que Lucinha sofre, conservando a essência suburbana, mais próxima de Carlão e não de Salviano. Diante da falta de química entre o casal, Glória Perez foi obrigada a mudar o original, criando uma personagem para viver um romance com o Salviano de Francisco Cuoco. Surge Laura, interpretada por Vera Fischer. Nesta versão, Lucinha volta para Carlão e para as suas raízes. A novela peca por dar uma atmosfera suburbana arraigada à trama, algo que não se vê na obra de Janete Clair, que ao escrever sobre os subúrbios cariocas, impregnava uma estrutura universal, com personagens carismáticos, trazendo o romantismo do samba carioca, enquanto que Glória Perez traz a essência do pagode que só se encontra no subúrbio do Rio de Janeiro, longe de um aspecto mais universal. “Pecado Capital” foi em 1975, responsável por um dos maiores sucessos de público da carreira de Débora Duarte, vivendo a louca Vilminha. Paloma Duarte fez o mesmo papel da sua mãe na versão de 1998, sem que o telespectador identificasse o carisma de tão complexa personagem.
“Pecado Capital” de Glória Perez foi um sopro frustrado na grandiosidade da beleza da novela de Janete Clair, considerada a mais realista da sua obra. Glória Perez, que começara a década de noventa com a inesquecível e genial “Barriga de Aluguel”, terminava a mesma década ofuscada pelo fracasso de “Pecado Capital”. Ainda no elenco a inesquecível Zilka Salaberry, Alexandre Borges, Thaís de Campos, Floriano Peixoto, Thiago Lacerda, Marcos Winter, Leandra Leal, Marcelo Serrado, Tato Gabus, Betty Lago, Roberto Bonfim, André Valli, Suely Franco, Jackson Antunes, Pedro Paulo Rangel, Íris Bruzzi, Darlene Glória, Mario Lago, Camila Pitanga, Luís Mello, Othon Bastos, Oswaldo Loureiro, Lúcio Mauro, Guilherme Karan, Aracy Cardoso, Marco Ricca, Eri Johnson, Mara Manzan, Jiddu Pinheiro e Claudia Liz.

O Islamismo Como Tema

A maior obra de Glória Perez viria em 2001, “O Clone”, uma das mais bem sucedidas novelas da televisão brasileira. Mais uma vez a autora questionava os avanços morais em contraste com a evolução da ciência. A clonagem humana, aliada à cultura islâmica e o mundo devastador da droga, fizeram da trama uma das mais bem conduzidas e carismáticas da teledramaturgia.
Quando a autora apresentou a sinopse à direção da TV Globo, encontrou grande resistência, pois muitos não acreditavam na proposta. A produção teve problemas desde a escolha da direção à escalação dos atores. Denise Saraceni, inicialmente prevista para comandar a direção, não gostava do islamismo como tema. Luiz Fernando Carvalho não se adaptava ao estilo da autora. A terceira e acertada opção foi Jayme Monjardim, que além de uma bela direção, trouxe uma apurada trilha sonora, feita especialmente para a trama. Os papéis de Jade e Lucas (que se dividiria em três), foram feitos pensando em Ana Paula Arósio e Fábio Assunção, os atores alegaram cansaço, não acreditando nas personagens. Letícia Spiller também recusou fazer Jade. A direção apostou no talento de Giovana Antonelli, vinda do sucesso de “Laços de Família”, de Manoel Carlos, onde interpretou a prostituta Capitu. Coube a Murilo Benício viver os gêmeos Lucas e Diogo, e o seu clone Leo.
Lucas é um jovem sonhador, que se apaixona por Jade, uma jovem muçulmana. Logo no início perde o irmão gêmeo Diogo, morto em um acidente. Diogo era o preferido do pai Leônidas (Reginaldo Faria), e do geneticista Albieri (Juca de Oliveira). Na tentativa de trazer a vida de volta, Albieri, à revelia de Lucas, clona as suas células, trocando os embriões de Deusa (Adriana Lessa), mulher negra, que sem saber, gera e dá à luz ao clone de Lucas. Os costumes islâmicos e as adversidades separam Jade e Lucas, que se casam com Said (Dalton Vigh) e Maysa (Daniela Escobar), respectivamente. Vinte anos depois surge Leo, o clone, trazendo a juventude e os sonhos perdidos de Lucas, inclusive o amor preso no tempo que Jade tinha por ele. Lucas torna-se rival do seu próprio clone.
Burlesca, cientificamente improvável, a novela atraiu pelo exotismo do mundo islâmico ser aludido com grande pompa. A estréia em 1 de outubro de 2001, causou grande apreensão devido à tragédia das torres do World Trade Center em Nova York, ocorrida menos de um mês antes. O terrorismo por parte de idealistas islâmicos fez a curiosidade do povo aumentar. Jade é a visão ocidental do mundo islâmico, a sua renúncia diante dos costumes árabes traz a visão negativa do islã por parte da autora, que ao pôr as dúvidas na heroína, rejeita veementemente a cultura. Jade entrega-se ao ocidental, ficando nas mãos de um marido apaixonado que simula a sua virgindade para a família. Said, o marido apaixonado, representa a tradição dos costumes, por isto torna-se o vilão da história, o que se opõe ao amor ocidentalizado, aos princípios judaico-cristãos. O seu amor não serve para a heroína, que repudia os costumes da sua gente.
Noutra vertente da trama, surge o mundo obscuro das drogas, vivenciado pela doce Mel (Débora Falabella). Nunca o tema foi tão profundamente analisado em uma novela como aqui. Glória Perez foi magnífica, conseguindo levar através de depoimentos verdadeiros, um pouco do sofrimento do submundo das drogas. Islamismo e drogas fizeram o tema da clonagem coadjuvante, suportável nas suas falhas mirabolantes, brilhante na contestação moral, encerrando com Albieri, criador do clone, desaparecendo com ele ao seu encalce pelo deserto, sem saber em que lugar do mundo situá-lo.
Elenco bem escalado, texto empolgante, “O Clone” foi a obra maior de Glória Perez. Ainda no elenco Vera Fischer, Stênio Garcia, Nívea Maria, Letícia Sabatella, Jandira Martini, Antonio Calloni, Eliane Giardini, Marcelo Novaes, Cristiana Oliveira, Mara Manzan, Neuza Borges, Osmar Prado, Victor Fasano, Beth Goulart, Marcos Frota, Francisco Cuoco, Roberto Bonfim, Luciano Szafir, Cissa Guimarães, Thiago Fragoso, Myrian Rios, Guilherme Karan, Sebastião Vasconcelos, Carla Diaz, Françoise Forton, Elizangela, Thais Fersoza, Eri Johnson, Juliana Paes, Totia Meirelles, Raul Gazolla e Perry Salles.

Passagem Pela América, Amazônia e Índia

Após o sucesso de “O Clone”, gerou-se uma grande expectativa na estréia da novela “América”, em 2005. Imigração para os Estados Unidos e o mundo dos rodeios foram as temáticas da novela, com pitadas de cleptomania, deficiência visual e homossexualismo. Apesar dos ingredientes, “América” mostrou-se morna e sem carisma. Elenco que não se afinava, obrigando a autora a modificar o destino dos protagonistas. Sol, a heroína vivida por Deborah Secco, carregou na sua história todos os dramas colhidos de depoimentos de imigrantes reais, tornando-se insuportavelmente caricata e longe da realidade. As experiências interessantes, se distribuídas por várias personagens, não contaminariam a verve real. A maior expectativa da trama foi o prometido primeiro beijo homossexual levado ao ar no Brasil, entre os personagens vividos por Bruno Gagliasso e Erom Cordeiro, que deveria acontecer no último capítulo. A cena foi escrita e gravada, mas por causa do moralismo da TV Globo, não foi ao ar, causando frustração, com protestos nos principais jornais do país no dia seguinte à exibição do capítulo. Os defensores dos animais fizeram protestos contra os rodeios exibidos na novela, chegando a atingir pessoalmente a autora com mensagens ofensivas em sua página na internet.
“América” romperia com a parceria entre Jayme Monjardim e Glória Perez. O diretor foi afastado da novela ainda nos primeiros capítulos. “América” não empolgou o público brasileiro. No seu todo, passou despercebida e sem acrescentar grandes glórias à carreira dos atores e da autora. Deborah Secco teve um dos mais cansativos papéis da carreira. Faziam parte do elenco Murilo Benício, Christiane Torloni, Edson Celulari, Thiago Lacerda, Caco Ciocler, Nívea Maria, Betty Faria, Francisco Cuoco, Humberto Martins, Camila Morgado, Eva Todor, Jandira Martini, Paulo Goulart, Mariana Ximenez, Marcelo Novaes, Marcos Frota, Gabriela Duarte, Daniela Escobar, Floriano Peixoto, Neuza Borges, Claudia Jimenez, Lúcia Veríssimo, Murilo Rosa, Victor Fasano, Rosi Campos, Matheus Nachtergaele, Eri Johnson, Simone Spaladore, Rodrigo Faro, Raul Gazolla, Silvia Buarque, Sâmara Felippo, Chico Diaz, Bete Mendes, Duda Nagle, Luis Mello, Cacau Melo, José Dumont, Solange Couto, Roberto Bonfim, Bruna Marquezine, Juliana Paes, Paula Burlamaqui, Ailton Graça, Regina Dourado, Cleo Pires, Walter Breda, Rodrigo Hilbert, Juliana Knust, Marisol Ribeiro, Totia Meireles, Marcelo Brou, Guilherme Karan, Anderson Muller, Fernanda Paes Leme, Viviane Victorete, Lucy Mafra, Christiana Kalache, Lucas Balbin e Rafael Calomeni.
Em 2007, Glória Perez assinou mais uma minissérie, “Amazônia – De Galvez a Chico Mendes”. Desta vez ela retornava às origens, contando a história da sua terra, o Acre, último estado a ser integrado a União. Produção sofisticada, com cuidadosa reconstituição de época, elenco de peso, cenas gravadas no Amazonas e Acre, belas imagens da selva amazônica e bastidores de épico. A série foi dividida em três fases, começando em 1899, no auge do ciclo da borracha, com a conquista do Acre aos bolivianos, passando pela decadência dos seringais, fechando com a história do seringueiro Chico Mendes. A saga do Acre é contada cronologicamente em cem anos. Glória Perez inspirou-se nos romances “O Seringal”, de Miguel Jeronymo Ferrante e, “Terra Caída”, de José Potiguara.
“Amazônia – De Galvez a Chico Mendes”, apesar de apresentada com tiragens de épico, não conseguiu a beleza intimista e psicológica de “Desejo”, tão pouco a força explosiva e dramática de “Hilda Furacão”. Mostrou-se visualmente magnífica, com grandes interpretações, mas seca em arrancar grandes emoções, apesar de tramas com grande pujança. Talvez o desequilíbrio na duração das três fases, ou no excesso de capítulos para uma obra fechada, 52 ao todo, o que lhe dá uma sensação de novela, contribuíram para que uma produção de tão grande qualidade não apaixonasse o telespectador, que se manteve morno até o fim. José Wilker viveu o mítico herói acreano Luiz Galvez, Alexandre Borges fez o personagem histórico Plácido de Castro, e Cássio Gabus Mendes foi o líder Chico Mendes, compondo a espinha dorsal da trama. Ainda no elenco Vera Fischer, Irene Ravache, Christiane Torloni, Débora Bloch, José de Abreu, Giovana Antonelli, Regina Casé, Antonio Calloni, Cláudio Marzo, Matheus Nachtergaele, Paulo Betti, Victor Fasano, Humberto Martins, Emílio Orciollo Neto, Dan Stulbach, Letícia Spiller, Zezé Polessa, Caio Blat, Pedro Paulo Rangel, Diogo Vilela, Tereza Seiblitz, Lima Duarte, Vanessa Giácomo, Francisco Cuoco, Paulo Goulart, Leopoldo Pacheco, Cristiana Oliveira, Marcos Winter, Totia Meireles, Silvia Buarque, Leonardo Medeiros, Marcelo Faria, Ruth de Souza e Tato Gabus.
Em 2009, mais uma cultura seria retratada por Glória Perez, a indiana, tema de “Caminho das Índias”. Ao contrário do que aconteceu com a cultura islâmica abordada em “O Clone”, a cultura indiana não apaixonou o brasileiro. Por meses a novela amargou com baixa audiência. Sistema de castas, intocáveis, viúvas lançadas à fogueira, excesso de deuses para que se adorasse, fizeram a distância intransponível entre a realidade brasileira e a fantasia ali descrita. Uma Índia completamente folclórica, com famílias abastadas, longe da miséria que assola aquele país asiático, dos conflitos entre várias religiões, que atravessam desde o hinduísmo ao islamismo, a Índia da trama de Glória Perez só existiu nos estúdios da TV Globo. O maior agravante foi o branqueamento do povo indiano, fazendo dos atores meros estereótipos de uma cultura.
A novela ganhou audiência quando o núcleo do confuso Raul (Alexandre Borges) e da bela psicopata Yvone (Letícia Sabatella), forjaram a morte do milionário, em um golpe que prendeu o telespectador. A fogosa Norminha (Dira Paes) e o seu marido corno magnífico Abel (Anderson Muller) foram outro grande atrativo. A esquizofrenia, abordada através de Tarso (Bruno Gagliasso), também foi outro filão que não empolgou. Glória Perez ainda tentou introduzir depoimentos reais sobre esquizofrenia, recurso utilizado em “O Clone”, mas o pouco carisma da trama não permitiu que se estendesse por muitos capítulos. Os núcleos brasileiros salvaram a fantasia indiana da novela, garantindo que ela não se afundasse. Maya, a heroína vivida por Juliana Paes, foi um clone mal-sucedido de Jade, sem o carisma e força contestadora da outra. Bahuan, o protagonista da trama vivido por Márcio Garcia, foi rejeitado na primeira semana, quase que se tornando o vilão da trama.
Durante a exibição da novela, Glória Perez foi submetida a uma cirurgia na tiróide, acusando um câncer, o que levou a direção a chamar Carlos Lombardi e Elizabeth Jhin para prestar ajuda à autora, escrevendo algumas cenas. Desequilíbrio de elenco, excesso de fantasia e de informações apresentadas, contribuíram para que a novela não atingisse o fascínio de “O Clone”. Curiosamente, o burlesco da trama mostrou-se apoteótica aos jurados norte-americanos, que lhe atribuíram o prêmio Emmy Internacional, em novembro de 2009. Uma vitória para as telenovelas brasileiras em época de pouca criatividade e safra pouco empolgante. Ainda faziam parte de um elenco de luxo Tony Ramos, Christiane Torloni, Lima Duarte, Laura Cardoso, Rodrigo Lombardi, Vera Fischer, Débora Bloch, Humberto Martins, Eliane Giardini, Nívea Maria, Caco Ciocler, Osmar Prado, Eva Todor, Maitê Proença, Elias Gleizer, Marjorie Estiano, Tânia Khalil, Stênio Garcia, Antonio Calloni, Ana Beatriz Nogueira, Odilon Wagner, Victor Fasano, Totia Meireles, Cléo Pires, Isis Valverde, Flávio Migliaccio, Murilo Rosa, José de Abreu, Mara Manzan, Jandira Martini, Ricardo Tozzi, Duda Nagle, Silvia Buarque, Chico Anýsio, Marcius Melhem. André Gonçalves, Danton Melo, Betty Gofman, Maria Maya, Julia Almeida, Claudia Lira, Rosane Gofman e Java Mayan.

OBRAS

Telenovelas:

1983/1984 – Eu Prometo (colaboradora de Janete Clair) – TV Globo
1984 – Partido Alto (co-autoria com Aguinaldo Silva) – TV Globo
1987/1988 – Carmem – TV Manchete
1990/1991 – Barriga de Aluguel – TV Globo
1992/1993 – De Corpo e Alma – TV Globo
1995/1996 – Explode Coração – TV Globo
1998/1999 – Pecado Capital (2ª versão novela de Janete Clair) – TV Globo
2001/2002 – O Clone – TV Globo
2005 – América – TV Globo
2009 – Caminho das Índias – TV Globo

Minisséries:

1990 – Desejo – TV Globo
1998 – Hilda Furacão – TV Globo
2007 – Amazônia – De Galvez a Chico Mendes – TV Globo

Seriados:

1998 – Mulher (co-autoria) – TV Globo
2003 – A Diarista (episódio piloto) – TV Globo

RICARDO MACHADO VOLUME 2 – DESENHOS DE VOZ

Após a produção do álbum, “Corra e Olhe o Céu”, trabalho coeso, de imponente beleza lírica, apesar de um certo academicismo, Ricardo Machado lançou o segundo álbum, tendo como título apenas o seu nome, fugindo do intimismo do primeiro, trazendo uma obra mais ousada e aguda, mostrando-se solto e com coragem de cantar no tom que se lhe acentua a verdadeira acepção do timbre metálico, sem recorrer a histrionismos, ou perder a suavidade lírica com a qual torna as melodias em agradáveis cantos que se nos seduzem os sentidos.
Mais seguro em cantar, Ricardo Machado, neste volume 2 de uma obra incipiente, propõe-se a mostrar sem máscaras a arte de interpretar. Não sendo fácil sobreviver apenas como intérprete em um mercado fechado, preconceituoso e aberto ao medíocre, o cantor compensa as limitações como compositor, escolhendo um repertório eclético e centrado no bom gosto, percorrendo canções clássicas, mas pouco exploradas, corajosamente tomando-as como suas, criando momentos únicos, impregnando-lhes uma identidade própria.
Ricardo Machado, volume 2, não traz um repertório tão vincado nas profundezas dos sentimentos como no primeiro álbum, mas não foge da obsessão sublime do cantor em cantar o amor, munindo-se do que há de melhor dentro da Música Popular Brasileira, sem jamais se mostrar meloso ou recorrer ao drama, ou ao canto fácil. Traz, principalmente, a afirmação de uma voz, que se mostra mais potente e com vontade de arriscar tons, navegar na que se lhe torna imprescindível, os agudos, dom que as vozes masculinas muitas vezes não se sentem à vontade em explorar.
Mais leve que o primeiro, este álbum consolida-se pela beleza estética de uma voz esculpida em um ínfimo procurar pela perfeição técnica, quebrando-se em metal suave quando traduzida na mais límpida emoção.
Concluído o que se iniciou com o artigo “Corra e Olha o Céu – Ricardo Machado”, aqui a apresentação de um jovem e promissor cantor, numa época em que se tem carência de boas produções musicais e de novos talentos que se propõem a soprar um canto de beleza dentro de um cenário enevoado e demarcado por nuvens de produções instantâneas. Aqui, análise contundente do álbum “Ricardo Machado – Volume 2”.

Agudos Fulminantes em Proposta Romântica

Com uma capa que fragmenta várias fotografias do cantor trazendo o microfone como apresentação da sua proposta, acentuando o contraste entre o azul do fundo do cenário, a camisa preta e a pele branca, o álbum, em uma primeira visitação ao invólucro, mostra-se discreto. Produzido e idealizado pelo próprio cantor, traz os arranjos coesos de Ricardo Calafate, o mesmo que se lhe apresentou no primeiro trabalho.
“Seduzir” (Djavan), cantado em capela, surge em forma de vinheta, mostrando a delicadeza da voz de Ricardo Machado. Em um convite suave, ouve-se:

“Cantar é mover o dom
do fundo de uma paixão (…)
(…) Revelar todo o sentido”

E será do fundo das paixões, do âmago do dom do canto, que se erguerá todo o álbum. Após o singelo, mas contundente convite da vinheta, entramos na atmosfera do disco propriamente dito. “Quem Tem a Viola” (Zé Renato – Chico Chaves – Cláudio Nucci – Juca Filho), abre-se surpreendente. Ricardo Machado chega seguro, límpido, longe do intimismo lírico que a canção proporciona, arriscando um tom mais alto e o metal da voz, dando ritmo aos violões, eclipsando agudos e cordas de aço e nylon, num contraste atraente, quebrando a limitação de toada épica do original, fazendo-a mais pop e moderna. Já no início, percebe-se que a ousadia vence o medo de querer acertar, e a vontade de mostrar o que se manteve escondido até então, a força de uma voz liricamente vibrante. Quando pronuncia as palavras “metal” e “cristal”, os agudos fulminam os violões, sendo suavizados nos vocais do próprio cantor, que nos mostram as possibilidades de uma voz privilegiada.

“Quem tem a viola
Pra se acompanhar
Não vive sozinho
Nem pode penar
Tem som de rio
Numa corda de metal
Tem o mar num acorde final”

“Sem Dizer Adeus” (Paulinho Moska), uma canção que toca na mais profunda emoção dos sentimentos, numa veia dramática latente, que, de tão rascante na mensagem contundente, chega a beirar às raias do brega se interpretada de forma errada. Ricardo Machado não tem medo de ir ao romantismo mais vincado das canções, mergulhando de cabeça, emergindo sóbrio, lírico, apaixonante. A voz está límpida, não abusa dos agudos, não percorre as feridas da letra, vai ao fundo da emoção, ampliando a latente lírica da voz, traduzida em pura beleza que de suave, corta como uma lâmina.

“Eu
Chorei até ficar debaixo d’água
Submerso por você
Gritei até perder o ar
Que eu já nem tinha pra sobreviver (Eu andei…)”

Um Clássico Imprescindível do Jazz

Vamos desaguar, surpreendentemente na mítica “My Funny Valentine” (Richard Rodgers – Lorenz Hart). Feita para um musical da Brodway, “Babes in Arms”, em 1937, a canção tornou-se um clássico do jazz, passando pelos repertórios de Chet Baker, Frank Sinatra, Ella Fitzgerald e Jimmy Giuffre.
Ao contrário do que se pensa, é uma mulher quem canta para o seu amado, Valentine (palavra muitas vezes erroneamente traduzida como namorada [o]), onde acentua os defeitos do amado, mostrando-o não belo ou inteligente, mas que no final, pede para que não mude um fio de cabelo se a amar. São Valentino, Valentine, em inglês, é o santo dos casais apaixonados, sendo o dia dos namorados comemorado no seu dia em muitos países. Daí o arremate final da canção, “Each day is Valentines’s Day” (todo dia é dia dos namorados). Sabendo-se da origem da canção, fica mais fácil situá-la dentro do contexto do álbum. O que parece ser algo “cool” e isolado, interliga-se na proposta que Ricardo Machado quer dar, cantar o amor. Começa intimista, opta por uma canção em inglês que, aparentemente doce, é uma sátira ao amado, e ao mesmo tempo, uma declaração de amor sincera, sem máscaras. É este tipo de amor que canta Ricardo Machado, que se expõe em rasgos abertos e despidos, mas que se retrai ao dramático, fincando-se no lírico, na suavidade da poesia.
Interpretação aparentemente “cool”, ele vai, aos poucos, intencional ou intuitivamente, atingindo o universo dos autores, Richard Rodgers e Lorenz Hart, traduzindo aquela atmosfera do jazz branco dos judeus de Nova York. Se o intimismo inicial sugere a interpretação politicamente correta, Ricardo Machado agarra a atmosfera, solta-se na emoção do verso final “Stay little Valentine, Stay” (Fique, pequeno namorado, ou pequeno Valentine, conforme o jogo de palavras). Neste momento a voz vem quente, embriagante, mostrando porque “My Funny Valentine”, uma canção feminina, tornou-se através do tempo, essencial nas vozes masculinas. Ricardo Machado consegue manter o segredo da usurpação pelos homens do clássico. Numa primeira leitura do disco, perguntamos o que esta música está ali a fazer, no meio do repertório. Numa segunda audição, vamos perceber o elo, a essência do cantor, que mesmo quando se quer revelar docemente marginal, é vencido pela estética lírica inconfundível do seu canto.

“But don’t change your hair for me
Not if you care for me
Stay little Valentine, stay!
Each day is Valentine’s Day”

Prelúdio e Primeiro Clímax

“Primavera” (Cassiano – Silvio Rochael), acentua a clareza da pronúncia das palavras na voz do cantor, que elimina qualquer sotaque regionalista, ampliando a beleza estética da poesia, milimetricamente articulada. Mais uma vez os vocais do cantor embelezam a canção, proporcionando-lhe um toque melódico envolto na extensão da sua voz. O passionalismo à flor da pele emerge quando o cantor pronuncia “meu amor”, numa verdade que se amplia incontestável, chegando aos nossos ouvidos diluída mais uma vez, pelo lirismo que provoca, fazendo do drama uma paisagem primaveril suave, do amor com o gosto quente do sangue e da carícia poética de uma brisa macia. Não é o melhor momento do disco, que ainda estar por vir, mas é o prelúdio, é a voz que já não se contenta em ser comportada, que quer subverter o potencial que se lhe negam os sofismas dos professores de música. É o canto já amadurecido, pronto para hipnotizar quem que se lhe ouse a ouvir.

“Eu, é primavera, te amo
É primavera, te amo meu amor
Trago esta rosa para te dar
Trago esta rosa para te dar
Meu amor”

E para quem percorreu todas as faixas à procura de um momento que se atinja o ápice, “Autonomia” (Cartola) proporciona a concretização deste instante. Ricardo Machado já havia navegado com segurança no universo de Cartola, gerando bons momentos no álbum anterior com “Corra e Olhe o Céu” (Cartola – Dalmo Casteli) e “Acontece” (Cartola). Mas é nesta faixa que se revela um profundo tradutor da emoção do velho mestre, e, brinda-nos com uma das mais sublimes, senão a melhor, interpretação de “Autonomia”. O amor como prisão consentida, o sentimento que de opção, torna-se o ar, a perda da liberdade ante outra vida. Cartola sabe como ninguém tocar na sensibilidade das relações, das paixões sinceras. Ao contrário do que aconteceu no disco anterior, aqui Ricardo Machado não se atém ao acadêmico, entrega-se de corpo e alma à canção. Faz da poesia a palavra cantada, dilacerada pela emoção. A sua voz alcança a beleza estética que tanto foi sugerida, em um momento de pura emoção lírica, atingindo um apogeu no fim das estrofes, revelando finalmente o timbre ideal, perseguido e traduzido na essência. Nesta interpretação, o cantor é revelado em seu esplendor vocal.

“É necessário a nova abolição
Pra trazer de volta a minha liberdade
Se eu pudesse gritaria, amor
Se eu pudesse brigaria, amor
Não vou, não quero”

E o bom momento do álbum segue com “Fadas” (Luiz Melodia), atingindo outro ápice. Luiz Melodia é daqueles compositores que crava no existencialismo solto em palavras que sugerem imagens, fragmentos de momentos. Suas canções têm um toque que se casam com a voz feminina. Ricardo Machado mostra-se extremamente seguro, em um à vontade que lhe permite conduzir com brilho os fragmentos poéticos da mensagem do autor. Os bandolins simulam as guitarras portuguesas, dando um toque de fado contemporâneo, leve e sem o gosto da lágrima. Suave, de ritmo que se mescla entre uma valsa e um fado, proporcionando um dos pontos altos do cantor, que aqui já se faz soberano, encantador, usando do privilégio rítmico que só os que nascem com o dom do cantar conseguem atingir sem que se esforce muito. Ricardo Machado absorve todos os movimentos de idas e vindas da poesia rabiscada do compositor das quadras do Estácio.

“Devo de ir, fadas
Inseto voa em cego sem direção
Eu bem te vi, nada
Ou fada borboleta, ou fada canção”

Visita aos Anos Oitenta e Um Outro Momento Mágico

“Noite do Prazer” (Arnaldo Brandão – Cláudio Zolli – Paulo Zdanowski) dá uma quebra momentânea ao clima alcançado pelas faixas anteriores. Traz a leveza estética que lhe é peculiar. Exercício contundente para a voz, que desde a primeira faixa mostrou-se ancha. Sucesso dos anos oitenta, a canção não se furta em deixar um leve trave de uma época que já se foi. Ricardo Machado consegue articular todas as palavras, principalmente no verso “tocando B. B. King sem parar”, desfazendo a ambigüidade que sempre se lhe ficou enraizada, quando todos cantaram “trocando de biquíni sem parar”. Cumpre bem a proposta, mas não empolga. É o momento menor de um disco brilhante. É como se o cantor deixasse nos anos oitenta o seu fascínio pela canção. “Noite do Prazer” chega sem fôlego, visivelmente datada, presa aos resquícios da geração do desbunde, que dava os seus últimos suspiros na década da queda das ideologias.

“A noite vai ser boa
De tudo vai rolar
De certo que as pessoas
Querem se conhecer
Se olham e se beijam
Numa festa genial”

Mas as surpresas não se findaram, pelo contrário, chega com fôlego um outro grande momento, “Desenho de Giz” (João Bosco – Abel Silva). Cantando inicialmente em um tom mais grave, Ricardo Machado navega na canção com domínio técnico, perdendo-o por instantes para a emoção, alcançado o lirismo supremo vociferado por agudos perfeitos, magnetizando o metal da voz, atraindo como um ímã os ouvintes. Veste-se de sublime coragem para cantar o amor e os seus labirintos, sem fazê-lo extenuante, sem que lhe embace a delicadeza poética. As palavras sopradas e articuladas com perfeição, uma característica do cantor, perdem o academicismo proposto no primeiro álbum, ganhando a dimensão lírica do timbre metálico, a emoção vincada quando traduzidas na melodia, diluindo-se em efeitos provocados pelas várias vozes aqui por ele usadas. Consegue conciliar a pronúncia silábica com o lirismo extenuante da voz, unindo de forma estética definitiva a poesia e a melodia, impregnando-lhe a suavidade de um canto conduzido pelo etéreo. Assim como em “Autonomia”, a voz de Ricardo Machado expele beleza, desenhando não uma estética de giz, mas de sofisticada nanquim tatuada na pele dos sentimentos.

“Quem quer viver um amor
Mas não quer suas marcas, qualquer cicatriz
A ilusão do amor
Não é risco na areia, é desenho de giz
Eu sei que vocês vão dizer
A questão é querer desejar, decidir
Aí diz o meu coração
Que prazer tem bater se ela não vai ouvir”

Frenética Arrancada Final

“Perdão Você” (Carlinhos Brown – Alaim Tavares) ressalta a verve de cantor lírico que Ricardo Machado traz na bagagem. Dando um toque de sofisticação, ele dispensa os instrumentos musicais, ousando interpretar toda a canção em capela, acrescentando-lhe um vocal próprio de fundo. Para completar o efeito, convida Ana Cláudia Casaca, com quem divide um delicado dueto. Desenhando uma erudição moderna, a ousadia não chega a traduzir um momento de grande esplendor, mas não decepciona em sua beleza estética. Ana Cláudia Casaca mostra com segurança a beleza da sua voz. Ricardo Machado consegue um bom momento, mas que nada evidencia a genialidade que já alcançou até aqui. Talvez seja o único momento do disco que traz aquele intimismo academicista do primeiro disco, sem que risque em nada toda a proposta aguda e ousada aqui diluída.

“Sei que a tendência
Anda nas frestas
No decidir da mente
É como se perder de Deus
E eu não quero
Eu não quero me perder
Eu não quero te perder
Perdão Você”

Surpreendentemente, o disco chega ao fim com uma velocidade estonteante, através da irreverente “Não Enche” (Caetano Veloso), uma daquelas canções de Caetano Veloso de tirar o fôlego de quem a canta. Letra provocativa, com termos que satirizam a amada, quase que ofensivamente, traz quilômetros de palavras vociferadas em tom frenético. Ricardo Machado aceita o desafio e freneticamente, não perde nenhuma sílaba das palavras arrancadas em uma melodia que não se deixa pausar, numa pulsação veloz. A canção surge divertida, agradável, de fácil assimilação não fosse uma letra sem fim, labiríntica, difícil de ser cantada e assimilada no todo. Ricardo Machado passa por todas as armadilhas dos ritmos, por todas as palavras de uma poesia quase psicodélica. Mostra-se tranqüilo, seguro, num prelúdio de despedida do álbum que lhe garante a qualidade de um grande intérprete, já maduro e pronto.

“Harpia! Aranha!
Sabedoria de rapina
E de enredar, de enredar
Perua! Piranha!
Minha energia é que
Mantém você suspensa no ar
Pra rua! Se manda!
Sai do meu sangue
Sanguessuga
Que sabe sugar
Pirata! Malandra!
Me deixa gozar, me deixa gozar
Me deixa gozar, me deixa gozar…”

O disco é encerrado como foi iniciado, com “Seduzir” (Djavan), em forma de vinheta, cantada em capela:

“Cantar é mover o dom
do fundo de uma paixão (…)
(…) Revelar todo o sentido”

Nunca os versos de Djavan foram cantados com tanta sinceridade e, sinceridade, é a palavra chave do canto de Ricardo Machado, em um trabalho delicado, de sofisticada composição estética, de precisão na escolha de um repertório que não se perde, mas que se acrescenta a cada faixa, de uma voz que já se mostra técnica e emotivamente conciliada, expandido-se nas suas possibilidades, cada vez mais buscando por novos desafios. “Ricardo Machado – Volume 2” empolga pela honestidade de um trabalho límpido, pela tenacidade de um artista que tenta superar as limitações de um mercado fechado e cruel, pela tradução de que o cenário musical brasileiro tem muito a oferecer por aí, em sensíveis obras de autores independentes. Cabe a nós descobrirmos e divulgar estas pérolas tão docemente escondidas dentro de uma ostra de carcaça sólida chamada MPB.

Ficha Técnica:

Ricardo Machado 2
Produção Independente

Produção e Seleção de Repertório: Ricardo Machado
Direção Musical: Ricardo Machado e Ricardo Calafate
Técnico de Estúdio: Ricardo Calafate e Ricardo Cidade
Técnicos de Mixagem e Masterização: Ricardo Calafate e Ricardo Cidade
Arranjos: Ricardo Calafate
Arranjos Vocais: Ricardo Machado e Ricardo Calafate
Fotos: Jorshey Stúdio
Projeto Gráfico: Ricardo Machado
Processamento de Imagens: Gabriel Nunes
Arte Final: Gabriel Nunes
Realização Gráfica: Artes Gráficas e Editora Exímia
Idealização de Texto: Ricardo Machado
Colaboração: Nelson Almeida, Leandro Marzulo, Fernanda Veloso, Solange V. Santos, Rogério M. Santos
Gravado no Estúdio Usina
Agradecimentos Especiais de Ricardo Machado: Ricardo Calafate, Ana Cláudia Casaca, Ricardo Cidade, Nelson Almeida, Gabriel Nunes, Márcio Amorim, Afonso Martins, Leandro Marzulo, Fernanda Veloso, Filipe Affonso, Rogério Machado, Solange Veloso, Lúcia Regina, Odete Faria, Adyl Faria, Augusto Santos e a todos que apoiaram este projeto. Agradeço a Deus

Músicos Participantes:

Violão Aço: Ricardo Calafate (Faixas “Quem Tem a Viola”, “Sem Dizer Adeus”, “Primavera” e “Noite do Prazer”)
Violão Nylon: Ricardo Calafate (Faixas “Sem Dizer Adeus”, “Fadas”, “Desenho de Giz” e “Não Enche”)
Violão 7 Cordas: Ricardo Calafate (Faixas “Autonomia” e “Fadas”)
Guitarra Solo: Ricardo Calafate (Faixas “Quem Tem a Viola”, “My Funny Valentine”, “Noite do Prazer”, “Desenho de Giz” e “Não Enche”)
Guitarra Base: Ricardo Calafate (Faixas “My Funny Valentine”, “Desenho de Giz” e “Não Enche”)
Baixo Elétrico (Synti): Ricardo Calafate (Faixa “Quem Tem a Viola”) e Afonso Martins (Faixa “Noite do Prazer”)
Baixo Acústico: Afonso Martins (Faixa “My Funny Valentine“)
Triângulo: Ricardo Calafate (Faixa “Sem Dizer Adeus”)
Bandolim: Ricardo Calafate (Faixa “Fadas”)
Programação de Bateria: Afonso Martins (Faixa “Noite do Prazer”)
Percussão: Afonso Martins e Ricardo Calafate (Faixa “Noite do Prazer”)
Surdo, Caixa, Tamborim, Xique-Xique e Reco-Reco: Ricardo Calafate (Faixa “Não Enche”)
Vocais: Ricardo Machado
Participação Especial: Ana Cláudia Casaca (voz em “Perdão Você”)

Faixas:

1 Seduzir (Djavan) (vinheta), 2 Quem Tem a Viola (Zé Renato – Chico Chaves – Cláudio Nucci – Juca Filho), 3 Sem Dizer Adeus (Paulinho Moska), 4 My Funny Valentine (Richard Rodgers – Lorenz Hart), 5 Primavera (Cassiano – Silvio Rochael), 6 Autonomia (Cartola), 7 Fadas (Luiz Melodia), 8 Noite do Prazer (Arnaldo Brandão – Cláudio Zolli – Paulo Zdanowski), 9 Desenho de Giz (João Bosco – Abel Silva), 10 Perdão Você (Carlinhos Brown – Alaim Tavares) Participação Ana Claudia Casaca, 11 Não Enche (Caetano Veloso), 12 Seduzir (Djavan) (vinheta)

RICARDO MACHADO – SITES:

http://ricardomachadocantor.blogspot.com/

http://ricardomachadocantor.multiply.com/

CORRA E OLHE O CÉU – RICARDO MACHADO

Numa época que o cenário musical brasileiro mostra-se instável e sem direção, que a MPB sobrevive do que se ergueu nos últimos quarenta anos, sem que se apresente criatividade e trabalhos consistentes; que o mercado assiste ao colapso das grandes gravadoras, ultrapassadas pelo fenômeno da era digital, limitadas pela falta de qualidade do que apresentou ao público nos últimos vinte anos, transformando os sertanejos em ais medíocres do brega romântico, a música de raiz afro e seus axés em movimentos vulgares de glúteos e quadris pululantes, visando assim, o lucro fácil e o sucesso instantâneo; eis que surgem trabalhos sinceros, feitos para um mercado fechado, que se nega a abraçar o medíocre, mas que paga o preço de não conseguir patrocínios, condenando boas produções ao ostracismo, sem alcançarem um grande público, mostrando-se fechadas em circuitos restritos, sem que se consiga formar uma vanguarda que dê uma lufada no óbvio.
De tempos em tempos, descobre-se uma Maria Gadu pelos bares da vida e, percebe-se que dentro da carência de uma MPB estagnada no âmago da sua genialidade temporal, existem talentos que se mantêm intactos à corrosão da falta de qualidade e ao declínio de um dos gêneros musicais mais apreciados no mundo.
É neste contexto atribulado que se me aparece Ricardo Machado, cantor carioca, dono de uma voz consistente, de timbre metálico que quando se propõe a desafiar os seus agudos, transforma a palavra dentro da melodia de uma forma estética admirável, alcançado ápices primorosos que nos trazem o puro prazer em se ouvir a boa Música Popular Brasileira.
Com dois álbuns independentes, “Corra e Olhe o Céu” e “Ricardo Machado”, o cantor oferece um trabalho límpido e de sensível sinceridade, sem em momento algum, fugir da proposta ou cair no vão dos projetos pretensiosos. Ricardo Machado propõem-se a cantar a MPB, mostrando que as canções não têm tempo e intérpretes definitivos, e que dentro de um acervo infinito, redescobrir sucessos vestindo uma voz bonita, torna-se novo e único, quase com cheiro de inédito.
Neste artigo, o primeiro álbum de Ricardo Machado se nos será apresentado, proporcionando a quem correr o risco, uma agradável surpresa dentro da arte de cantar, sem os resquícios do compromisso com as exigências do mercado. Singela, sincera, de uma beleza tênue e límpida, a obra de Ricardo Machado é um verdadeiro convite ao bom gosto, ao prazer de ouvir a Música Popular Brasileira.

Abrem-se as Faixas em Suave Romantismo

Ricardo Machado, carioca que se divide entre cantar e a profissão de dentista, traz na bagagem as raízes do cantor lírico, que se deixou seduzir pela música popular, demarcando esta característica na suavização do seu canto. Vindo do Coral da Universidade Gama Filho, foi desde sempre um apaixonado pela MPB, em especial por Gal Costa, uma influência que se estende na interpretação, vincada no lirismo melódico, distanciando-se da latência passional.
O álbum de estréia, aqui renomeado “Corra e Olhe o Céu”, traz um repertório conciso, com canções suaves, feitas por diversos autores, que se interligam em um todo, onde a melodia e a poesia são indivisíveis. Letra e melodia nivelam-se, sem jamais uma sobressair-se à outra, ponto de partida para o estilo pessoal de Ricardo Machado. Poucos como ele pronunciam todas as sílabas da canção, diluindo-as na melodia com clareza, sem arranhar a delicadeza musical, fazendo a felicidade de qualquer letrista, muitas vezes ofuscado pela música, iluminando assim, a poesia que há nas composições da MPB.
“Canção da Manhã Feliz” (Haroldo Barbosa – Luiz Reis), abre o álbum. Canção que exalta o amor, que chega suave depois das tempestades, que entra como uma luz radiante em um coração discreto. Ricardo Machado sabe dosar o lirismo exato da canção, optando por um intimismo lírico, ameaçando, por alguns momentos, lançar-se na beleza metal da sua voz, contendo-se da explosão estética que pode e quer atingir, mas sem se perder da delicadeza do momento. A voz abre-se para a emoção.

“Eu abri a janela
E este sol entrou
De repente em minha vida
Já tão fria e sem desejos
Estes festejos
Esta emoção
Luminosa manhã
Tanto azul tanta luz
É demais pro meu coração”

“Todo Azul do Mar” (Ronaldo Bastos – Flávio Venturini) chega como um sopro, ampliando o proposto na primeira faixa, transformando a poesia em melodia, sem ela, o canto de Ricardo Machado não faz sentido. Os floreados são salpicados como atenuantes ao convite lírico.

“Quando eu dei por mim
Nem tentei fugir
Do visgo que me prendeu
Dentro do seu olhar”

Rasgos Viscerais

O amor suave cantado nas primeiras faixas dá passagem para o existencialismo pulsante, à flor da pele de “Resposta ao Tempo” (Aldir Blanc – Cristóvão Bastos). Canção forte, que beira o precipício dos sentidos, num diálogo dilacerante entre o tempo e um sobrevivente das grandes paixões. Aparentemente simples, a canção requer fôlego para que se suba às escadas do diálogo, onde as palavras são mais amplas que a melodia, que muitas vezes mostra-se tolhida dentro das grandes frases. Nana Caymmi atravessou com passionalismo a canção. Ricardo Machado suaviza o diálogo, estreita-se nos seus labirintos e sai com maestria dos becos que se lhe abrem, mantendo o fôlego das palavras, ao contrário da interpretação de Nana, que às vezes o parece perder. A veia passional exacerbada que a canção sugere passa longe da suavidade estética que Ricardo Machado insiste em transformar aquilo que canta. Como discípulo de Gal Costa, prefere transformar o trágico em suportável, a dor em beleza solitária, o desespero em ludismo, a palavra em melodia sincronizada, interligada num poema cantado.

“Respondo que ele aprisiona, eu liberto
Que ele adormece as paixões, eu desperto
E o tempo se rói com inveja de mim
Me vigia querendo aprender
Como eu morro de amor pra tentar reviver”

Se até o momento o cantor mostrou-se comportado, sedutoramente acadêmico, na quarta faixa, “Me Chama de Chão” (Paulinho Moska – Fernando Zarif – Branco Melo), ele apaga tudo e solta toda a verve escondida, sem qualquer pudor em arriscar o metal da voz em momentos que os agudos expandem as frases mais constrangedoras da música, numa deliciosa malícia. De forma visceral, ousada, ele desnuda a canção, rasga a sua mensagem, fazendo-a adoravelmente crua, desconcertante aos ouvidos mais pudicos e, arrebatadora aos que sabem os vários caminhos que se conduz o amor na sua forma bruta, na sua essência tão primitiva quanto o próprio lapidar do sentimento. Um dos melhores momentos do álbum. E também onde se revela um pouco do potencial da voz que Ricardo Machado sabe guardar tão bem, como uma surpresa em um invólucro súbito.

“Bate que sou tua porta
Bate que sou teu bife
Bate que sou teu homem
Sou teu cão (…)
(…) Me chama de chão
Me chama
Come que eu sou teu rabo
Cospe, que eu sou teu prato”

No Lirismo dos Autores do Clube da Esquina

“Nascente” (Flávio Venturini – Murilo Antunes) restabelece a suavidade, chegando mansa, macia. Se as sereias trazem um canto hipnótico e fatal, os tritões sopram a melodia em um precipício que se nos arremessa aos rochedos dos sentimentos. Ricardo Machado, no seu intimismo domesticado, transforma-se no tritão em alto mar, cantante e solitário!

“Clareia manhã
O sol vai esconder a clara estrela
Ardente
Pérola do céu refletindo
Teus olhos”

“Travessia” (Milton Nascimento – Fernando Brant), a mais definitiva canção de Milton Nascimento, passou pelas mais diversas vozes da MPB, vestindo desde a densidade claustrofóbica de Elis Regina à interpretação em estilo épico do autor. Foi tão explorada, que por muito tempo tornou-se sem novidades. Ricardo Machado propõe-se em transformar o óbvio em algo seu, conseguindo dar uma identidade própria, o que lhe acentua a intuição e o estilo. Atravessa toda a dor pungente da canção e, quando o desabrochar da melodia eleva a voz no verso “vou soltar o meu pranto” e se espera o ápice de “vou querer me matar”, ele quebra o tom, baixando-o subitamente, fazendo com que o ouvinte desenhe na mente uma imagem a cair no vão de um precipício. Efeito notável, mostrando como o cantor resiste ao passionalismo erguido, optando pelo lirismo poético.

“Solto a voz nas estradas, já não quero parar
Meu caminho é de pedras, como posso sonhar
Sonho feito de brisa, vento vem terminar
Vou fechar o meu pranto, vou querer me matar”

De Paulinho da Viola a Cartola

Deixando o universo dos mineiros do Clube da Esquina, Ricardo Machado mergulha no samba macio de Paulinho da Viola. “Coração Leviano” (Paulinho da Viola), é interpretada com concisão, preservando a delicadeza da beleza estética que o cantor impõe. Discretamente, murmura alguns agudos, retraindo-se para não desconstruir a proposta inicial. Insere no final, um rasgo meteórico de “Insensatez” (Vinícius de Moraes – Tom Jobim), num arremate entre o samba e a Bossa Nova cariocas.

“Ah coração teu engano foi esperar por um bem
De um coração leviano que nunca será de
Ninguém”

“Corra e Olhe o Céu” (Cartola – Dalmo Casteli), amplia a proposta do álbum. A voz mostra-se quente, transitando as possibilidades, arriscando os graves, concebendo um ludismo romântico, vertido nas sílabas melódicas, na percepção da sensibilidade autoral. A canção alinhava toda a proposta do álbum, selando os vários universos de autores diferentes apresentados por Ricardo Machado. É o momento que se identifica com precisão o intimismo do cantor e a expansão da sua sensibilidade, a sofisticação na escolha do repertório e a sua paixão pela genuína MPB.

“Linda!
No que se apresenta
O triste se ausenta
Fez-se a alegria
Corra e olhe o céu
Que o sol vem trazer
Bom dia”

Ricardo Machado mostra-se seguro e à vontade no universo de Cartola. Segue o rastro do mestre com a faixa “Acontece” (Cartola). Mais uma vez deixa fluir o timbre metálico, que emerge quase que sufocado dentro do intimismo acadêmico que mantém coerente, sem nunca ferir a beleza exposta e a subtender a que se esconde no mais sublime âmago. Apesar de mais duas faixas, é como se ele se despedisse aqui, encerrando o delicado e sofisticado repertório, no qual transitou com domínio pleno e suavidade envolvente.

“Esquece o nosso amor, vê se esquece
Porque tudo na vida acontece
E acontece que eu já não sei mais amar
Vai chorar, vai sofrer, e você não merece
Mas isso acontece”

A décima faixa talvez seja o grande equívoco do álbum. “Canção da Manhã Feliz” (Haroldo Barbosa – Luiz Reis), volta em um dueto com Márcia Coelho, que apesar da beleza da voz, mostra-se menor quando Ricardo Machado entra, reforçando o tom lírico que impregnou na primeira faixa, fazendo deste curto momento um ápice isolado. Uma terceira voz (Eduardo Coelho), junta-se aos dois, num encerramento bonito, mas que nada acrescenta à sofisticação do repertório e à beleza das interpretações solitárias de uma grande voz.
E o ápice final vem com “Bachianas Brasileiras nº 5” (Heitor Villa Lobos), onde Ricardo Machado acentua as raízes de cantor lírico. A ousadia não torna a proposta do álbum pretensiosa, imprime-lhe o carimbo do bom gosto, afirma toda a sofisticação que se manteve da primeira à última faixa. Encerra um trabalho ímpar, de um cantor que ao penetrar com coragem no universo da MPB, dá ao repertório escolhido uma identidade própria, despindo-o de qualquer estigma que se lhe exija um repertório próprio, feito de inéditas.
Longe de se mostrar “crooner”, Ricardo Machado revela-se um cantor de personalidade arraigada, de timbre agradável e de possibilidades múltiplas. O álbum é acadêmico, por ser o primeiro, aquele em que o cantor quer e precisa acertar. Mas dentro deste academicismo, há uma beleza rara, uma promessa de uma grande voz, um gostinho de quero mais aos ouvintes.

Ficha Técnica:

Ricardo Machado – Corra e Olhe o Céu
Produção Independente

Produção, Coordenação e Seleção de Repertório: Ricardo Machado
Técnico de Estúdio: Ricardo Calafate
Técnicos de Mixagem e Masterização: Vanderlan Júnior e Cláudio Louro
Arranjos: Vanderlan Júnior
Concepção da Capa: Ricardo Machado
Fotos: Jorshey Stúdio
Arte Final: Cláudio Louro
Gravado no Estúdio Usina
Mixado e masterizado no Estúdio Groove
Agradecimentos Especiais de Ricardo Machado: À minha família, Cláudio Louro, Vanderlan Júnior, Ricardo Calafate, Maurício Capistrano, Maurício Rizzo, Márcia Coelho, Dudu e a todos que apoiaram a realização deste trabalho

Músicos Participantes:

Violão Eletro-Acústico: Ricardo Calafete (Faixas “Canção da Manhã Feliz”, “Todo Azul do Mar”, “Resposta ao Tempo”, “Me Chama de Chão” e “Nascente”) e Maurício Rizzo (Faixa “Acontece”)
Violão Acústico: Maurício Capistrano (Faixas “Travessia”, “Coração Leviano”, “Corra e Olhe o Céu”, e “Bachianas Brasileiras número 5”)
Teclados e Programação de Bateria: Vanderlan Júnior
Vocais: Ricardo Machado
Participações Especiais: Márcia Coelho (voz e vocal em “Canção da Manhã Feliz”) e Eduardo Carvalho – Dudu (vocal em “Canção da Manhã Feliz”)

Faixas:

1 Canção da Manhã Feliz (Haroldo Barbosa – Luiz Reis), 2 Todo Azul do Mar (Ronaldo Bastos – Flávio Venturini), 3 Resposta ao Tempo (Aldir Blanc – Cristóvão Bastos), 4 Me Chama de Chão (Paulinho Moska – Fernando Zarif – Branco Melo), 5 Nascente (Flávio Venturini – Murilo Antunes), 6 Travessia (Milton Nascimento – Fernando Brant), 7 Coração Leviano (Paulinho da Viola), 8 Corra e Olhe o Céu (Cartola – Dalmo Casteli), 9 Acontece (Cartola), 10 Canção da Manhã Feliz (Haroldo Barbosa – Luiz Reis) Participação Especial Márcia Coelho, 11 Bachianas Brasileiras nº 5 (Heitor Villa Lobos)

RICARDO MACHADO – SITES:

http://ricardomachadocantor.blogspot.com/

http://ricardomachadocantor.multiply.com/

DOCES BÁRBAROS – ENCONTRO TELÚRICO NA MPB

O encontro entre os irmãos Caetano Veloso e Maria Bethânia com Gal Costa e Gilberto Gil, aconteceu bem antes da fama que os consagraria para sempre na história da MPB. Os contrastes das personalidades, vozes e estilos, construíam inexplicavelmente, uma unidade que nos primeiros dez anos de suas carreiras, foram afunilando de forma tão delineadamente explícita, tornando-os quadrigêmeos siameses.
Vindos da Bahia, percorreram um longo caminho, marcado pelo talento e sucesso; pelos estigmas da ditadura militar e da moral vigente; pela quebra da estética da música brasileira; pela angústia do exílio, e, pela consolidação de quatro sólidas carreiras individuais. Separados pela efervescência da Tropicália, os quatro só se iriam reunir outra vez, em 1976, formando os Doces Bárbaros.
Momento conturbado e genial da carreira de Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil – os Doces Bárbaros -, encontro meteórico, mas definitivo, deixou o legado de um álbum duplo ao vivo, um filme, um compacto duplo gravado em estúdio, e a memória de um grande espetáculo, que mesmo decepado no auge com a prisão de Gilberto Gil, não perdeu a sua eloqüência e magnificência histórica, teatral e musical.
“Doces Bárbaros”, álbum duplo de 1976, traz uma gravação ao vivo precária, com grande deficiência técnica, sem que se lhe tire o registro daquele momento sublime. Na época do lançamento não foi bem compreendido pela crítica e pelo público, que não percebiam a unidade invisível do disco, posto que cada artista manteve a sua característica, fazendo dos contrastes a genialidade que só o tempo pôde decifrar. As faixas trazem o último fôlego tardio da era “flower power”; o sincretismo religioso dos baianos; o rock diluído da Tropicália; canções do amor extremado; tudo reunido de forma alegre, lúdica e quase circense. É um momento raro da MPB, em que se constrói um estilo que une a década de 1960 com a de 1970, introduzindo o que se iria ver na década seguinte, onde a MPB tornar-se-ia uma voz feminina através do canto de Maria Bethânia e Gal Costa; e Caetano Veloso e Gilberto Gil cravando definitivamente na verve dos grandes compositores do país.
“Doces Bárbaros”, disco e filme, o marco das diferenças de cada um em um canto dissonante, barbaramente único. Depois de 1976, por duas vezes, o grupo voltou; em 1994, homenageando a escola de samba carioca Mangueira, e em 2002, num encontro apoteótico na praia de Copacabana. Mas nada foi igual àquele instante de fecunda criatividade juvenil, que surgiu no inverno e encerrou-se numa conturbada primavera de um ano marcado por grilhões da repressão militar, e pela beleza da música que se construía maior e mais possante do que qualquer tanque da caserna.

Juntos no Mítico “Nós, Por Exemplo”

No início dos anos sessenta, jovens e talentosos cantores e compositores, tiveram suas vidas convergidas em Salvador, na Bahia. Era a geração que, alguns anos depois, faria de vez a transição da rádio para a televisão, que apesar de estar instalada no país há mais de dez anos, era totalmente incipiente.
Em 22 de agosto de 1964, o Teatro Vila Velha, em Salvador, era inaugurado, abrindo as cortinas e recebendo no seu palco um grupo de jovens inquietos e inquietantes, desconhecidos do grande pública, mas singularmente talentosos. Eram eles Maria da Graça (Gal Costa), Caetano Veloso, Maria Bethânia, Antonio José (Tom Zé), Gilberto Gil, Fernando Lona, Antonio Renato (Perna Fróes), Djalma Corrêa e Alcyvando Luz. Era a estréia do mítico “Nós, Por Exemplo”. O sucesso foi tamanho, que gerou uma segunda versão do espetáculo. O ápice do show era a voz agreste e seca de Maria Bethânia em contraste com a voz doce e aguda de Maria da Graça, cantando em dueto a melancólica “Sol Negro” (Caetano Veloso).
Na seqüência de “Nós, Por Exemplo”, veio “Nova Bossa Velha, Velha Bossa Nova”, reunindo quase todos os integrantes do primeiro show, estreando-se no Teatro Vila Velha, em novembro de 1964. No grupo, a harmonia entre os irmãos Caetano Veloso e Maria Bethânia com Maria da Graça e Gilberto Gil, era o que sustentava o espetáculo, fazendo deles promissores artistas.
A fama não demorou a vir. Maria Bethânia foi vista no palco por Nara Leão, que ficou fascinada por aquela voz potente e tão diferente das demais. Na ocasião, a cantora fazia o mítico espetáculo “Opinião”. Impossibilitada de fazer uma temporada tão longa devido a problemas vocais, Nara Leão sugeriu que a então desconhecida Maria Bethânia a substituísse. Assim, a baiana foi a primeira a deixar o grupo, rumando para o sudeste, onde seria a revelação de 1965. Na bagagem, Maria Bethânia levou “Sol Negro”, gravado em dueto com Maria da Graça em 1965, no seu primeiro álbum.
O grupo voltaria a reunir-se nos palcos do Teatro de Arena, em São Paulo, em setembro de 1965, no show “Arena Canta Bahia”, dirigido por Augusto Boal. Maria Bethânia era a única do grupo que já tinha a carreira lançada profissionalmente, alcançando grande prestígio. Na seqüência veio “Tempo de Guerra”, com texto de Augusto Boal e Gianfrancesco Guarnieri. O show já não contava com Caetano Veloso, que retornara para Salvador. Mais uma vez, Maria Bethânia foi a estrela do espetáculo, que trazia ainda uma Maria da Graça intimista e pouco à vontade. As apresentações que reuniam os quatro baianos nos palcos encerraram-se.
Em 1967, parte da unidade do grupo veio com o lançamento de “Domingo”, primeiro álbum de Caetano Veloso e de Maria da Graça, já transmutada com o ressoante nome de Gal Costa. O álbum trazia ainda a essência bossa nova que caracterizara o show “Nós, Por Exemplo”. Ainda naquele ano, Caetano Veloso, Gilberto Gil e Gal Costa seriam protagonistas de um dos mais marcantes movimentos da MPB, a Tropicália.
O movimento tropicalista uniu ainda mais os baianos, mas deixou de fora Maria Bethânia, que por escolha pessoal, não quis se envolver. Os tempos eram difíceis, e os baianos traziam uma irreverência que assustava a moral conservadora que sustentava a ditadura militar. As atitudes que sabotavam os costumes sociais e morais da época, era o que de fato incomodavam os militares, não as suas convicções ideológicas, que estavam longe do engajamento político das esquerdas da época. A Tropicália explodiu as suas notas dissonantes pelo Brasil. Caetano Veloso, Gal Costa e Gilberto Gil alcançaram a fama. O movimento foi bruscamente encerrado com a prisão de Caetano Veloso e Gilberto Gil, em dezembro de 1968, culminando com o exílio dos dois em Londres, que se iria estender de 1969 a 1972.
Passada a fase caudalosa da Tropicália, o exílio, e o namoro com a geração underground, ou do desbunde; Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil, tinham carreiras sólidas e prestigiadas na primeira metade da década de setenta. Em 1975, completava dez anos que não se juntavam os quatro nos palcos. O encontro era ansiado por todos os fãs, tornando-se inevitável.

A Convocação de Maria Bethânia

Partiu de Maria Bethânia a idéia de um espetáculo que reunisse os quatro baianos mais famosos da sua geração. Assim, em 1976, a cantora convocou o irmão e os dois amigos para um encontro no palco, desta vez, todos já profissionais de sucesso, com técnica e carisma para a realização de um espetáculo memorável.
Maria Bethânia, que por anos sofrera o estigma da canção “Carcará” (João do Vale – José Candido), entrava em uma nova fase da sua carreira, abandonando os álbuns teatrais, realizando um disco por inteiro de música, “Pássaro Proibido”, assumindo um estilo que a iria transformar na cantora mais ouvida no país, com o álbum “Álibi”, em 1978. Depois de “Carcará”, a cantora teve um grande sucesso que explodiu nas paradas musicais de então, “Coração Ateu” (Sueli Costa), graças ao sucesso da novela “Gabriela”, onde fazia parte da trilha sonora, em 1975. Com “Pássaro Proibido”, a cantora alcançaria um outro grande sucesso com “Olhos Nos Olhos” (Chico Buarque). Ampliaria o seu público, até então fechado em um grupo elitizado e de grande teor intelectual.
Gilberto Gil vinha de um dos seus maiores sucessos da década de 1970, “Eu Só Quero Um Xodó” (Dominguinhos – Anastácia), em 1973, sendo constantemente requisitado pelo movimento estudantil, que tomava um novo fôlego após ter seus líderes exilados, presos, desaparecidos ou mortos. Lançara, em 1975, o álbum “Refazenda”, iniciando em agosto daquele ano, uma turnê pelo país, com um show homônimo.
Caetano Veloso, após dois anos sem lançar um álbum, voltou, em 1975, ao mercado discográfico com dois discos, “Jóia” e “Qualquer Coisa”. Na época, era constantemente cobrado por uma falta de definição ideológica, sendo acusado de alienação pelos engajados que esperavam, após o exílio, uma posição mais arrojada do cantor ante a situação política do país.
Gal Costa vinha de um momento particularmente feliz. Após sofrer críticas mordazes contra o seu show e álbum “Cantar”, em 1974, ficou dois anos sem lançar um LP. Em 1975 disparou nas rádios e na televisão com “Modinha Para Gabriela” (Dorival Caymmi), tema de abertura da telenovela “Gabriela”. O sucesso proporcionou um show com Dorival Caymmi e o lançamento do álbum, “Gal Canta Caymmi”, no início de 1976, que lhe rendeu prestígio e mais uma canção em abertura de telenovela, “Só Louco” (Dorival Caymmi), tema principal de “O Casarão”, de Lauro César Muniz.
Foi neste contexto que Maria Bethânia fez a convocação. Gilberto Gil abandonou a excursão do seu show “Refazenda”, para que se pudesse dedicar ao projeto. Gal Costa e Caetano Veloso aderiram com grande entusiasmo. Estava gerado o clima para o reencontro em palco, dos quatro baianos.

Doces Bárbaros, o Show

No lançamento do filme “Doces Bárbaros”, de Jom Tob Azulay, em DVD, em 2009, foi amplamente divulgado que o encontro entre os baianos deu-se para a comemoração dos dez anos de carreira dos quatro. Cronologicamente, 1976 não assinalava marco algum, pois Maria Bethânia e Gilberto Gil já tinham discos gravados há mais de onze anos; Gal Costa e Caetano Veloso ainda iam nos nove anos da estréia profissional com o álbum “Domingo”. Para finalizar, o último encontro de todos juntos datava de 1965, portanto, 1976 marcava um reencontro que teve uma ausência de onze anos.
Em 1974, Gal Costa, Caetano Veloso e Gilberto Gil lançaram o álbum “Temporada de Verão – Ao Vivo na Bahia”, gravado no mítico Teatro Vila Velha, em Salvador, demarcando os dez anos do teatro. Os shows foram feitos em paralelo, não havendo um encontro entre os três. Foi o que mais chegou próximo de um reencontro, mais tropicalista do que o todo.
Reza a tradição de que Maria Bethânia teria sonhado com a reunião dos quatro em um show. A idéia contagiou o grupo, e em duas semanas comporiam o repertório que faria parte do show. Até mesmo Gal Costa e Maria Bethânia, arriscaram-se como co-autoras de duas das canções. As exceções foram para músicas de Dorival Caymmi; Herivelto Martins e David Nasser; Waly Salomão; e, Milton Nascimento e Ronaldo Bastos.
Gilberto Gil e Caetano Veloso tinham por objetivo gravar o álbum em estúdio, mas Gal Costa e Maria Bethânia decidiram que o disco seria registrado ao vivo. Em maio de 1976, os quatro entraram em estúdio para a gravação de um compacto duplo, com as faixas “Chuck Berry Fields Forever” , “São João, Xangô Menino”, “Esotérico” e “O Seu Amor”, sendo lançado em julho daquele ano.
Após exaustivos ensaios, no dia 24 de junho de 1976, doze anos depois do histórico “Nós, Por Exemplo”, Caetano Veloso, Gal Costa, Maria Bethânia e Gilberto Gil reencontravam-se em palco, formando o grupo que chamaram Doces Bárbaros. A estréia dos Doces Bárbaros foi no Anhembi, em São Paulo. Show romântico, com roupas coloridas, ludismo circense, sensualidade latente, repertório arrojado e inédito, numa dilatada sintonia de quatro estilos diferentes.
O momento era histórico. O grupo abraçava com fôlego o encontro. Agendaram dez cidades brasileiras para a apresentação do show. Por insistência de Gilberto Gil e Caetano Veloso, incluíram Florianópolis, capital de Santa Catarina, no roteiro. Seria naquela cidade do sul do país que o reencontro teria uma interrupção brusca. No dia 7 de julho, uma operação truculenta da polícia de Florianópolis prendeu Gilberto Gil e o baterista do show, Chiquinho Azevedo, indiciados por porte de maconha. A notícia ecoou pelo Brasil, gerando uma acirrada polêmica.
Recolhido em uma cadeia pública, Gilberto Gil foi, por decreto de um juiz, internado no Instituto Psiquiátrico São José, próximo a Florianópolis. Ali permaneceria até 20 de julho, para que se submetesse a tratamento ambulatorial no Sanatório Botafogo, no Rio de Janeiro. Naquele ano a ditadura militar, que aos poucos perdia o apoio das famílias mais moralistas e conservadoras, usou da punição a artistas para agradar alguns setores. A tropicalista Rita Lee também seria presa por uso de drogas, passando pela humilhação pública e moralismo da caserna.
Acalmado o escândalo que envolvera a prisão de Gilberto Gil, o grupo retomou o show algum tempo depois da interrupção, fazendo uma curta e bem-sucedida temporada no Canecão, no Rio de Janeiro. Durante a primeira semana de shows no Canecão, foi gravado ao vivo, o álbum duplo “Doces Bárbaros”, que seria lançado em outubro de 1976.
O material visual do espetáculo foi registrado por Jom Tob Azulay, resultando em um filme homônimo, que só teria a sua estréia nos cinemas nacionais em 1978. O filme registrou a prisão de Gilberto Gil. Já na primeira década de 2000, quando o cantor tornou-se ministro da cultura do governo do presidente Luis Inácio da Silva, o registro do incidente adiou o lançamento do filme em DVD, só sendo possível em 2009, com Gilberto Gil já fora do ministério.

Doces Bárbaros, o Álbum

Gravado ao vivo e lançado em outubro de 1976, “Doces Bárbaros” é um álbum duplo, no formato de vinil, com dezessete canções distribuídas em dezoito faixas. Tecnicamente traz gravações sujas, com várias deficiências. É um trabalho único nas carreiras de Gal Costa, Maria Bethânia, Gilberto Gil e Caetano Veloso. A capa de tons entre o preto e o castanho fuscos, traz a fotografia da cabeça dos quatro bárbaros convergindo, com Maria Bethânia e Gilberto Gil em cima, e, Caetano Veloso e Gal Costa embaixo. O fundo é de uma cor laranja intensa, sendo azul na contra-capa.
O repertório é quase todo de autoria de Gilberto Gil e Caetano Veloso, com exceção de três faixas. A diferença dos Doces Bárbaros para outros grupos vocais é que as vozes não soam como uma, não constituindo arranjos harmônicos, demarcando as diferenças de cada um. Há momentos que a voz aguda e doce de Gal Costa sobressai aos demais, o mesmo acontecendo com a voz grave de Maria Bethânia, sendo as de Gilberto Gil e Caetano Veloso as que mais se confundem em uma só. Os homens fazem a harmonia do canto, as mulheres contrastam os timbres peculiares das suas vozes, únicas na MPB. Gal Costa é a voz do grupo, o centro intocável, docemente bárbara.
O primeiro disco traz apenas sete canções, longas, divididas em dois lados. “Os Mais Doces Bárbaros” (Caetano Veloso) abre a aventura musical. Alegre, já de inicio estabelece a proposta do álbum, com as quatro vozes explodindo as suas diferenças. Os florões acentuam a voz de Gal Costa, e as mulheres rasgam a canção. Por mais de seis minutos é anunciada a invasão bárbara, trazendo na mesma mensagem afoxés, orixás, sincretismo cristão, astronaves, cordões, hino flower power, numa aventura que destila ventos tropicalistas. Pela primeira vez temos uma Maria Bethânia tropicalista, movimento do qual se negara fazer parte.

“Com amor no coração
Preparamos a invasão
Cheios de felicidade
Entramos na cidade amada
Peixe espada, peixe luz
Doce bárbaro Jesus
Sabe quem é otário
Peixe no aquário nada”

“Fé Cega, Faca Amolada” (Milton Nascimento – Ronaldo Bastos) foge dos autores bárbaros, sendo uma das três faixas de compositores diferentes que transitam pelo disco. Iniciam juntos, mas Maria Bethânia conduz a canção, com Gal Costa em um vocal contundente nos refrões. O grito é instigante, provocador, pronto para o protesto ou para a polêmica. É a busca de uma liberdade em mensagem velada, feita numa época ofuscada por uma triste ditadura. O grupo pode ser doce, mas não deixa de ser bárbaro.

“Agora não pergunto mais pra onde vai a estrada
Agora não espero mais aquela madrugada
Vai, ser, vai ser, vai ter de ser, vai ser faca amolada
O brilho cego de paixão e fé, faca amolada”

“Atiraste Uma Pedra” (Herivelto Martins – David Nasser), quebra a rebeldia, trazendo um antigo samba canção, da época da briga musical e pública entre Herivelto Martins e Dalva de Oliveira. Na canção os versos são divididos pelas quatro vozes, demarcando solitariamente cada timbre, até que se encontram todas na segunda parte. Emoção pura, dentro da tristeza do fim de um grande amor. Ou mesmo da quebra do sonho do reencontro com a prisão de Gilberto Gil. É o momento inconfundível do estilo de Maria Bethânia sobressaindo-se ao tropicalista. Adorável releitura da época das grandes vozes do rádio, feita pelas vozes mais contemporâneas do Brasil.

“Atiraste uma pedra com as mãos que essa boca
Tantas vezes beijou
Quebraste um telhado
Que nas noites de frio te servia de abrigo
Perdeste um amigo que os teus erros não viu
E o teu pranto enxugou”

“Pássaro Proibido” (Caetano Veloso – Maria Bethânia), é a primeira interpretação a solo do disco, cantada por Caetano Veloso. Feita para o show homônimo de Maria Bethânia, seria também o titulo do álbum da cantora em 1976. Caetano Veloso veste-se de cantador nordestino, com entonação de florões de um canto ímpar, mesclando um tom hindu, dando uma atmosfera mística ao grito do pássaro proibido, que finalmente estava livre. Sem medo de ser maldito, ou de quebrar os estigmas de uma moral em evolução social. Com a canção, era encerrado o lado um do primeiro disco de vinil.

A Visão Alucinógena da Criação do Universo

O lado dois do primeiro disco contém apenas três canções, iniciando com o dueto de Caetano Veloso e Gilberto Gil em “Chuck Berry Fields Forever” (Gilberto Gil), trocadilho com a canção dos Beatles “Strawberry Fields Forever” (John Lennon – Paul McCartney). Frenético rock, que na letra faz homenagem às raízes africanas dos músicos da América, em especial a Chuck Berry, considerado o pai do rock and roll. No verso de duplo sentido “os quatro cavaleiros do após-calipso”, lê-se uma referência aos quatro Beatles ou aos quatro bárbaros, de acordo com ângulo que se interpreta a mensagem de Gilberto Gil. Apesar de bem ritmada, a canção é daquelas de bastidores, que passa longe das paradas de sucesso, mas jamais se deixam vincar pelo tempo. “Chuck Berry Fields Forever” tem as cores e os tons dos anos setenta, mas sopra os ventos atemporais das canções. Numa primeira leitura não se lhe encontra o carisma, que nada na ironia da letra e nos trocadilhos inteligentes, prontos para serem digeridos.
“Gênesis” (Caetano Veloso), traz de volta o fôlego dos quatro baianos, com um coro luxuoso nos florões. Por quase nove minutos percorremos pela instigante cosmogonia caetaniana, numa visão flower power da origem do mundo. Através de uma rã, ou jia, vamos compondo em encaixe místico à composição do universo, no torpor de uma visão alucinógena, arrancada de experiências no mundo das visões provocadas. Longa, a canção é um dos melhores momentos do primeiro disco, senão o melhor. A mais contundente na mensagem proposta por aquele espetáculo colorido, alucinante e alucinógeno.

“Primeiro não havia nada
Nem gente, nem parafuso
O céu era então confuso
E não havia nada
Mas o espírito de tudo
Quando ainda não havia
Tomou forma de uma jia
Espírito de tudo”

A atmosfera alucinógena espalha-se e deságua nas águas da filosofia da geração do desbunde com a radical “Tarasca Guidon” (Waly Salomão). Gilberto Gil e Caetano Veloso arrastam-se no início da canção, que se debate melancólica, quase parada, até que Maria Bethânia arranca o ritmo do som dos atabaques, dando vida à monotonia da melodia. Filosofia sem objetivo e saída, o desbunde de Waly Salomão está no auge da sua criação, também a sua euforia metafísica, assinando na época como Waly Sailormoon, num jogo de palavras em inglês que define bem o sal de marinheiro com a embriaguez da lua enganadora. Por mais de sete minutos a canção atravessa diversos universos; desde os nordestinos estivadores do litoral de São Paulo, que trabalham como escravos, sonhando apenas com a volta a Santo Amaro, na Bahia, para poderem participar das festas tradicionais do lugar; às águas do Ganges, consagradas pelos hindus. Letra radical e gigantesca, mescla sons afros com afrescos do desbunde, numa mensagem ilógica, encerrando o primeiro disco do álbum.

“Trabalho o ano inteiro
Na estiva de São Paulo
Só pra passar fevereiro em Santo Amaro
Só pra passar fevereiro em Santo Amaro
Ô, diê, ô, dia
Ô, diê, ô, dia”

Momentos Esotéricos de Beleza Musical

O segundo disco traz a apoteose do show, sua veia latente e o perfil em carne viva de cada cantor. O lado um do disco dois começa com os homens, Gilberto Gil e Caetano Veloso, aquecendo a atmosfera para receberem as mulheres, em dueto na complexa “Eu e Ela Estávamos Ali Encostados na Parede” (Caetano Veloso – Gilberto Gil – José Agripino de Paula). Os compositores baianos conseguem aqui o que parecia impossível, extrair uma melodia do texto confuso de José Agripino de Paula. O “eu” do texto faz amor com “ela”, Marilyn Monroe, no livro “Panamérica”. Há uma sensualidade latente e ambígua dentro da lentidão da melodia e na complexidade do texto.
A atmosfera erótica deixada pelos homens abre caminho para as mulheres, Gal Costa e Maria Bethânia, que na apresentação do show exalam sensualidade e provocação, aqui reveladas no calor das vozes, em dueto na mítica “Esotérico” (Gilberto Gil). O ímpeto do sentimento contrapondo com o místico, divindade e humano interferindo nos mistérios da mente e do afeto. Um dos mais belos duetos feitos por Maria Bethânia e Gal Costa, algumas vezes magníficas juntas desde “Sol Negro”. A voz grave e passional de Maria Bethânia assume a chama ativa, revelando o humano, Gal Costa, voz doce e solitária, numa passividade existencial enaltece o divino. Fundidas as vozes, envolvem um comovente mundo do esoterismo das paixões, em momento de pura sedução dos contrastes dos cantos, unidos em um mesmo sentimento.

“Não adianta nem me abandonar
Porque mistérios sempre há de pintar por aí
Pessoas até muito mais vão lhe amar
Até muito mais difíceis que eu pra você
Que eu, que dois, que dez, que dez milhões, todos iguais
Até que nem tanto esotérico assim
Se eu sou algo incompreensível, meu Deus é mais”

“Eu Te Amo” (Caetano Veloso), solo de Gal Costa, atinge um dos momentos mais líricos e de êxtase do show e do disco. A cantora assumiu a canção com um vigor poucas vezes alcançado na MPB, gerando aqueles instantes únicos em que a melodia e a voz casam-se com a poesia, dando dimensão épica ao canto. “Eu Te Amo” rouba o verso “Da cor do azeviche, da jabuticaba”, de uma velha canção de Ary Barroso e Luiz Iglesias, “Boneca de Piche”. O amor tem cores e gostos, negro como azeviche e sensual como o sabor das jabuticabas, claro e dourado como a luz do sol. O lirismo da letra adquire cor na voz de Gal Costa, fazendo com que o simples atinja o sublime, as notas musicais a perfeição. A amplitude da voz alcança o ápice na última palavra de cada estrofe, desencadeando o grito da alma da cantora quando canta “eu te amo”. Momento que daria uma tese, não fosse o brilho ímpar dos outros três bárbaros.

“Eu nunca te disse
Mas agora saiba
Nunca acaba, nunca
O nosso amor
Da cor do azeviche
Da jabuticaba
E da cor da luz do sol”

O romantismo suave, estético e plural continua a fluir na faixa seguinte, “O Seu Amor” (Gilberto Gil). Canção minimalista, com os versos divididos e cantados separadamente por cada bárbaro, voltando a formar um coro nos refrões. Vai fluindo em uma construção que se eleva em degraus melódicos e de vozes. Por debaixo do romantismo minimalista, está a provocação do refrão “ame-o e deixe-o…”, numa resposta à famosa frase de propaganda do regime militar no início dos anos setenta: “Brasil, ame-o ou deixe-o”. Ao contrário da proposta repressora da ditadura, Gilberto Gil fazia um convite à liberdade de ir e de vir, ao amor livre, ao fim da paixão possessiva. Quase a brincar como em um jogral, os quatro mostram-se carismaticamente bárbaros.

“O seu amor
Ame-o e deixe-o livre para amar
Livre para amar
Livre para amar
O seu amor
Ame-o e deixe-o ir aonde quiser
Ir aonde quiser
Ir a onde quiser”

O disco dois fecha o lado um com “Quando” (Caetano Veloso – Gilberto Gil – Gal Costa), uma homenagem à tropicalista Rita Lee. Um momento raro em que Gal Costa assina a co-autoria de uma canção. Feita a seis mãos, a música é um alegre rock, em estilo de iê-iê-iê do final da década de sessenta. Assim como Gilberto Gil, em 1976 Rita Lee seria vítima da intolerância da polícia conservadora, sendo presa por porte de droga. A cantora estava grávida quando ocorreu o fato. A música é cantada por Gilberto Gil, com Gal Costa fazendo um acentuado coro. Era o reencontro dos tropicalistas, em homenagem a um dos seus ícones.

Protestos, Canções Ecológicas e Místicas

O lado dois do segundo disco era aberto com “Pé Quente, Cabeça Fria” (Gilberto Gil). Nunca o título foi tão sugestivo e premonitório quanto o desta canção, em um momento que, com a prisão de Gilberto Gil, os Doces Bárbaros viram os planos do reencontro quase que desfeitos. Talvez seja a canção que mais irritou os moralistas, pois é a mais provocativa, incitando a que se perca a calma e literalmente, que se “desça o pau” em quem se lhe atravesse o caminho. As quatro vozes cantam com vigor a provocação e, após o incidente, continuam com os oito pés muito quentes, e as cabeças frias, prontas para uma estréia gloriosa na maior casa de espetáculo da época, o Canecão do Rio de Janeiro.

“(…) Saia despreocupado
Mas cuidado por que existe o bem e o mal
Pé quente, cabeça fria, numa boa
Pe quente, cabeça fria, na maior
Pé quente, cabeça fria, na total
Saia despreocupado
Mas se alguém se fizer de engraçado, meta o pau”

“Peixe” (Caetano Veloso) deixa a provocação arrebatada da faixa anterior, para mergulhar anos luz nas águas da canção ecológica. A palavra “peixe” é pronunciada em sílabas que trazem a sensação do nado de um peixe de verdade. Os graves de Maria Bethânia fazem desse nado uma sílaba caudalosa, e Gal Costa solta os agudos de forma retumbante, cabe aos homens arrematarem as sílabas nadadoras. A canção abriria a fase de bichos musicais de Caetano Veloso, que desfilaria em 1977 com o seu zoológico intrépido com as míticas “Tigresa” e “Leãozinho”. Letra pequena, quase minúscula, de melodia crescente, quase eloqüente. Também em 1977, estrearia uma nova versão televisiva, a mais famosa, de “O Sítio do Pica-pau Amarelo”, inspirada na obra de Monteiro Lobato. “Peixe” faria parte da sua trilha sonora, conduzindo as cenas pelo Reino das Águas Claras, transformando-se de vez em hino ecológico.

“Peixe
Deixa eu te ver, peixe
Verde
Deixa eu ver o peixe
Vi o brilho verde
Peixe prata”

“Um Índio” (Caetano Veloso) traz outro momento mítico, de reflexão filosófica e existencialista, centraliza na figura de um índio, visto aqui como personagem mística, detentor dos segredos da Terra dominada pelo homem branco. É a redenção da causa indígena, que depois de exterminado, volta para descortinar os mistérios que os seus exterminadores não encontraram. Mais um momento transcendental de Caetano Veloso, revelado na voz potente da irmã Maria Bethânia, sendo acompanhada pelo coro dos outros bárbaros. Na mística caetaneana, fatos e personagens contemporâneos ressaltam com as suas qualidades a mensagem. Ouvimos assim, o nome do ator e lutador de artes marciais Bruce Lee, do boxeador Muhammad Ali, do índio Peri, e do grupo baiano de afoxé Filhos de Gandhi a exaltarem a volta do último índio.

“Virá, impávido que nem Muhammad Ali, virá que eu vi
Apaixonadamente como Peri, virá que eu vi
Tranqüilo e infalível como Bruce Lee, virá que eu vi
O axé do afoxé, filhos de Gandhi, virá”

Fechando o Ciclo Com “Nós, Por Exemplo”

O misticismo profético dá passagem para o sincretismo religioso típico da Bahia secular, refletida nos baianos bárbaros, na canção “São João, Xangô Menino” (Caetano Veloso – Gilberto Gil). Caetano Veloso registrou durante a carreira, várias marchinhas feitas para o carnaval. Aqui, em parceria com Gilberto Gil, atira-se nas tradicionais canções juninas, mesclando-a com os mitos do candomblé. A canção traz um momento leve de festa junina, com aquela pitada baiana. Há espaço ainda para as homenagens explícitas aos trabalhos musicais dos quatro na época, sendo citados os álbuns “Refazenda”, “Qualquer Coisa”, “Gal Canta Caymmi” e “Pássaro Proibido”, de Gilberto Gil, Caetano Veloso, Gal Costa e Maria Bethânia respectivamente. No meio, uma homenagem a Dominguinhos.

“Ai, Xangô, Xangô menino
Da fogueira de São João
Quero ser sempre menino, Xangô
Da fogueira de São João”

Depois de uma viagem inusitada por cada faixa, chega o momento de arrematar todo o trabalho, sintetizado nas origens com a canção “Nós, Por Exemplo” (Gilberto Gil), uma homenagem ao mítico espetáculo homônimo que uniu os Doces Bárbaros pela primeira vez em 1964, no Teatro Vila Velha, em Salvador. Aqui cada um evidencia a diferença dos seus cantos, numa unidade invisível, em contrastes literalmente doces e bárbaros. Soam como ecos de vozes, conforme diz a letra da melodia, construindo um todo que faz dos quatro apenas um, numa sutil ilusão de que são indivisíveis, quando apenas convergiram os seus estilos.
E o disco é fechado como começou, com “O Mais Doces Bárbaros”, aqui em uma faixa de pouco mais de um minuto. Estava selado o manifesto dos Doces Bárbaros, o maior desde o manifesto tropicalista. Alguns bons momentos do show não entraram no álbum, como “As Ayabás” (Caetano Veloso – Gilberto Gil). Em faixas sujas, estava registrado o encontro histórico de quatro dos maiores cantores e autores daquela geração: Gal Costa, Maria Bethânia, Gilberto Gil e Caetano Veloso. Seus nomes dispensam qualquer apresentação formal ou crítica.
Um longo tempo decorreu até que os Doces Bárbaros voltassem a promover um reencontro no palco. Convites não faltaram, mas, a partir de 1976, cada um seguiu carreiras que se tornaram cada vez mais visíveis e de grande projeção. O tradicional Festival de Montreux sugeriu um reencontro, mas não se convergiu um projeto. Em 1994, aconteceu o esperado reencontro, numa homenagem que os quatro fizeram à Estação Primeira de Mangueira, escola de samba carioca. Trouxeram um repertório diferente de 1976, com sambas tradicionais da MPB. Estavam todos no auge da técnica vocal, numa apresentação espetacular. Infelizmente não houve interesse em lançar o reencontro em álbum ou em DVD, apesar do material que se tem, e da beleza do reencontro. A escola de samba carioca retribuiu a homenagem, fazendo dos Doces Bárbaros o tema do samba-enredo daquele ano. Também em 1994, o grupo fez uma apresentação no Royal Albert Hall, em Londres.
Em 2002, os Doces Bárbaros voltaram aos palcos, em uma apresentação para mais de cem mil pessoas na Praia de Copacabana, no Rio de Janeiro. O evento e os seus bastidores foram registrados no DVD “Outros Doces Bárbaros”, do diretor Andrucha Waddington, que apesar da qualidade técnica, não conseguiu captar a essência que Jom Tob Azulay registrou em 1976. Tão pouco os Doces Bárbaros, surpreenderam, repetindo o repertório do show original, sem lhe acrescentar uma gota da longa trajetória que caminharam quase três décadas depois. Um presente para os fãs, uma decepção para a história brilhante do grupo.

Ficha Técnica:

Doces Bárbaros
Philips
1976

Direção Geral: Caetano Veloso
Direção Musical: Gilberto Gil
Direção de Produção: Gapa e Perinho Albuquerque
Técnico em Gravação e Mixagem: Ary Carvalhaes
Assistente: Rafael Isaak
Técnico em Manutenção: Ivan A. Lisnik
Corte: Luigi Hoffer
Capa: Aldo Luiz e Flávio Império
Fotos: Frederico Confalonieri
Ilustração: Jorge Vianna
Gravado ao Vivo

Músicos Participantes:

Piano: Tomás Improta
Baixo: Arnaldo Brandão
Guitarra: Perinho Santana
Bateria: Chiquinho Azevedo
Flauta: Tuzé Abreu e Mauro Senise
Saxofone: Mauro Senise
Percussão: Djalma Corrêa

Doces Bárbaros:
Gal Costa – Vocal
Caetano Veloso – Vocal
Gilberto Gil – Vocal
Maria Bethânia – Vocal

Faixas:

Disco 1:

1 Os Mais Doces Bárbaros (Caetano Veloso)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
2 Fé Cega, Faca Amolada (Milton Nascimento – Ronaldo Bastos)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
3 Atiraste Uma Pedra (Herivelto Martins – David Nasser)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
4 Pássaro Proibido (Caetano Veloso – Maria Bethânia)
Interpretação: Caetano Veloso
5 Chuck Berry Fields Forever (Gilberto Gil)
Interpretação: Caetano Veloso e Gilberto Gil
6 Gênesis (Caetano Veloso)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
7 Tarasca Guidon (Waly Salomão)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil

Disco 2:

1 Eu e Ela Estávamos Ali Encostados na Parede (Caetano Veloso – Gilberto Gil – José Agripino de Paula)
Interpretação: Caetano Veloso e Gilberto Gil
2 Esotérico (Gilberto Gil)
Interpretação: Gal Costa e Maria Bethânia
3 Eu Te Amo (Caetano Veloso)
Interpretação: Gal Costa
4 O Seu Amor (Gilberto Gil)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
5 Quando (Caetano Veloso – Gilberto Gil – Gal Costa)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
6 Pé Quente, Cabeça Fria (Gilberto Gil)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
7 Peixe (Caetano Veloso)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
8 Um Índio (Caetano Veloso)
Interpretação: Maria Bethânia
9 São João, Xangô Menino (Caetano Veloso – Gilberto Gil)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
10 Nós, Por Exemplo (Gilberto Gil)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil
11 Os Mais Doces Bárbaros (Caetano Veloso)
Interpretação: Gal Costa, Maria Bethânia, Caetano Veloso e Gilberto Gil

IVANI RIBEIRO – A GRANDE DAMA DAS TELENOVELAS

Ivani Ribeiro é, ao lado de Janete Clair, considerada a maior autora da história das telenovelas do Brasil. Sua obra coincide com o início das telenovelas diárias no país, em 1963. Passou pelos dramalhões de época, sem as excentricidades de Glória Magadan, deixando a adaptação de grandes clássicos da literatura brasileira, como “A Muralha”, de Dináh Silveira de Queiroz, e “As Minas de Prata”, de José de Alencar, em momentos primorosos.
Ivani Ribeiro, assim como Janete Clair, destaca a sua obra no campo da teledramaturgia, tendo contribuído para que o gênero da telenovela evoluísse, tornando-se o principal veículo de comunicação da televisão brasileira. Esteve no ar por mais de três décadas, tendo nos anos 1960, escrito treze novelas ininterruptamente, numa produção de cerca de 1600 capítulos, de sucesso garantido. Foi a primeira das grandes autoras a encontrar a linguagem necessária para a evolução do gênero. Enquanto Glória Magadan perdia-se com os absurdos dos dramalhões e Janete Clair ainda tateava o estilo que a deixaria famosa, Ivani Ribeiro evoluía com as necessidades de um público incipiente, cada vez mais exigente, e mais apaixonado pela televisão.
Sua obra revelou para o Brasil grandes ícones da teledramaturgia, como Regina Duarte, transformou atores em grandes estrelas da pequena tela, como Eva Wilma, Carlos Zara, Tarcísio Meira, Glória Menezes, Carlos Augusto Strazzer, Rosamaria Murtinho, Antonio Fagundes. Na década de 1970, quando a TV Globo tomou a liderança da audiência na televisão brasileira, Ivani Ribeiro garantiu a sobrevivência da então agonizante TV Tupi. Suas novelas competiram diretamente com as de Janete Clair, ameaçando, por várias vezes, a hegemonia da audiência global.
Passou pela TV Excelsior, sendo responsável pela maioria dos seus grandes sucessos. Atingiu sua maturidade como autora de telenovelas na TV Tupi, seguiu para a TV Bandeirantes, chegando à TV Globo, em 1982, onde esteve até a sua morte, em 1995. Na emissora de Roberto Marinho jamais teve o estatuto de grande dama, nunca escrevendo para o horário nobre, apesar de produzir grandes sucessos como as segundas versões de “Mulheres de Areia” e “A Viagem”.
Ivani Ribeiro era extremamente inquieta nos temas que abordava nas suas novelas, ousando escrever sobre os mais diversos. Escreveu sobre psicanálise, temas espirituais, ficção científica, teatro mambembe, dramas épicos, comédias. Deu grande destaque à paranormalidade, personagens com deficiências físicas, tratando-os com uma delicadeza emocionante.
Ivani Ribeiro deixou uma das mais belas obras da teledramaturgia brasileira, legando para as novas gerações de telespectadores, a garantia da qualidade no produto final do drama contado em capítulos. Seu nome é sinônimo da história bem acabada de um gênero que em pleno século XXI, parece ainda inesgotável.

Atriz, Cantora e Autora de Novelas do Rádio

Cleide de Freitas Alves Ferreira, entraria para a história da televisão brasileira com o nome artístico de Ivani Ribeiro. Nasceu no litoral paulista, na cidade histórica de São Vicente, em 20 de fevereiro, o ano diverge conforme seus biógrafos, sendo apontados por alguns em 1916, por outros em 1922.
Formada como normalista em Santos, Ivani Ribeiro deixou a baixada santista aos 16 anos, seguindo para São Paulo na intenção de cursar a faculdade de Filosofia. Na capital paulista tornar-se-ia cantora, compositora de sambas, atriz de rádio e autora de programas de variedades. Sua estréia como artista deu-se na Rádio Educadora, onde se apresentou como intérprete de sambas e canções folclóricas.
Na época em que o rádio era o principal veículo de comunicação no Brasil, Ivani Ribeiro alcançou relativo sucesso através de programas de sua autoria, como “Teatrinho de Dona Chiquinha” e “Hora Infantil”. Como atriz, interpretou “As Mais Belas Cartas de Amor”, de sua autoria. Passou pela Rádio Difusora, apresentando-se como cantora acompanhada de uma orquestra. Na ocasião, casou-se com o premiado radialista Dárcio Ferreira, com quem teria dois filhos, Luís Carlos e Eduardo.
Foi na Rádio Bandeirantes que, além de atuar como atriz, passou a adaptar peças, apresentando programas como “Teatro Romântico”, inspirado em poemas clássicos da literatura brasileira; “Os Grandes Amores da História”, dramatização da vida amorosa de vultos da história; e, “A Canção Que Viveu”, dramatização da música brasileira. Ivani Ribeiro tornou-se um grande nome do rádio, sendo a primeira mulher brasileira a ter um programa de teatro naquele veículo de comunicação.

As Primeiras Novelas na TV Excelsior e na TV Tupi

Com a inauguração da televisão no Brasil, em 1950, autores, diretores e atores, grandes nomes da rádio, migraram para o novo veículo. Seria na televisão que Ivani Ribeiro alcançaria fama como escritora de telenovelas, realizando grandes sucessos.
Foi na TV Tupi, a primeira emissora de televisão brasileira, que, em 1952, escreveu a série “Os Eternos Apaixonados”. Naquela década, dividiu-se entre as novelas escritas para o rádio, e algumas para a televisão. Na época, as telenovelas não eram apresentadas diariamente, não tendo horário definido e continuidade programada. Muitas delas eram encenadas ao vivo, dependendo das condições e improvisos que se lhe punham à frente.
Em 1963, a TV Excelsior produziu “2-5499 Ocupado”, de Dulce Santucci, considerada a primeira novela diária da televisão brasileira, mãe do gênero atual. A emissora paulista criava assim, a continuidade, fazendo com que o telespectador voltasse no dia seguinte, no mesmo horário, tornando-se fiel à programação. Ivani Ribeiro escreveria a terceira novela diária da televisão, “Corações em Conflito”, adaptada do rádio, contando a história de um viúvo e os seus problemas ao realizar o seu segundo casamento. A novela, protagonizada por Carlos Zara, foi ao ar de dezembro de 1963 a fevereiro de 1964. Tinha ainda no elenco Flora Geny, Mauro Mendonça, Márcia Real e Edmundo Lopes.
No ano seguinte, a autora escreveria simultaneamente para a TV Excelsior e para a TV Tupi. Em fevereiro, foi ao ar a primeira novela diária da TV Tupi “Alma Cigana”, protagonizada por Ana Rosa, em papel duplo. A novela tornou-se um sucesso, revelando um novo galã, Amilton Fernandes. Em 1971, a TV Tupi reeditaria a novela com o nome de “A Selvagem”, tendo novamente Ana Rosa como protagonista. “Alma Cigana” dava mostras de que a telenovela diária viria para ficar.
As primeiras novelas tinham poucos capítulos, não se estendendo por mais de dois meses. Ainda em 1964, Ivani Ribeiro escreveria em simultâneo, “A Gata” e “Se o Mar Contasse”, para a TV Tupi; e, “Ambição” e “A Moça Que Veio de Longe”, para a TV Excelsior.
Foi a partir de “A Moça Que Veio de Longe”, que se conseguiu um grande sucesso entre o público e as telenovelas. A atriz Rosamaria Murtinho marcava de forma triunfante a sua estréia na televisão. Sua personagem Maria Aparecida, conseguiu grande empatia com os telespectadores. Na época as novelas eram adaptações de textos de autores latino-americanos. “A Moça Que Veio de Longe” não fugia à regra. Ivani Ribeiro transgrediu o texto original argentino, adaptando-o para a realidade brasileira, criando novas personagens e mudando o desfecho. Com isto, tornou-se a maior autora de teledramaturgia da época. A novela criaria um novo galã, Hélio Souto.
Ainda em 1964, Ivani Ribeiro escreveu um outro sucesso de público, “A Outra Face de Anita”, protagonizada por Flora Geny. Na novela, ela inseria pela primeira, um ícone das suas obras, o deficiente físico, aqui na figura de Vítor, um débil mental. A personagem, vivida por Bentinho, atingiu grande popularidade.
A partir de 1965, Ivani Ribeiro tornou-se autora exclusiva da TV Record, contribuindo para que a emissora se tornasse a maior produtora de telenovelas de qualidade daquela década. Seguiu-se “Onde Nasce A Ilusão”, que trazia o universo circense para a televisão; com uma produção milionária para a época, tendo em seu elenco Carlos Zara, Maria Helena Dias, Renato Máster, Célia Coutinho, Edmundo Lopes, Glauce Graieb e Bentinho.
“A Indomável”, foi escrita em forma de comédia. Adaptação da peça “A Megera Domada”, de William Shakespeare, tinha a sua trama transportada para a São Paulo da década de 1920. Edson França e Aracy Cardoso viviam os míticos Petruchio e Catarina. A novela ganharia duas versões, “O Machão”, em 1974, e “O Cravo e a Rosa”, em 2000. O elenco contava ainda com David Neto, Nívea Maria, Fúlvio Stefanini, Edgard Franco, Yara Lins e Maria Aparecida Baxter, entre outros.
“Vidas Cruzadas” trazia Carlos Zara em papel duplo, interpretando o marginal Henrique Varela, procurado pela polícia, e o do seu sósia Bruno Vieira, morto em um acidente. Henrique assume a identidade do morto, indo morar na sua casa. No elenco Irina Grecco, Márcia Real, Geraldo Del Rey, Célia Coutinho e Riva Nimitz.

Os Grandes Épicos da TV Excelsior

Em julho de 1965, Ivani Ribeiro escrevia aquela que seria a primeira superprodução da telenovela brasileira, “A Deusa Vencida”. A partir de então, os capítulos e as personagens das tramas aumentaram substancialmente. Mais longas, as novelas passaram a ter cuidados mais primorosos. “A Deusa Vencida” teve, entre outras curiosidades, trilha sonora própria, transformando-se em um romance. A história passava-se na São Paulo do fim do século XIX, relatando os desencontros amorosos entre a bela Cecília (Glória Menezes) e o jovem Edmundo Amarante (Tarcísio Meira). Diante da ruína da fortuna da família de Cecília, os jovens são separados por imposição dos pais. Cecília, para salvar a família da ruína, casa-se com Fernando Albuquerque (Edson França). Edmundo casa-se, por piedade, com Malu (Regina Duarte), jovem condenada por uma doença incurável. Durante toda a trama, cartas misteriosas geram intrigas e suspense. A autoria das cartas só é revelada no fim da novela, era a frágil Malu. O elenco era primoroso. Além do casal Glória Menezes e Tarcísio Meira, contava com Edson França, Altair Lima, Ivan Mesquita, Karin Rodrigues, Ruth de Souza, Rachel Martins, e marcava a estréia de uma jovem atriz, Regina Duarte, que conquistaria o país com o seu ar angelical e voz doce.
“A Grande Viagem” trazia um grupo de pessoas que viajava em um navio luxuoso, do nordeste em direção ao sul. O navio era tomado pelo náufrago Pardini, sendo desviado para uma ilha, onde estava escondida uma fortuna. Seguindo a linha de suspense policial, trazia um grande mistério a ser desvendado, a identidade do cúmplice de Pardini. A imprensa da época revelou o mistério. Ivani Ribeiro escreveu um novo final, gravado apenas no dia em que foi ao ar. Henrique César viveu com sucesso o frio Pardini. Ainda no elenco Regina Duarte, Flora Geny, Mirian Mehler, Daniel Filho, Fúlvio Stefanini, Altair Lima, Márcia Real, Rodolfo Mayer, Mauro Mendonça, Bentinho, Riva Nimitz, Tony Vieira e a presença rara do grande ator do teatro brasileiro, Procópio Ferreira, em uma participação especial.
Em 1966, três novelas de Ivani Ribeiro iriam ao ar pela TV Excelsior: “Almas de Pedra”, “Anjo Marcado” e “As Minas de Prata”. A primeira era a adaptação da obra de Xavier de Montepin, transposta para a realidade brasileira do final do século XIX. De forma sutil, a novela questionava a opressão feminina da sua época. Glória Menezes, a protagonista, passava-se por homem, disfarçando-se com barba. No elenco Tarcísio Meira, Francisco Cuoco, Armando Bógus, Suzana Vieira, Íris Bruzzi, Silvana Lopes, Ivan Mesquita e Carminha Brandão.
“Anjo Marcado” inovava na narrativa, sendo contada em flashback a partir do misterioso desaparecimento de Valquíria, protagonista interpretada por Karin Rodrigues. A novela consolidava a carreira de Regina Duarte, que atingia grande popularidade em todo o Brasil. Também criava um novo galã, Paulo Goulart. No elenco Geraldo Del Rey, Maria Izabel de Lizandra, Lolita Rodrigues, Carminha Brandão, Elizabeth Gasper, Otávio Augusto, Lurdinha Félix e Paulo Figueiredo.
“As Minas de Prata”, foi até então, a novela mais longa de Ivani Ribeiro, indo ao ar de novembro de 1966 a julho de 1967. Inspirada no romance homônimo de José de Alencar, foi outra grande produção da TV Excelsior, sendo uma das mais luxuosas da década. A cidade de Salvador do século XVII foi recriada cenograficamente no sítio Alvarenga, em São Bernardo do Campo. Durante a novela, Glória Menezes, que interpretava Zana, foi substituída por Lídia Costa. Regina Duarte e Fúlvio Stefanini eram os protagonistas. No elenco Armando Bógus, Paulo Goulart, Carlos Zara, Arlete Montenegro, Renato Máster, Suzana Vieira, Ivan Mesquita, Sonia Oiticica, Maria Izabel de Lizandra, Stênio Garcia, Henrique César, David Neto, Procópio Ferreira, Silvana Lopes e Riva Nimitz. A novela inspirou “A Padroeira”, em 2001, na TV Globo.
Do épico para o suspense, a criatividade de Ivani Ribeiro não cessava. Sem pausa, escreveu “Os Fantoches”, inspirada no livro “O Caso dos Dez Negrinhos”, de Agatha Christie. A trama acontecia, quase que toda, dentro de um hotel de luxo, com um clima de suspense que atingiu o auge até o último capítulo. A pedido da emissora, a imprensa da época não revelou o autor das cartas anônimas, mantendo o total suspense até o fim. No elenco Átila Iório, Flora Geny, Regina Duarte, Paulo Goulart, Nicette Bruno, Dina Sfat, Stênio Garcia, Ivan de Albuquerque, Márcia de Windsor, Elizabeth Gasper, Yara Lins, Vera Nunes, Lídia Costa, Mauro Mendonça, Renato Máster, Edgard Franco, Sílvio Rocha e Rogério Márcico entre outros.
“O Terceiro Pecado”, de 1968, marcava a estréia de Ivani Ribeiro no mundo do sobrenatural, o que seria uma constante em sua obra, a partir de então. O Anjo da Morte enviava para a Terra um mensageiro, Alexandre, para buscar a jovem Carolina. Alexandre apaixona-se pela jovem, e pede para a Morte que troque Carolina pela irmã dela, a perversa Ruth. A Morte não concorda, mas concede uma nova oportunidade a Carolina, ela poderá cometer apenas dois pecados, o terceiro causará a sua morte. Regina Duarte, mais uma vez, conquistaria o público, vivendo a doce Carolina. Nathália Timberg destacou-se no papel da Morte, e Gianfrancesco Guarnieri como o emissário Alexandre. No elenco Maria Izabel de Lizandra, Paulo Goulart, Stênio Garcia, Lílian Lemmertz, Carminha Brandão, Edgard Franco, Yara Lins, Lélia Abramo e Silvio Rocha. Em 1989, a novela ganharia uma nova versão com o título de “O Sexo dos Anjos”.
Em 1968, outro grande épico da televisão brasileira era produzido, “A Muralha”, baseada no romance de Dináh Silveira de Queiroz. Ivani Ribeiro já tinha adaptado a história duas vezes, para a TV Record, que foi ao ar em 1954 e 1958, respectivamente. A TV Excelsior finalmente produziu a novela com o esmero que o texto exigia. A muralha era a serra como obstáculo aos bandeirantes paulistas, que sonhavam em deixar o litoral e conquistar o interior do Brasil colônia do século XVI. Através da família de Dom Braz Olinto, personagens desencadeavam os acontecimentos épicos que levaram à Guerra dos Emboabas. Era a história do Brasil contada com sofisticada produção, sem perder a sua veia novelística. Uma das produções mais caras da década de 1960, contou com um elenco primoroso, em interpretações antológicas, com cenas belíssimas em tomadas externas. Mauro Mendonça e Fernanda Montenegro protagonizavam a trama, que tinha em seu elenco Rosamaria Murtinho, Gianfrancesco Guarnieri, Nathália Timberg, Arlete Montenegro, Edgard Franco, Nicette Bruno, Paulo Goulart, Maria Izabel de Lizandra, Stênio Garcia, Serafim Gonzalez, Cleyde Blota, Carlos Zara, Cláudio Correa e Castro, Paulo Celestino e Sílvio de Abreu. “A Muralha” foi uma das mais bem acabadas produções da TV Excelsior, numa qualidade de texto que se distanciava anos luz dos dramalhões que Gloria Magadan escrevia na época para a TV Globo. Em 2000, a história foi reeditada, tendo Mauro Mendonça no mesmo papel que vivera em 1968.
Em 1969, em plena época da chegada do homem na Lua, do sucesso de filmes como “2001, Uma Odisséia no Espaço”, foi inevitável que Ivani Ribeiro abordasse o tema. Surgiu “Os Estranhos”, uma novela de ficção científica, que se passava na ilha de um escritor, personagem vivido por Pelé. A ilha era visitada por extraterrestres, homens e mulheres de cor amarela e de rostos brilhantes. Apesar de fugir da realidade das novelas, a trama foi tecnicamente bem feita. Regina Duarte, Rosamaria Murtinho e Cláudio Corrêa e Castro eram os visitantes de outros planetas. Ainda no elenco Carlos Zara, Gianfrancesco Guarnieri, Átila Iório, Vida Alves, Stênio Garcia, Márcia de Windsor, Márcia Real, Serafim Gonzalez, Lídia Costa, Vera Nunes, Osmar Prado, Cleyde Blota, Roberto Maya, Lucy Meirelles e Silvio de Abreu.
Em 1969 a TV Excelsior era abatida por uma grave crise financeira, que resultaria no seu encerramento em 1970. Na fase final da emissora, Ivani Ribeiro escreveu duas tramas ao mesmo tempo, “A Menina do Veleiro Azul”, desenvolvida com o auxílio do marido Dárcio Ferreira e Teixeira Filho, que ia ao ar às 18h00 e 19h00; e, “Dez Vidas”, no ar às 19h30 e 20h00.
Com a crise que assolava a emissora, “A Menina do Veleiro Azul” teve o seu elenco escalado para duas novelas em simultâneo. Contava a história de Glorinha, em duas fases, vivida por Ana Maria Blota na infância, e por Maria Izabel de Lizandra na fase adulta. No elenco Edson França, Henrique Martins, Cleyde Yáconis, Cláudio Corrêa e Castro, Flora Geny, Lílian Lemmertz, Leila Diniz, Newton Prado, Arlete Montenegro, Márcia de Windsor, Cacilda Lanuza, Castro Gonzaga, Ronnie Von, Vera Nunes, João José Pompeu, Edmundo Lopes, Nádia Lippi, Lídia Costa, Serafim Gonzalez e Silvia Leblon. A trama marcava a estréia discreta da atriz Sonia Braga nas telenovelas.
“Dez Vidas” foi a última tentativa da TV Excelsior em realizar uma grande produção. Novamente Ivani Ribeiro trazia a história do Brasil para os folhetins televisivos, desta vez contando a história da Inconfidência Mineira, tendo como espinha dorsal o herói Tiradentes, e o triângulo amoroso entre Marília, Dirceu e Carlota. Além dos problemas financeiros pelo qual passava a emissora, a trama teve problemas com a censura militar, que considerava a história de Tiradentes subversiva. A novela teve que mudar de horário e sofreu vários cortes impostos pelos censores. Regina Duarte, que vivia a personagem Pompom, descontente com os salários em atraso, deixou a novela logo no início, indo para a TV Globo, onde se tornaria a Namoradinha do Brasil. Leila Diniz substituiu a atriz. Diante da crise, os atores foram abandonando, aos poucos, a trama, mergulhando-a em um retumbante fracasso. Reza nos bastidores que no final, apenas cinco atores permaneceram no elenco. A TV Excelsior fechava, em 1970, as suas portas, “Dez Vidas” foi a última trama de Ivani Ribeiro naquela emissora. Deixava para trás épicos que ficaram para sempre na história das telenovelas.

De Volta à TV Tupi

Com o fim da TV Excelsior, a TV Globo demitiu Gloria Magadan, reformulou a linguagem das suas novelas, trouxe para o seu elenco os grandes nomes da emissora falida, transformando-se em uma potente produtora de telenovelas. Na nova fase da emissora carioca, Janete Clair firmava-se como grande novelista, conquistando o Brasil com as suas tramas movimentadas.
No mesmo período, Ivani Ribeiro transferiu-se para a TV Tupi, onde iria alcançar uma carreira excepcional. Sua primeira novela na emissora foi “As Bruxas”, em 1970. Mais uma vez a autora inovava no tema, trazendo a psicanálise como pano de fundo da sua trama. Separação de casais, adultério, a mente povoada de “bruxas”, provocando o medo, a angústia. A estréia da autora na TV Tupi bateu de frente com “Irmãos Coragem”, concorrente da TV Globo. A temática sofreu cortes da censura e foi obrigada a ser transmitida mais tarde. No elenco Nathália Timberg, Carlos Zara, Maria Izabel de Lizandra, Lima Duarte, Walter Forster, Cláudio Corrêa e Castro, Walmor Chagas, Débora Duarte, Maria Della Costa, Joana Fomm, Odete Lara, Tony Ramos, Aracy Cardoso, Denis Carvalho, Ivan Mesquita, Lélia Abramo, José Parisi, Patrícia Mayo, Kate Hansen, Juan de Bourbon e Zanoni Ferrite.
No fim de 1970, escreveu “O Meu Pé de Laranja Lima”, baseada na obra homônima de José Mauro de Vasconcelos. História leve e bem conduzida, alcançou um sucesso relativo. Marcava a estréia da atriz Eva Wilma nas tramas de Ivani Ribeiro, parceria que iria render grandes momentos. Ainda no elenco, Haroldo Botta a fazer o menino Zezé, Cláudio Corrêa e Castro, Carlos Zara, Bete Mendes, Gianfrancesco Guarnieri, Lélia Abramo, Silvio Rocha, Denis Carvalho, Nicette Bruno, Fausto Rocha, Annamaria Dias, Henrique Martins e Abrahão Farc.
Em 1971, “Alma Cigana” seria reeditava pela TV Tupi, com o nome de “A Selvagem”. A história foi reeditada para que se firmasse o plágio que Janete Clair foi acusada em “Irmãos Coragem”, com personagem de Glória Menezes a viver personalidades duplas, semelhante a que Ana Rosa tinha vivido em “Alma Cigana”. Sob o argumento de Ivani Ribeiro, a trama foi escrita por Geraldo Vietri e Gian Carlo.
“Nossa Filha Gabriela”, tendo Eva Wilma como protagonista, trazia o teatro mambembe de Giuliano (Gianfrancesco Guarnieri). Gabriela, a estrela da companhia, voltava a uma pacata cidade, terra natal da sua mãe. Ali conheceria três simpáticos velhinhos, Candinho (Ivan Mesquita), Romeu (Abrahão Farc) e Napoleão (Cláudio Correa e Castro). No passado, eles tinham se casado com três irmãs gêmeas, sendo uma delas a mãe de Gabriela. O mistério da trama persiste em se descobrir quem seria o pai de Gabriela. No elenco Karin Rodrigues, Ana Rosa, Bete Mendes, Denis Carvalho, Lélia Abramo, Fausto Rocha e Carlos Zara.
Em 1972, Ivani Ribeiro, estreava simultaneamente “O Leopardo”, sob o pseudônimo de Arthur Amorim, para a TV Record, e, “Camomila e Bem-Me-Quer”, para a TV Tupi. “O Leopardo” tinha o texto escrito pelo marido da autora, Dárcio Ferreira e supervisionado por ela. Foi uma tentativa frustrada da TV Record entrar no mercado das telenovelas, tentativa iniciada com “As Pupilas do Senhor Reitor”, em 1970. No elenco Altair Lima, Maria Estela, Rodolfo Mayer, Laura Cardoso, David Neto, Jonas Mello, Silvana Lopes e Márcia Real.
”Camomila e Bem-Me-Quer”, trama leve e bem alinhavada, contava a história de Tio Romão (Cláudio Corrêa e Castro), que com o seu chá levava amor e esperança às pessoas. Paralelo, a história adaptava a peça “O Avarento”, de Molière, com Gianfrancesco Guarnieri a fazer o avarento Olegário. No elenco Nicette Bruno, Juca de Oliveira, Maria Izabel de Lizandra, Marcelo Picchi, Tereza Teller, Geraldo Del Rey, Riva Nimitz, Serafim Gonzalez, Liza Vieira, Karin Rodrigues, Aldo César, Edwin Luísi, Carminha Brandão, Silvio Rocha, Jacyra Sampaio e Léa Camargo. Com esta novela agradável e de relativo sucesso, a autora encerrava a fase de estilo leve e bem-sucedida na TV Tupi.

Momentos Antológicos na Teledramaturgia da TV Tupi

Em 1973, Ivani Ribeiro voltaria ao horário nobre da TV Tupi, transformando-o em um forte concorrente da inatingível TV Globo. Revelaria a partir de então uma autora amadurecida e incansável em abordar diversos temas em suas tramas.
A mudança viria com “Mulheres de Areia”, adaptação de uma antiga radionovela da autora, “As Noivas Morrem no Ar”. Contava a história das irmãs gêmeas Ruth e Raquel, que disputavam o amor de Marcos. Eva Wilma interpretou com glamour as gêmeas antagônicas. A partir de então, a atriz foi promovida à primeira estrela da TV Tupi. A novela alcançou um grande sucesso, ameaçando a hegemonia da audiência da TV Globo, que exibia na época a fraca “Cavalo de Aço”. A química entre Eva Wilma e Carlos Zara foi instantânea, transformando-os no par romântico da emissora paulista, competindo com o casal Tarcísio Meira e Glória Menezes da TV Globo. Gianfrancesco Guarnieri comoveu o Brasil interpretando o doente mental Tonho da Lua. Apaixonado por Ruth, o jovem esculpia mulheres na areia das praias de Itanhaém. As esculturas eram feitas por Serafim Gonzalez, que participava da trama como ator. O sucesso respingou não só nos protagonistas, como nos coadjuvantes, entre eles o casal Malu e Alaôr, vividos por Maria Izabel de Lizandra e Antonio Fagundes, respectivamente. “Mulheres de Areia” entrou para a história como uma das telenovelas mais bem-sucedidas, tendo uma segunda versão, em 1993. No elenco Cláudio Corrêa e Castro, Cleyde Yáconis, Lucy Meirelles, Rolando Boldrin, Márcia Maria, Ana Rosa, Maria Estela, Silvio Rocha, Edgard Franco, Henrique Martins e Ivan Mesquita, entre muitos.
Em 1974, a TV Tupi reeditaria “A Indomável”, com o nome de “O Machão”, escrita por Sérgio Jockyman. O sucesso de Antonio Fagundes e Maria Izabel de Lizandra como par romântico em “Mulheres de Areia”, habilitou os dois a protagonizarem a novela, outro grande sucesso da TV Tupi.
“Os Inocentes”, adaptação da peça “A Volta da Velha Senhora”, de Durrenmatt, contava a história de Maria Alice (Karin Rodrigues), que quando ficara viúva, fora assediada pelos homens da sua cidade. Ao recusar o assédio, foi difamada e expulsa do lugar, com a sua filha, a pequena Juliana. Apedrejada, Maria Alice ficara cega de um olho. Já adulta e rica, Juliana, interpretada por Cleyde Yáconis, volta à pequena cidade para vingar a mãe. A vingança estender-se-ia não só aos que ultrajaram a sua mãe, como também aos seus descendentes, chamados de inocentes. Ao longo da trama, a autora deixou o roteiro nas mãos do marido, Dárcio Campos, para escrever “A Barba Azul”. “Os Inocentes”, inicialmente feita em preto e branco, passou a ser transmitida, a partir de julho de 1974, em cores. No elenco Rolando Boldrin, Cláudio Corrêa e Castro, Luís Gustavo, Ana Rosa, Maria Estela, Adriano Reys, Tony Ramos, Elaine Cristina, Márcia Maria, Laura Cardoso, Jonas Mello, Serafim Gonzalez, Silvio Rocha e Paulo Figueiredo.
“A Barba Azul” marcou a volta da autora ao horário das 19h00. Trazia o casal Eva Wilma e Carlos Zara como protagonistas. Mais uma vez, a química entre os autores colaborou para o sucesso da trama. Mais tarde, os atores tornar-se-iam marido e mulher na vida real. Contava a história de Jô Penteado, mulher que ficara noiva sete vezes, por isto chamada de Barba Azul. Geniosa e mimada, ela embarca em uma excursão escolar à Angra dos Reis, promovida pelo tranqüilo professor Fábio. O barco desvia do seu caminho, indo parar em uma ilha distante. A tripulação é dada como morta. Na ilha Jô e Fábio brigam como cão e gato, iniciando um tumultuado e imprevisível romance. A novela foi um sucesso, tendo direito a uma segunda versão, em 1985, com o nome de “A Gata Comeu”.
Em 1975, Ivani Ribeiro mergulhou no mundo do espiritismo como temática de novela, o resultado foi a bem-sucedida “A Viagem”. Estreada em horário nobre, mostrava a vida após a morte. A história da ciumenta Diná (Eva Wilma), casada com um homem mais jovem, Teo (Tony Ramos). Possessiva, ela destrói o casamento aos poucos. No meio da trama, perde o irmão Alexandre (Ewerton de Castro), que se suicida na prisão. Alexandre vaga como espírito, atormentando aqueles que lhe prejudicou em vida, vingando-se de cada um deles. Entre os que sofrem com o espírito de Alexandre está César Jordão (Altair Lima), advogado que lhe movera o processo. César e Diná apaixonam-se, mas o amor entre os dois é interrompido pela morte do advogado. César volta como espírito para ajudar os filhos, atormentados por Alexandre. No fim da trama, Diná também morre, encontrando-se com César no vale dos espíritos. Complexa, a trama alcançou sucesso de público, sendo transformada em livro. Contava com um elenco luxuoso, além dos citados: Irene Ravache, Elaine Cristina, Cláudio Corrêa e Castro, Rolando Boldrin, Joana Fomm, Adriano Reys, Ana Rosa, Carlos Alberto Riccelli, Carmem Silva, Lúcia Lambertini, Carminha Brandão, Abrahão Farc, Serafim Gonzalez, Yolanda Cardoso, Antonio Pitanga, Ricardo Blat, Suzy Camacho, Neuza Borges, Márcia Maria e Haroldo Botta.

A Última Fase na TV Tupi

Em 1976 Silvio Santos ganhou a concessão de um canal de televisão, a TVS, canal 11, com transmissão apenas para o Rio de Janeiro. O empresário decidiu investir na teledramaturgia, contratando, naquele ano, Ivani Ribeiro. A autora escreveu para a TVS a novela “O Espantalho”. A trama, ambientada em uma pequena cidade litorânea, retratava a luta do prefeito Breno contra o vice-prefeito Rafael, o primeiro tenta preservar as praias da cidade contra a poluição, o segundo, dono do maior hotel do lugar, quer trazer o maior número de turistas, sem se importar com o meio ambiente. Rafael espalha espantalhos pelas praias que Breno interditara, acusando-o de impedir o desenvolvimento da cidade. Ardilosamente, Rafael consegue a renúncia de Breno, assumindo a prefeitura. Como prefeito, ele passa a transmitir desequilíbrio mental, processo desencadeado por um aneurisma cerebral. Nos seus delírios, ele se vê perseguido por espantalhos. Acaba assassinado em uma praia. “O Espantalho” contou com um elenco luxuoso, vindo da TV Globo e da TV Tupi. Jardel Filho protagonizou a trama, tendo ao seu lado Nathália Timberg, Rolando Boldrin, Theresa Amayo, Fábio Cardoso, Hélio Souto, Ester Góes, Eduardo Tornaghi, Carlos Alberto Riccelli, Carmen Monegal, Newton Prado, Walter Stuart, Wanda Kosmo, Percy Aires, Roberto Maya, Reny de Oliveira, Léa Camargo e vários outros. A novela foi lançada em janeiro de 1977, pela TV Record e suas afiliadas, onde Silvio Santos era, na época, acionista. Só estreou no Rio de Janeiro em Junho, através da TVS. Apesar de ter um bom texto e um elenco primoroso, uma produção apurada, a dificuldade em lançar a novela no mercado contribuiu para o seu fracasso de público. A produção passou despercebida em várias partes do Brasil.
Com o fracasso de “O Espantalho”, Silvio Santos desistiu de investir nas telenovelas. Ivani Ribeiro estava presa à TVS por um contrato de quatro anos. Em 1977, Silvio Santos pôs a autora à disposição da TV Tupi, desde que a emissora pagasse o seu salário. A volta à TV Tupi foi triunfante, com “O Profeta”, estreada em 22 de outubro daquele ano. Novamente Ivani Ribeiro abordava o tema da paranormalidade. Vários temas ecumênicos foram tratados ao longo da trama, que se tornou um grande sucesso. É a história de Daniel, um paranormal que vê o passado e o futuro. Em vez de ajudar as pessoas, ele usa o poder em benefício próprio. Torna-se famoso e rico. Envolve-se com Sonia, noiva do amigo Murilo. A novela atingiu o seu clímax quando Daniel previu a morte de Murilo. Acusado de ter provocado a morte do rapaz para ficar com Sonia, Daniel é preso. No final mostra-se atormentado por seus poderes. Amparado por Carola, uma gordinha desengonçada que nutria uma paixão platônica por ele, descobre que só quer viver uma vida de homem simples ao lado dela. Carlos Augusto Strazzer, que vinha de um grande sucesso em “Éramos Seis”, foi promovido a protagonista da emissora, vivendo um dos maiores personagens da sua carreira. Débora Duarte então casada com o cantor Antonio Marcos, rescindiu com a TV Globo, voltando para a TV Tupi após cinco anos na emissora carioca. O motivo foi para que a atriz pudesse ficar em São Paulo, ao lado do marido. A atriz tinha dado à luz à filha Paloma Duarte, o que facilitou a composição de uma personagem gordinha. No fim da novela, Carola aparecia magra e bela. Irene Ravache e David José protagonizaram cenas hilariantes, vivendo o casal Teresa e Armando. A novela chegou a ameaçar a audiência de “O Astro”, de Janete Clair. No elenco Elaine Cristina, Cláudio Corrêa e Castro, Rolando Boldrin, Ana Rosa, Glauce Graieb, Márcia de Windsor, Aldo César, John Herbert, Yolanda Cardoso, Jacques Lagoa, Rildo Gonçalves, Suzy Camacho, Abrahão Farc e Luiz Carlos de Moraes.
Em 1978 Ivani Ribeiro surpreenderia novamente, com “Aritana”, abordando a temática indígena. Conta a história de Aritana, índio filho de um homem branco e de uma índia. Seu tio é um rico fazendeiro, que não quer dividir com a ele as terras que herdou do pai. Vivendo no Xingu, ele parte para a cidade em busca da herança, para garantir a sobrevivência do seu povo e defender as terras, ameaçadas de serem vendidas pelo tio para os americanos. Na cidade, apaixona-se pela bela veterinária Estela. Na sua simplicidade de índio, sofre com o escárnio dos brancos e com a indiferença de Estela. Carlos Alberto Riccelli, com o seu físico loiro, sofreu um profundo processo de caracterização para que se transformasse no índio Aritana, surpreendendo a todos. A novela incomodou fazendeiros, que viam nas reivindicações dos índios uma ameaça, o fato obrigou a TV Tupi a levar ao ar o especial “O Caso Aritana, uma Novela a Parte”. Atores e diretores , os irmãos Villas-Boas e outros órgãos de defesa dos índios, defendiam no especial as idéias da autora. Normalmente a TV Tupi gerava os seus ídolos e a TV Globo os contratava. Em “Aritana” aconteceu o contrário, grandes nomes vieram da emissora carioca. Bruna Lombardi, recém revelada pela TV Globo na novela “Sem Lenço, Sem Documento”, protagonizava a trama de Ivani Ribeiro, o seu encontro com Carlos Alberto Riccelli renderia um casamento que dura até os dias atuais. Carlos Vereza, Jorge Dória, Francisco Milani e Jayme Barcellos, também vieram da TV Globo. Wanda Stefânia, que naquele ano passara com sucesso pela aldeia global, protagonizando a telenovela “Te Contei?”, de Cassiano Gabus Mendes, voltava à TV Tupi. Outra contratação foi a do ator português Tony Correa, que fora revelado em “O Casarão”, em 1976, e um dos protagonistas da novela “Locomotivas”, em 1977, ambas na TV Globo. O luxuoso elenco de “Aritana” contava ainda com Geórgia Gomide, Cleyde Yáconis, Othon Bastos, John Herbert, Márcia Real, Ana Rosa, Maria Estela, Arlete Montenegro, Serafim Gonzalez, Carminha Brandão, Marcos Caruso, Haroldo Botta e Suzy Camacho.
“Aritana” foi a última novela de Ivani Ribeiro para a TV Tupi, que entraria em dificuldades financeiras, fechando as suas portas em 1980, depois de agonizar por mais de um ano. No período de agonia da emissora, os sucessos de Ivani Ribeiro foram reprisados para suprir a falta de programação. Estava encerrada a era de ouro da TV Tupi, e a fase de Ivani Ribeiro como autora contundente do horário nobre.

Breve Passagem Pela TV Bandeirantes

Com o fim da TV Tupi, atores, diretores e autores das novelas da emissora foram contratados pela TV Bandeirantes e pela TV Globo. Ivani Ribeiro iniciaria uma nova fase da sua carreira de autora de telenovelas. Contratada pela TV Bandeirantes, viu dois dos seus grandes sucessos reeditados por aquela emissora, em 1980: “A Deusa Vencida”, de 1965, com Elaine Cristina, Roberto Pirillo, Altair Lima (interpretando a mesma personagem que fizera na primeira versão da TV Excelsior), Agnaldo Rayol, Márcia Maria, Neuci Lima, Leonor Lambertini, Neuza Borges, Oscar Felipe e Luiz Carlos Arutin; e, “O Meu Pé de Laranja Lima”, de 1970, com Dionísio Azevedo, Baby Garroux, Fausto Rocha, Regina Braga, Cristina Mullins, Rogério Márcico, Elias Gleizer, Enio Gonçalves, Maria Ferreira, Neuza Borges, Geny Prado e Alexandre Raymundo como o menino Zezé. As reedições das novelas cumpriram a sua função de entretenimento, sem causar grandes audiências.
A grande surpresa de Ivani Ribeiro na TV Bandeirantes foi “Cavalo Amarelo”, deliciosa novela em tom de comédia, que trazia a irreverente Dercy Gonçalves como protagonista. A novela era composta por um elenco vigoroso, com excelentes interpretações de Wanda Stefânia no papel de uma mulher que se vestia de homem para sustentar a família; Yoná Magalhães no seu primeiro encontro com uma trama de Ivani Ribeiro; além das presenças de Fúlvio Stefanini, Rodolfo Mayer, Jorge Dória, Rolando Boldrin, Márcia de Windsor, Kito Junqueira, Aldo César, Newton Prado, Etty Fraser, Carmen Monegal, Caminha Brandão, Maximira Figueiredo, Jacques Lagoa, Arlete Montenegro e Regina Dourado. O sucesso da personagem de Dercy Gonçalves, Dulcinéa, foi imenso, fazendo com que a emissora criasse uma continuação, a novela “Dulcinéa Vai a Guerra”. Ivani Ribeiro recusou-se a escrever a continuação, cabendo a Sérgio Jockyman e Jorge Andrade a escrever a trama.
Em 1981 Ivani Ribeiro escreveu “Os Adolescentes”, tendo como temática os problemas dos jovens na transição para a idade adulta. O tema era pouco explorado na época, com raras exceções para “Dancin’ Days”, novela de Gilberto Braga de 1978. A trama girava em torno de quatro adolescentes, Doca (André de Biasi), um viciado em drogas; Caíto (Flávio Guarnieri), que trazia tendências homossexuais; Majô (Tássia Camargo), apaixonada pelo padrasto; e, Bia (Júlia Lemmertz), que se encontrava grávida. No meio dos jovens transitava o professor Túlio, ex-viciado. O papel foi interpretado pelo ator Kito Junqueira. Roteiro ousado para época, onde a autora abordava com delicadeza temas que envolviam os adolescentes da época. Ivani Ribeiro não terminaria de escrever a novela, depois de um desgaste com a emissora, marcada por desencontros pontuais, a autora foi afastada da trama, sendo substituída por Jorge Andrade. A novela trazia uma série de novos atores que construiriam grandes carreiras, como Giuseppe Oristânio, Júlia Lemmertz, Tássia Camargo, Lília Cabral e André de Biasi. Ainda no elenco, Norma Benguell, Beatriz Segall, Selma Egrei, Márcia de Windsor, Paulo Vilaça, Roberto Maya, Emílio de Biasi, Imara Reis, Hugo Della Santa, Mayara Magri, Sonia Oiticica, Carmem Silva, Fábio Cardoso, Lúcia Mello, Ricardo Graça Mello e Arlete Montenegro.
Ivani Ribeiro encerrava a sua passagem meteórica na TV Bandeirantes, migrando, finalmente, para a poderosa TV Globo, onde permaneceria até a sua morte.

Sucessos e Reedições na TV Globo

Em 1982, Ivani Ribeiro foi contratada pela TV Globo. A grande dama das telenovelas, que na década anterior ameaçara tantas vezes a hegemonia de audiência da emissora, chegava àquela casa modestamente, no horário das 19h00. As limitações do horário não intimidaram a autora. Na sua estréia na emissora carioca trouxe uma história sucinta, bem acabada, com temas leves, mas tratados com maestria. A novela era “Final Feliz”, e seria a última trama inédita da autora. Natália do Valle vivia a geniosa Débora, a sua primeira protagonista, fazendo par romântico José Wilker. A química entre os atores sustentou a personalidade difícil e bombástica das suas personagens, tanto que voltariam a fazer par romântico em “Transas e Caretas”, em 1984. Paralelo à história tumultuada do romance entre Débora e Rodrigo, circulavam personagens interessantes e marcantes, como Mestre Antonio, um pescador nordestino humilde que vinha do nordeste à procura da filha Bartira. A personagem vivida magistralmente por Stênio Garcia, valeu ao ator o prêmio Destaque do Ano e da ABCA (Associação Brasileira de Críticos de Arte). A empatia entre Mestre Antonio e Rafael, um jovem com deficiência mental, comoveu o Brasil. Rafael é daquelas personagens desprotegidas, carismáticas, que todos querem amparar, típicas do universo de Ivani Ribeiro. A atuação de Irving São Paulo conquistou a autora, que passaria a tê-lo em todas as suas tramas. Última novela da extraordinária atriz Elza Gomes, considerada a mãe de todas as personagens das novelas das décadas de 1970 e 1980. A atriz viveu uma doce, alegre e trambiqueira velhinha, Dona Sinhá, fornecedora de carne de coelho a um restaurante; mas na verdade, ela criava gatos em casa e os vendia como coelhos. Outro momento histórico foi a campanha antitabagismo da autora, defendida na voz de Lucinha, personagem de Cissa Guimarães; numa época em que as fábricas de cigarro faziam grande merchandising nas telenovelas. “Final Feliz” foi uma novela sem pretensões da autora, que não se arriscou em uma trama densa no horário proposto. Não causou impacto na obra da autora, mas cumpriu a função de entretenimento. No elenco Lílian Lemmertz, Lídia Brondi, Walmor Chagas, Milton Moraes, Mirian Pires, Adriano Reys, Buza Ferraz, Roberto Maya, Priscila Camargo, Célia Biar, Lúcia Alves, Wolf Maya, Cininha de Paula, Aracy Cardoso, Angelina Muniz, Enio Santos, Tetê Pritzl, Ney Santana, Eduardo Lago, Oswaldo Louzada, Francisco Milani, Thais de Campos, Patrícia Bueno, José Augusto Branco, Cláudia Magno, Augusto Olímpio e Reny de Oliveira. Visto através do tempo, percebe-se o tanto que a morte já devastou este elenco, deixando uma saudade perene no público.
A partir de 1984, Ivani Ribeiro passou a rever as suas obras, recriando as suas histórias, dando-lhe títulos novos, mudando alguns nomes de personagens e acrescentando outros. Foi o caso de “Amor Com Amor Se Paga”, reedição de “Camomila e Bem-Me-Quer”, sucesso de 1972 da extinta TV Tupi. A novela alcançou um grande sucesso, em parte devido à personagem de Nonô Correia, personagem vivido magistralmente por Ary Fontoura, em um dos momentos mais marcantes da sua carreira. Berta Loran, grande humorista brasileira, fazia uma participação rara em novelas, vivendo Frosina, empregada do avarento Nonô Correia. Os duelos cômicos entre as personagens geraram cenas antológicas. A novela desfilava atores jovens, que pelas mãos de Ivani Ribeiro, firmavam as suas carreiras. Entre as estréias estava a atriz Claudia Ohana, vinda das telas do cinema nacional. Edson Celulari vivia o seu primeiro protagonista. Yoná Magalhães, após cinco anos de ausência, voltava às novelas da TV Globo. Fernando Torres deu o tom exato ao carismático tio Romão. Wanda Stefânia viveu uma sofrida personagem, que se anulou para que o marido formasse, sendo depois desprezada por ele, por não ser uma mulher culta. Flávio Galvão dividiu com a atriz momentos de pura emoção e reflexão da visão feminina de Ivani Ribeiro. O elenco era também composto por Carlos Eduardo Dolabella, Adriano Reys, Caíque Ferreira, Bia Nunes, Oberdan Junior, Milton Moraes, Arlete Salles, Mayara Magri, Matheus Carrieri, Beatriz Lyra, Miguel Falabella, Júlia Lemmertz, Carlos Kroeber, Wanda Cosmo, Paulo César Grande, Chica Xavier, Narjara Turetta, Mário Cardoso, Ana Ariel e Vera Gimenez.
“A Gata Comeu”, em 1985, trazia de volta outro grande sucesso da autora, “A Barba Azul”, feita em 1974. Christiane Torloni e Nuno Leal Maia viviam o casal Jô e Fábio, originalmente vividos pela mítica dupla romântica Eva Wilma e Carlos Zara. Revigorada, a história tornou-se um dos maiores sucessos de audiência da década de 1980. O elenco infantil trazia nomes como Danton Mello, Juliana Martins e Oberdan Júnior, que fariam carreiras quando adultos. Ivani Ribeiro conseguia contar, mais uma vez, uma história antiga com a emoção de uma nova. No elenco Bia Seidl, Mauro Mendonça, Cláudio Corrêa e Castro, Eduardo Tornaghi, José Mayer, Deborah Evelyn, Roberto Pirillo, Dirce Migliaccio, Luiz Carlos Arutin, Anilza Leoni, Laerte Morrone, Marilu Bueno, Rogério Fróes, Fátima Freire, Monah Delacy, Aracy Cardoso, Norma Géraldy, Jayme Periard, Mayara Magri, Kleber Macedo, Nina de Pádua, Diana Morell e Germano Filho.
Em 1986 a autora reeditou “Nossa Filha Gabriela”, de 1971, desta vez com o título de “Hipertensão”. Mudou o nome da personagem central, de Gabriela para Carina. Maria Zilda viveu a personagem que outrora fora de Eva Wilma. Cláudio Corrêa e Castro voltou a fazer o mesmo papel que defendera na versão original, o do velho e autoritário Napoleão. Mais uma vez Ivani Ribeiro revelava uma safra de jovens atores que marcavam estréia na trama, entre eles Cláudia Abreu, Carla Marins, Antonio Calloni e Eri Johnson. Ainda no elenco Cláudio Cavalcanti, Elizabeth Savalla, Paulo Gracindo, Ary Fontoura, José Mayer, Carlos Eduardo Dolabella, Geórgia Gomide, Paulo Betti, Taumaturgo Ferreira, Lúcia Alves, Stênio Garcia, Eloísa Mafalda, Deborah Evelyn, Nelson Xavier, Lília Cabral, Ruy Resende, Oswaldo Louzada, Ida Gomes e Ana Ariel.
Ivani Ribeiro encerrava a década de 1980 com “O Sexo dos Anjos”, em 1989, reedição de “O Terceiro Pecado”, novela da antiga TV Excelsior, feita em 1968. Na primeira versão, a história era ambientada na década de 1920, aqui ela era transportada para o tempo atual. Foi a novela que menos fez sucesso de todas as reedições de Ivani Ribeiro. Em parte por um elenco que não se mostrou apurado com o tema. Bia Seidl esteve sedutora como a Morte, mas longe da criação enraizada de Nathália Timberg. Isabela Garcia viveu com doçura a personagem central, mas sem as nuances da eterna Namoradinha do Brasil, Regina Duarte. Na composição do elenco, Joana Fomm recusou o papel de Vera, sendo substituída por Norma Benguell, fato curioso, pois em 1978 acontecera o contrário, Joana Fomm substituíra Norma Benguell em “Dancin’ Days”, interpretando a vilã Yolanda Pratini. Ainda no elenco Felipe Camargo, Marcos Frota, Caíque Ferreira, Irving São Paulo, Myrian Pérsia, Silvia Buarque, Carla Marins, Paulo Figueiredo, Otávio Muller, Eloísa Mafalda, Stepan Nercessian, Bianca Byngton, Tonico Pereira, Rodolfo Bottino, Emiliano Queiroz, Inês Galvão, Ilva Niño, Cosme dos Santos, Rosana Garcia, Paula Burlamaqui, Leina Krespi, Carlos Kroeber. Enquanto uns chegavam, como Humberto Martins, que fazia a sua estréia, outros partiam, como Lutero Luiz, que se despedia de cena.
Em 1990 Ivani Ribeiro decidiu reeditar aquela que tinha sido o seu maior sucesso, “Mulheres de Areia”. O projeto só foi aprovado pela TV Globo em 1992. Glória Pires foi escalada para viver as gêmeas Ruth e Raquel, personagens que alavancara a carreira de Eva Wilma. A gravidez da atriz atrasou o projeto, e a segunda versão de “Mulheres de Areia” só foi ao ar em 1993. Nesta versão, a autora incorporava à trama “O Espantalho”, com Raul Cortez a fazer o papel originalmente dado a Jardel Filho. Ivani Ribeiro tinha a difícil tarefa de transformar uma trama originalmente feita para ir ao ar mais tarde, em horário nobre, desta vez com formato de novela das 18h00. As limitações do horário não prejudicaram a reedição da novela, que se tornou, pela segunda vez, um dos maiores sucessos da televisão brasileira, e um dos maiores produtos de exportação para o mundo. Na Rússia a novela atingiu índices históricos de audiência, tanto que o governo exibiu o último capítulo no dia de eleições, evitando que os eleitores viajassem no feriado e aumentasse a ida às urnas. Em Portugal a trama pôs a SIC, emissora que havia sido fundada recentemente, na liderança, derrubando a hegemonia da RTP, que jamais se recuperou. Glória Pires viveu um dos momentos mais elogiados da sua carreira e, mais uma vez, Ivani Ribeiro mostrou que podia se reinventar e, o porque de ser uma das maiores novelistas do país. Além de Glória Pires e Raul Cortez, o elenco trazia Guilherme Fontes, Marcos Frota, Suzana Vieira, Laura Cardoso, Vivianne Pasmanter, Paulo Betti, Sebastião Vasconcelos, Humberto Martins, Nicette Bruno, Adriano Reys, Andréa Beltrão, Jonas Bloch, Thaís de Campos, Daniel Dantas, Isadora Ribeiro, Oscar Magrini, Irving São Paulo, Edwin Luísi, Paulo Goulart, Ricardo Blat, Henri Pagnocelli, Eduardo Moscovis, Gabriela Alves, Suely Franco, Denise Milfont, Stepan Nercessian, Lu Mendonça, além de Carlos Zara, que participara da versão original.
Com o triunfo de “Mulheres de Areia”, Ivani Ribeiro reeditou outro grande sucesso do antigo horário nobre da TV Tupi, “A Viagem”, desta vez indo ao ar à 19h00. A vida após a morte voltava a ser tema, e o sucesso da novela foi garantido. Christiane Torloni viveu Diná, mais uma vez tomando para si uma personagem que pertencera a Eva Wilma. A maturidade da atriz garantiu-lhe uma interpretação límpida, sincera e expressiva. Antonio Fagundes, que na versão de 1975 recusara o papel de Alexandre, voltava ao universo de Ivani Ribeiro, interpretando César Jordão, aqui com o nome alterado para Otávio Jordão. A inflexibilidade expressiva de Maurício Mattar no papel de Teo não garantiu o carisma alcançado por Tony Ramos na versão anterior. Momento de emoção conseguida pela figura misteriosa do Mascarado, interpretado por Breno Moroni, homem que escondia o rosto deformado atrás de uma máscara de Pierrô, personagem ícone do universo da autora. No elenco Guilherme Fontes, Yara Cortes, Cláudio Cavalcanti, Lucinha Lins, Ary Fontoura, Nair Bello, Laura Cardoso, Thaís de Campos, Lolita Rodrigues, Suzy Rêgo, Miguel Falabella, Jonas Bloch, Andréa Beltrão, John Herbert, Denise Del Vecchio, Felipe Martins, Jayme Periard, Tânia Scher, Eduardo Galvão, Irving São Paulo, Mara Carvalho, Mara Manzan, Fernanda Rodrigues, Ricardo Petráglia, Myrian Pérsia, Cláudio Mamberti, Maria Alves, Solange Couto, Gésio Amadeu, Jorge Pontual, Lafayette Galvão, Mylla Christie, Daniel Ávila, Roberta Índio do Brasil e Danton Mello.
Com “A Viagem”, Ivani Ribeiro despedia-se do seu público. Em 1995, bastante afetada pela diabetes, que lhe trazia dificuldades em enxergar, foi internada com insuficiência renal provocada pela doença. No período de internação, perdeu o marido, Dárcio Ferreira, companheiro de toda a vida. A autora jamais soube da perda, vinte dias depois da morte do marido, em 17 de julho de 1995, veio a falecer, fazendo a sua própria viagem.
Ivani Ribeiro legou uma das mais extensas obras da teledramaturgia brasileira, repleta êxitos e grandes sucessos. Deixou duas obras inéditas, sendo uma delas o roteiro de “Caminho dos Ventos”, que foi ao ar postumamente, em 1996 com o nome de “Quem É Você?”, escrita inicialmente por sua assistente, Solange Castro Neves, e concluída por Lauro César Muniz. A novela protagonizada por Elizabeth Savalla, Alexandre Borges, Cássia Kiss, Francisco Cuoco e Paulo Gorgulho, foi um fracasso de audiência. Faltou a mão de Ivani Ribeiro. Outra obra inédita, “O Sarau”, minissérie de doze capítulos, inspirada em obras de Machado de Assis, continua arquivada, sem ser produzida.
Em 1998 a TV Bandeirantes levou ao ar a terceira versão de “O Meu Pé de Laranja Lima”, adaptada por Ana Maria Moretzsohn, com Gianfrancesco Guarnieri, Caio Romei, Regiane Alves, Flávia Pucci, Leonardo Medeiros, Lu Grimaldi, Karla Muga e outros no elenco. Em 2006 Thelma Guedes e Duca Rachid adaptaram “O Profeta”. A novela perdeu a essência do universo de Ivani Ribeiro, sem o glamour que teve em 1977, quando foi levada ao ar em horário nobre pela TV Tupi. Ivani Ribeiro, mesmo não tendo sido escalada jamais para escrever uma novela para o horário nobre da TV Globo, garantiu por mais de uma década, grandes sucessos para a emissora. Seu nome está para sempre escrito em letras douradas na história das telenovelas brasileiras.

OBRAS:

Telenovelas

1954 – A Muralha (TV Record)
1958 – A Muralha (TV Tupi)
1959 – Desce o Pano (TV Record)
1962 – A Muralha (TV Cultura)
1963/1964 – Corações em Conflito (TV Excelsior)
1964 – Alma Cigana (TV Tupi)
1964 – Ambição (TV Excelsior)
1964 – A Gata (TV Tupi)
1964 – A Moça Que Veio de Longe (TV Excelsior)
1964 – Se o Mar Contasse (TV Tupi)
1964 – A Outra Face de Anita (TV Excelsior)
1965 – Onde Nasce a Ilusão (TV Excelsior)
1965 – A Indomável (TV Excelsior)
1965 – Vidas Cruzadas (TV Excelsior)
1965 – A Deusa Vencida (TV Excelsior)
1965 – A Grande Viagem (TV Excelsior)
1966 – Almas de Pedra (TV Excelsior)
1966 – Anjo Marcado (TV Excelsior)
1966/1967 – As Minas de Prata (TV Excelsior)
1967/1968 – Os Fantoches (TV Excelsior)
1968 – O Terceiro Pecado (TV Excelsior)
1968/1969 – A Muralha (TV Excelsior)
1969 – Os Estranhos (TV Excelsior)
1969 – A Menina do Veleiro Azul (TV Excelsior)
1969/1970 – Dez Vidas (TV Excelsior)
1970 – As Bruxas (TV Tupi)
1970/1971 – O Meu Pé de Laranja Lima (TV Tupi)
1971 – A Selvagem (argumento – TV Tupi)
1971/1972 – Nossa Filha Gabriela (TV Tupi)
1972 – O Leopardo (TV Record)
1972/1973 – Camomila e Bem-Me-Quer (TV Tupi)
1973/1974 – Mulheres de Areia (TV Tupi)
1974/1975 – O Machão (argumento – TV Tupi)
1974 – Os Inocentes (TV Tupi)
1974/1975 – A Barba Azul (TV Tupi)
1975/1976 – A Viagem (TV Tupi)
1977 – O Espantalho (TVS – TV Record)
1977/1978 – O Profeta (TV Tupi)
1978/1979 – Aritana (TV Tupi)
1980 – A Deusa Vencida (2ª versão – TV Bandeirantes)
1980 – Cavalo Amarelo (TV Bandeirantes)
1980/1981 – O Meu Pé de Laranja Lima (2ª Versão – TV Bandeirantes)
1981/1982 – Os Adolescentes (TV Bandeirantes)
1982/1983 – Final Feliz (TV Globo)
1984 – Amor Com Amor Se Paga (TV Globo)
1985 – A Gata Comeu (TV Globo)
1986/1987 – Hipertensão (TV Globo)
1989/1990 – O Sexo dos Anjos (TV Globo)
1993 – Mulheres de Areia (2 ª Versão – TV Globo)
1994 – A Viagem (2ª Versão – TV Globo)
1996 – Quem É Você? (Argumento – TV Globo)
1998 – O Meu Pé de Laranja Lima (3ª versão – TV Bandeirantes)
2006/2007 – O Profeta (Versão escrita por Duca Rachid e Thelma Guedes – TV Globo)

Séries e Teleteatros

1952 – Os Eternos Apaixonados (TV Tupi)
1960 – Teleteatro 9